CRITIQUE : Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart- Théâtre Royal Windsor. Photo: John Walmsley Joking Apart

Théâtre Royal, Windsor

23 juin 2015

4 étoiles

« La tragédie d’un homme est souvent non pas qu’il échoue, mais qu’il est sur le point de réussir. »

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Abrité sous la muraille du château de Windsor se trouve le charmant Théâtre Royal édouardien, dont la crème, l'or et le velours accueillent actuellement une courte série de pièces de haute qualité qui recrée brièvement l'esprit du théâtre de répertoire collaboratif. Un élément de cette courte saison est une renaissance bien accueillie de la pièce Joking Apart d'Alan Ayckbourn, qui a connu relativement peu de productions depuis une première londonienne infructueuse à la fin des années 70.

C'est l'une des comédies les plus sombres d'Ayckbourn, centrée sur l'impact destructeur et corrosif de la jalousie et de l'envie. Au cœur de tout cela se trouve un couple, Richard (Chris Casey) et Anthea (Stephanie Willson), qui sont l'incarnation de la bonté, du talent, de la beauté, de la réussite professionnelle, de la bonhomie et de l'esprit communautaire. Autour d'eux gravitent leurs amis, tous de plus en plus malheureux et dont les relations deviennent de plus en plus dysfonctionnelles tandis que Richard et Anthea restent éclatants d'inchangement. Il y a deux actes et quatre scènes, avec l'action se déroulant dans le jardin de la maison de Richard et Anthea, répartie sur douze ans au total, alternant entre les saisons d'hiver et d'été.

Comme Ayckbourn lui-même le note dans le programme, il y a toujours eu un problème quant à la manière de rendre la bonté indifférenciée dramatiquement intéressante. Tout comme le Dieu de Milton est ennuyeux comparé à la caractérisation angoissée et riche en couches de Satan, il est difficile de créer une pièce captivante à partir des mariages heureux de personnes belles et prospères. Sa façon de résoudre ce problème est de concentrer l'attention non pas sur Richard et Anthea eux-mêmes, mais sur les actions et réactions et les ressentiments accumulés de leurs amis. Ainsi, le focus émotionnel de la pièce est intriguant vers les voisins : le vicaire local et sa femme, Hugh (Anton Tweedale) et Louise (Natalie Douglas), un partenaire commercial, Sven (Alec Fellows-Bennett) et sa femme Olive (Lou Lou Mason), et un vieil ami d’Anthea, Brian (Gary Roe), qui apparaît avec une succession de petites amies identikit, toutes jouées par Grace K. Miller. Nous parcourons la séquence familière de rituels sociaux bourgeois accumulant des informations sur les vies passées et les préoccupations présentes des personnages tandis que les courants émotionnels deviennent plus forts et les tensions entre les caractères deviennent plus désespérées avant de s’ouvrir lors de confrontations intensément comiques et poignantes à la fois.

Le timing et le rythme sont vitaux dans les pièces d'Ayckbourn. Lorsqu'ils sont corrects, la pièce fonctionne comme un mécanisme d'horlogerie exquis, mais lorsqu'ils ne le sont pas, le résultat peut sembler inconséquent et inutile. La frontière entre le succès enivrant dans ce répertoire et le fiasco est dangereusement mince. Dans la première moitié de la soirée, j'étais parfois préoccupé par le fait que nous tomberions du mauvais côté de la ligne, et j'ai commencé à penser, comme je le fais souvent, que les soirées de presse seraient mieux placées plus tard dans la série d'une pièce une fois les choses installées dans une groove. Au début, les choses allaient trop lentement et le casting était juste légèrement complaisant sur leurs répliques et dans leur jeu désynchronisé. Visiblement, je n'étais pas seul à penser cela, à en juger par cet échange que j'ai entendu à l'entracte entre deux membres du public qui auraient pu passer pour des personnages d'Ayckbourn:

Mari : « Nous sommes ici depuis une heure, chère, et il ne s'est rien passé! »

Épouse : « Rien ne se passe jamais dans ses pièces jusqu'à ce que quelqu'un soit ivre! »

Cela s'est avéré vrai - comme souvent chez Ayckbourn, c'est en effet l'alcool qui, dans la seconde moitié, déliente les langues de manière destructrice et permet aux ressentiments accumulés des années de déborder de façon accablante. Mais à ce stade, le rythme était parfait et la pièce a avancé avec force et intensité vers sa dure délimitation de la vérité de la ligne que j'ai extraite en tête de cette critique. Sous la surface de la simple transition de la jeunesse à l'âge moyen, se cachent de nombreuses acceptations sombres de compromis et d'échec d'autant plus sombre que les échecs professionnels et personnels étaient en fait très proches.

