KRITIK: Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart – Theatre Royal Windsor. Foto: John Walmsley Joking Apart

Theatre Royal, Windsor

23. Juni 2015

4 Sterne

„Eine Tragödie des Menschen besteht oft nicht darin, dass er scheitert, sondern darin, dass er fast gewinnt.“

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Direkt unterhalb der Wehrmauer von Schloss Windsor liegt das reizende edwardianische Theatre Royal, dessen elegantes Creme, Gold und Plüsch derzeit einer kurzen Reihe hochklassiger Stücke ein Zuhause gibt – einer Spielzeit, die für einen Moment den Geist des gemeinschaftlichen Repertoiretheaters wiederaufleben lässt. Ein Teil dieser kurzen Saison ist die sehr willkommene Wiederaufnahme von Alan Ayckbourns Joking Apart, einem Stück, das seit seiner erfolglosen Londoner Premiere Ende der 70er Jahre vergleichsweise selten gespielt wurde.

Dies ist eine von Ayckbourns düstereren Komödien, die sich mit der zerstörerischen, zersetzenden Wirkung von Eifersucht und Neid befasst. Im Zentrum steht ein Ehepaar, Richard (Chris Casey) und Anthea (Stephanie Willson) – die Verkörperung von Güte, Talent, Attraktivität, beruflichem Erfolg, Bonhomie und Gemeinsinn. Um sie herum scharen sich ihre Freunde, die allesamt zunehmend unglücklich werden und deren Beziehungen immer dysfunktionaler werden, während Richard und Anthea strahlend unverändert bleiben. Es gibt zwei Akte und vier Szenen; die Handlung spielt im hinteren Garten des Hauses von Richard und Anthea und erstreckt sich insgesamt über zwölf Jahre, wobei sich Winter- und Sommerszenen abwechseln.

Wie Ayckbourn selbst im Programmheft anmerkt, gibt es schon immer das Problem, wie man undifferenzierte Güte dramatisch interessant macht. So wie Miltons Gott im Vergleich zur gequälten, vielschichtigen Zeichnung Satans langweilig wirkt, ist es schwer, aus den zufriedenen Ehen schöner und erfolgreicher Menschen ein zwingendes Stück zu machen. Seine Lösung besteht darin, den Fokus nicht auf Richard und Anthea selbst zu legen, sondern auf die Handlungen und Reaktionen sowie die sich anstauenden Ressentiments ihrer Freunde. Der emotionale Schwerpunkt wird so auf faszinierende Weise von der Mitte weg zu den Nachbarn verlagert: dem örtlichen Vikar und seiner Frau, Hugh (Anton Tweedale) und Louise (Natalie Douglas), einem Geschäftspartner, Sven (Alec Fellows-Bennett), und dessen Frau Olive (Lou Lou Mason), sowie einem alten Freund Antheas, Brian (Gary Roe), der mit einer Abfolge von identikit-Freundinnen erscheint – alle gespielt von Grace K. Miller. Wir durchlaufen die vertraute Abfolge bürgerlicher gesellschaftlicher Rituale, sammeln Informationen über die Vergangenheit und die aktuellen Sorgen der Figuren, während die emotionalen Unterströmungen stärker werden und die Spannungen zwischen ihnen verzweifelter – bis sie schließlich in Konfrontationen aufbrechen, die zugleich höchst komisch und berührend sind.

Timing und Tempo sind in Ayckbourns Stücken entscheidend. Wenn beides stimmt, funktioniert das Stück wie ein exquisiter Uhrwerk-Mechanismus; wenn nicht, droht es unerquicklich und beliebig zu wirken. Die Grenze zwischen berauschendem Erfolg im Repertoire und hölzernem Scheitern ist gefährlich schmal. In der ersten Hälfte des Abends war ich zeitweise besorgt, wir könnten auf die falsche Seite dieser Linie geraten, und dachte – wie so oft –, dass Premierenabende besser etwas später in der Laufzeit eines Stücks angesetzt wären, wenn alles in den richtigen Groove gefunden hat. Zu Beginn ging es zu langsam, und das Ensemble war bei Einsätzen und im Spiel zwischen den Zeilen nur einen Hauch zu selbstzufrieden. Offenkundig war ich mit diesem Eindruck nicht allein – gemessen an diesem Wortwechsel, den ich in der Pause zwischen zwei Zuschauenden aufschnappte, die glatt aus einem Ayckbourn-Stück hätten stammen können:

Ehemann: „Wir sitzen jetzt seit einer Stunde hier, Liebling, und es ist nichts passiert!“

Ehefrau: „In seinen Stücken passiert doch nie etwas, bis sich jemand betrinkt!“

Das erwies sich als zutreffend – wie so oft bei Ayckbourn ist es tatsächlich der Alkohol, der in der zweiten Hälfte die Zungen auf zerstörerische Weise löst und die über Jahre angesammelten Ressentiments in schneidender Form überlaufen lässt. Doch inzwischen stimmte das Tempo perfekt, und das Stück arbeitete sich mit Kraft und Intensität zu seiner nüchternen Ausformulierung jener Wahrheit vor, die ich als Motto dieser Besprechung vorangestellt habe. Unter der Oberfläche des einfachen Wegs von der Jugend ins mittlere Alter liegt so manche düstere Akzeptanz von Kompromiss und Scheitern – umso dunkler, weil die beruflichen und persönlichen Niederlagen in Wahrheit Beinahe-Erfolge waren.

