RESEÑA: Heartbreak House, Union Theatre ✭✭✭✭

Heartbreak House

Union Theatre,

10 de enero de 2018

4 estrellas

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De todas las obras que escribió George Bernard Shaw, hay una que sin duda se ganó un lugar en el corazón y la mente de los soviéticos: esta.  No cuesta ver por qué.  Muy al estilo de Bulgákov —y antes que él, Chéjov—, en esta sencilla historia de una reunión en una casa de campo de “tipos” representativos en torno al estallido de la Gran Guerra (aunque se escribió justo después de su final), Shaw retrata a unas clases dirigentes desganadas, malcriadas y sin rumbo tal y como él las ve, y después las somete a un ajuste de cuentas atronador, cuando su visión cuidadosamente articulada de la inevitabilidad histórica termina alcanzándolas.  Vemos su mundo de fantasía derrumbarse hasta quedar en ruinas y disfrutamos a lo grande del espectáculo de su destrucción, como si fuéramos a ver alguna vieja superproducción de catástrofes al Drury Lane.  Y en esta producción de la Phil Willmott Company —que ya se está convirtiendo en veterana del nuevo espacio del Union en Southwark— recibimos un montaje elegante que luce todas sus mejores virtudes.

Eso sí, en la primera mitad, tan espumosa y de tono ligero, no hay demasiado que nos prepare para lo que está por venir.  Justin Williams y Jonny Rust se han volcado con el diseño y nos sirven una magnífica zigurats de niveles, que recuerda mucho al espacio casi naval que exige el texto, y que incorpora tantas referencias costeras, rurales, cultas y patrióticas como es posible.  Incluso hay un cañón (aunque, por desgracia, no llegamos a verlo disparar).  Ben Jacobs lo ilumina todo para sacar el máximo de profundidad y perspectiva, Philip Matejtschuk lanza sonidos de época y de lugar para afianzar nuestra sensación de realidad de la casa, y el estupendo vestuario de Penn O'Gara logra el mismo efecto.

No puede decirse lo mismo, del todo, de las interpretaciones en la primera mitad.  Lianne Harvey es la primera en salir a escena —en un delicioso haz de luz de Jacobs, demasiado fugaz— y está vivaz e inocente como Ellie Dunn, mientras que Alison Mead ofrece un giro entrañable como la Nurse Guinness.  Hasta aquí, bien; pero cuando aparece el Capitán Shotover de James Horne y empiezan a inundarnos las complicaciones de la deliberadamente enrevesada trama de Shaw, comienza a crecer una sensación de inquietud.  ¿Hacia dónde va todo esto?  La cosa se vuelve aún más preocupante con la llegada de los demás visitantes del fin de semana: la Lady Ariadne Utterword de Francesca Burgoyne, furiosamente —y aterradoramente— enérgica, espléndida entre plumas y satén fruncido; el Randall Utterword de Toby Spearpoint, pálido y dócil en exceso; el horror marcial, de nombre muy apropiado, que es el Hector Hushabye de Mat Betteridge, un donjuán fanfarrón, y su esposa, sorprendentemente indiferente, la hija de la casa, la Hesione Hushabye de Helen Anker.  También llega otra pareja de visitantes, vinculados de un modo u otro a Ellie: el Mazzini Dunn de Ben Porter, rígido pero humano, y el intruso “comercial” totalmente fuera de lugar de J P Turner, Boss Mangan.  Y hasta hay un ladrón, interpretado por Richard Harfst con aire de cockney costero.

Esta colección de nombres parlantes probablemente señala la principal tendencia del texto en esta primera parte: ofrecer un parloteo continuo y un desfile de arquetipos.  Y, con poco más de trama con la que trabajar, eso es lo que nos entregan.  Es fiel a las intenciones del libreto, pero deja al descubierto todas las debilidades de fábrica de Shaw: vivirlo es como comerse una gran cantidad de glaseado sin fruta debajo.  Al cabo de un rato, resulta empalagoso e irremediablemente superficial.  El público anhela algo más sencillo, más terrenal.  Por suerte, justo al final de la primera mitad, alguien saca un arma y un rayo de posibilidad irrumpe en el escenario.  Sin embargo, tras una primera mitad larga y más bien inútil, te vas al bar en el intermedio sin estar realmente convencido de que vaya a surgir nada de verdadera trascendencia.

Y qué equivocado estás.  La acción se reanuda como si no hubiera habido pausa, y nos vemos impulsados hacia un terreno mucho más oscuro —y mucho más interesante—.  De repente, aunque el arma tampoco se dispara (menos mal, con tantos paquetes de dinamita desperdigados por el escenario), la tediosa superficialidad de estos personajes queda hecha añicos.  Ahora tienen que verse tal como son, y Shaw permite que el proceso siga su curso natural, dejando que las cosas sucedan, que se deshilachen, que se desarrollen de forma orgánica.  Por fin, el escenario se llena de auténtico drama: un acto de confesión —o, más bien, de exposición— sigue a otro.  Cargados con las incómodas molestias de La Verdad, los personajes pierden el aplomo y sufren un despertar, quedando a la deriva unos de otros, o inesperadamente arrojados junto a personas con las que no creían querer estar, en esta gran casa cuyo corazón —en todos los sentidos— se ha roto de verdad.  De golpe, nos encontramos en el mismo mundo moderno que, por ejemplo, “La règle du jeu”, y el de todas las décadas posteriores hasta hoy: desde luego, el destino de una nación no puede ponerse en manos de gente tan completamente incapaz de gestionarlo con eficacia; o, si ha de ser así, ¿podrán ellos —o podremos nosotros— tener algún futuro?

Milagrosamente, en la segunda parte de la obra Shaw extrae el prodigio de su rejuvenecimiento a partir de los despojos ociosos de la primera.  No lo ves venir en absoluto, y por eso resulta tan divertido cuando te golpea.  Y luego, del mismo modo que los personajes pierden la posición que se atribuían en la primera mitad, de forma asombrosa e inesperada alcanzan mucho más atractivo y simpatía de lo que jamás hubieras pensado que podían llegar a tener.  Shaw no nos ofrece exactamente esperanza, pero pinta un cuadro que reconocemos como algo que nos habla hoy.  Hay que esperar un poco para llegar ahí, pero merece de sobra la pena perseverar.

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