Quand vous voyez le texte sur la page, il semble plat et mince - comme c'est le cas avec Coward. Il y a peu de sagesse superficielle ou de jeux de mots. Mais le texte n'est que le point de départ - un contour à compléter et à animer par les acteurs. Cela doit être l'une des raisons pour lesquelles les acteurs aiment jouer ces rôles - parce qu'il y a tout un espace pour l'invention créative et l'interprétation. Vous pouvez voir immédiatement qu'Ayckbourn a commencé comme acteur lui-même. Il donne à l'acteur un cadre de stéréotype et de là une chance de créer un individu unique et nuancé. L'écriture a mis en mouvement l'interaction des personnages avec une grande précision, et doit être traitée avec soin et respect, confiance et précision; mais dans cette structure il y a aussi une véritable liberté. Le casting mérite des félicitations pour avoir saisi ces opportunités pleinement.

En tant que Richard et Anthea, Casey et Willson ont, dans certains cas, la tâche la plus difficile. Ils sont charmants, beaux, ennuyeusement réussis dans tout ce qu'ils entreprennent, les hôtes munificents de toutes les fêtes qui encadrent l'action. Mais ils doivent aussi être le centre immobile autour duquel l'action se déroule. Ils réussissent à transmettre un sentiment de candeur inconsciente des problèmes, des réactions et des sensibilités des autres qui est trop reconnaissable comme l'une des conséquences de victoires ininterrompues dès le plus jeune âge et de la capacité à obtenir ce qu'on veut sans essayer très fort. En ce sens, ils ne sont pas tout à fait aussi parfaits que le suppose Ayckbourn, mais ils sont parfaitement plausibles.

En tant que prêtre paroissial maladroit et gauche, Tweedale est très efficace. Il tire le meilleur parti de la rhétorique anglicane émotionnellement inhibée et clichée de son rôle et devient très touchant lorsqu'il canalise une émotion brute à travers elle. Douglas retrace la désintégration mentale de sa femme, Louise, avec une belle démonstration de maladresse physique qui incarne avec justesse son sentiment croissant d’impuissance sociale face à l’efficacité implacable de la bonne volonté de ses voisins. Fellows-Bennett développe une belle étude de personnage sur la jalousie alpha-mâle à peine réprimée, et emmène son personnage depuis le statut de faire-valoir comique scandinave jusqu’à une description détaillée de la première rancœur envers un rival, puis vers un rugissement méritant de la défaite digne de Marc Antoine. Mason a moins à faire en tant que sa femme, mais réussit tout de même à bien communiquer sa propre jalousie paniquée envers Anthea, et ses tentatives pathétiques de soutenir son mari en approuvant sa critique de Richard. Le rôle de Roe est moins bien développé que les autres, mais il tire parti d'un discours particulier qui révèle de manière touchante son amour de toute une vie pour Anthea : comme souvent chez Ayckbourn, les dommages dépeints sur scène ont réellement été faits bien avant, et nous voyons les réactions retardées. Miller a la tâche délicate de jouer des jeunes blondes similaires tout au long de la pièce; mais elle distingue soigneusement entre elles, tout en fournissant la voix d'une génération plus jeune à la toute fin, où en tant que fille de la maison, elle refuse symboliquement de s’engager dans les batailles et les alliances qui ont entouré ses parents pendant les douze années précédentes.

Comme pour de nombreux théâtres d'un certain âge, le bar du Théâtre Royal est fièrement orné de photos de productions passées de l'âge d'or du théâtre de répertoire; et là, en effet, se trouvaient les photos de production d'une production de 1986 de cette même pièce, Joking Apart - tous manteaux duffle, cravates et vestes en tweed, robes à motifs floraux, et grandes coiffures frisées, vous ramenant directement aux années 1970. Mais la leçon de cette belle production est que c'est une pièce intemporelle qui nous renvoie un miroir fidèle de nos faiblesses maintenant comme elle l'a toujours fait auparavant. Pour plus d’information sur la saison du Théâtre Royal Rep, visitez leur site web.