Sieht man den Text auf dem Papier, wirkt er flach und dünn – ganz ähnlich wie bei Coward. Es gibt wenig Oberflächenwitz oder Wortspiel. Doch der Text ist nur der Ausgangspunkt – ein Entwurf, der von den Schauspieler*innen vervollständigt und zum Leben erweckt werden muss. Das dürfte einer der Gründe sein, warum Darstellende diese Rollen so gern spielen: weil so viel Raum für kreative Erfindung und Interpretation bleibt. Man erkennt sofort, dass Ayckbourn selbst als Schauspieler begonnen hat. Er gibt einen Rahmen aus Stereotypen vor – und daraus die Chance, eine einzigartige, nuancierte Persönlichkeit zu formen. Die Interaktion der Figuren ist mit großer Präzision in Gang gesetzt und muss mit Sorgfalt und Respekt, Vertrauen und Genauigkeit behandelt werden; innerhalb dieser Struktur gibt es jedoch auch echte Freiheit. Dem Ensemble ist zu gratulieren, dass es diese Möglichkeiten in vollem Umfang ergriffen hat.

Als Richard und Anthea haben Casey und Willson in mancher Hinsicht die schwierigste Aufgabe. Sie sind charmant, attraktiv, irritierend erfolgreich in allem, was sie anpacken, großzügige Gastgeber der zahlreichen Zusammenkünfte, die die Handlung rahmen. Zugleich müssen sie das ruhende Zentrum sein, um das herum alles geschieht. Sie vermitteln überzeugend eine unbeschwerte Ahnungslosigkeit gegenüber den Problemen, Reaktionen und Empfindlichkeiten der anderen – etwas, das nur allzu gut als Folge ununterbrochener Siege seit jungen Jahren zu erkennen ist, sowie der Fähigkeit, zu bekommen, was man will, ohne sich besonders anstrengen zu müssen. In diesem Sinn sind sie nicht ganz so perfekt, wie Ayckbourn annimmt – aber sie sind vollkommen plausibel.

Als tollpatschiger, unbeholfener Gemeindepfarrer ist Tweedale äußerst wirkungsvoll. Er holt das Maximum aus der emotional steifen, klischeeüberladenen anglikanischen Rhetorik seiner Figur heraus und wird sehr bewegend, wenn er rohe Gefühle hindurchscheinen lässt. Douglas zeichnet den mentalen Zerfall seiner Frau Louise mit einer feinen Demonstration körperlicher Ungelenkigkeit nach, die treffend ihr wachsendes Gefühl sozialer Hilflosigkeit angesichts des unerbittlich effizienten Wohlwollens der Nachbarn verkörpert. Fellows-Bennett entwickelt eine präzise Charakterstudie von kaum unterdrückter Alpha-Männchen-Eifersucht und führt seine Figur vom skandinavischen Standard-Komikgegenspieler zu einer detaillierten Darstellung erst des Grolls gegen einen Rivalen und dann zu einem Wüten gegen die Niederlage, das Mark Antonys würdig ist. Mason hat als dessen Ehefrau weniger zu tun, vermittelt aber dennoch überzeugend ihre eigene panische Eifersucht auf Anthea und ihre jämmerlichen Versuche, ihren Mann zu stützen, indem sie seine Kritik an Richard bekräftigt. Roes Figur ist weniger ausgearbeitet als die übrigen, doch er macht das Beste aus einer bestimmten Rede, die berührend seine lebenslange Liebe zu Anthea offenbart: Wie so oft bei Ayckbourn ist der auf der Bühne gezeigte Schaden tatsächlich längst zuvor angerichtet worden, und wir erleben die verspäteten Reaktionen. Miller hat die knifflige Aufgabe, durchgehend ähnliche, unbedarfte junge Blonde zu spielen; doch sie unterscheidet sie sauber voneinander und liefert zudem ganz am Ende die Stimme einer jüngeren Generation – wo sie als Tochter des Hauses symbolisch verweigert, sich auf die Kämpfe und Allianzen einzulassen, die ihre Eltern in den vergangenen zwölf Jahren umgeben haben.

Wie in so vielen Theatern eines gewissen Alters ist die Bar im Theatre Royal stolz mit Fotos vergangener Produktionen aus dem goldenen Zeitalter des Repertoiretheaters gesäumt; und dort hingen tatsächlich die Produktionsfotos einer Inszenierung dieses Stücks aus dem Jahr 1986, Joking Apart – mit Dufflecoats, Krawattenschals und Tweedjacken, Kleidern mit Blumenmuster und großen, fransigen Frisuren, die einen sofort zurück in die 1970er versetzen. Doch die Lehre aus dieser gelungenen Produktion ist: Dies ist ein zeitloses Stück, das uns heute ebenso unverstellt einen Spiegel unserer Schwächen vorhält wie je zuvor. Weitere Informationen zur Rep-Spielzeit des Theatre Royal finden Sie auf der Website des Hauses.