REZENSION: King, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert „King“, das Musical von Martin Smith, präsentiert vom London Musical Theatre Orchestra im Hackney Empire.

King

London Musical Theatre Orchestra

Hackney Empire

1. Juli 2018

5 Sterne

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Seit sie dieses Haus im vergangenen Jahr als Artistic Director verlassen hat, arbeitet Susie McKenna als freischaffende Regisseurin – und diese Produktion, gemeinsam präsentiert von ihrer alten Wirkungsstätte und einer der regelmäßig gastierenden Compagnien, dem großartigen London Musical Theatre Orchestra, ist ein triumphaler Erfolg.

McKenna hat sich seit Langem dafür eingesetzt, neue und unterrepräsentierte Zielgruppen anzusprechen – umso schöner war es zu sehen, wie dieses schmucke, 1.275 Plätze fassende Frank-Matcham-Theater an zwei Abenden hintereinander ausverkauft war – mit einem der vielfältigsten Musical-Publika, die wir seit Langem erlebt haben.  Passend zum 50. Jahrestag der Ermordung von Dr. Martin Luther King war die Entscheidung, Martin Smiths nahezu vollständig vergessenes Werk wiederzubeleben, mutig und inspiriert – und wurde reich belohnt durch den ekstatischen Empfang, den dieses nahezu unbekannte Stück erhielt.

Smith war kein routinierter Musicalautor, doch als er dieses Werk in den 1980er-Jahren schrieb, war er ein äußerst talentierter Neuling – ganz im Stil der damaligen Bio-Musicals: Der Schwerpunkt liegt darauf, Wirkung zu erzielen, indem große Nummern und kraftvolle Balladen einander abwechseln, und beides beherrscht er erstaunlich souverän.  Seine musikalische Sprache ist hier idiomatisch punktgenau und spiegelt mit oft verblüffender Genauigkeit Stile wie Jive, die Count-Basie-Big-Band, Quincy Jones, Motown, Soul, Gospel, Operette, Country & Western und sogar Rap – und verweist zugleich auf Techniken und Gesten von Andrew Lloyd Webber und anderen Zeitgenossen. Smiths Meriten als Songwriter sorgen dafür, dass viele seiner Nummern auch heute noch ordentlich Wucht haben.

Unvermeidlich gibt es – wie bei jedem neuen Autor – Schwächen, und deutlich weniger überzeugt Smith in seiner Fähigkeit, einen gut geformten, zwingenden dramatischen Bogen zu bauen: Entscheidend ist, dass er daran scheitert, für seine zentrale Figur eine mitreißende „Reise“ zu finden. Das wird teilweise kompensiert durch den deutlich gelungeneren Umgang mit der Rolle der Ehefrau des Helden, Coretta, doch viele der übrigen Figuren dienen vor allem der Exposition, statt das Publikum mit ihnen auf eine Entdeckungsreise mitzunehmen.

Dennoch verbringen wir in sehr fähigen Händen – wie bei dieser Präsentation – weniger Zeit damit, uns über die handwerklichen Mängel des Stücks den Kopf zu zerbrechen, und lassen uns von seiner reinen emotionalen Kraft mitreißen.  Und ein besseres Ensemble hätten wir uns kaum wünschen können.

Cedric Neal in der Titelrolle hat schon oft als außerordentlich begabter Darsteller überzeugt – hier aber bewies er ohne jeden Zweifel Star-Qualitäten und trug mühelos einen ganzen Abend: Die Partie von Dr. Martin Luther King ist ein wirklich, wirklich großer Gesangspart, mit einer langen Kette anspruchsvoller Nummern – wie das in der kommerziellen Showbusiness-Welt praktisch zu stemmen sein soll, ist mir schleierhaft – und in dieser gelegentlichen Konzertform konnte er seine vielen Talente in atemberaubender Weise ausspielen: Seine Wiedergabe der „I Have A Dream“-Rede, die Smith teilweise musikalisiert und als Abschluss des ersten Akts gesetzt hat, brachte mich zu Tränenfluten – und das, liebe Leserinnen und Leser, passiert nicht sehr oft. Darin lag die zentrale Stärke von Smiths „King“: Ansonsten musste Neal im Grunde eine Hagiografie spielen, Station für Station durch das Leben des Pastors, begleitet von einem heiligenscheinartigen Follow-Spot.  Neal reagierte darauf, indem er das Drama so weit wie möglich zurücknahm und die Leidenschaft für besondere Momente aufhob. Und jenseits seiner erstaunlich überzeugenden Schauspielkunst liebten wir es, seinen feinen, strahlenden Tenor zu hören – über den gesamten Umfang hinweg gleichmäßig, mit schlicht umwerfenden Kopfnoten – und davon reichlich –, dazu perfekte Diktion und kristallklare Phrasierung, getragen von fantastischer Technik und Atemkontrolle.  Musikalisch gab er dem gesamten Ensemble den Ton vor.

Als seine Ehefrau Coretta hatte Debbie Kurup (zuletzt „The Gypsy“ in „Girl From The North Country“) vermutlich die dramatisch abwechslungsreichere und letztlich auch mitreißendere Rolle … schließlich; im früheren Teil des Buchs hatte sie wenig zu tun außer zu lächeln und zu winken, doch sobald gehaltvolleres Material kam, packte sie es gierig an und holte daraus maximalen dramatischen Gewinn.  Dass sie die Show mit derselben Szene einrahmen durfte, machte uns – ganz deutlich – sichtbar, was für eine Reise das für sie gewesen war.  Auch sie ist eine Leading Lady.

Sharon D Clarke hingegen ist ein ganz großer Star.  Erstaunlicherweise sind wir im UK in der glücklichen Lage, sie sozusagen zuerst für uns zu haben – und sie verbindet eine Karriere im kommerziellen Bereich mit Rollen im subventionierten und Off-West-End-Sektor.  Hier, als Mutter Alberta King, hatte sie nicht allzu viel zu tun, machte aber aus den Momenten, in denen sie expressiv singen durfte, wunderbare Ereignisse.  Ihre Nummer im ersten Akt, „Keep On Believing“, war ein absoluter Volltreffer und klang in Clarkes Händen wie ein großer Hit.

Der kommerzielle Erfolg blieb dem Schöpfer dieses Werks allerdings verwehrt, und einer der Gründe, warum es so schwer wiederzubeleben ist, sind die schieren Kosten: nicht weniger als 19 Solistinnen und Solisten, dazu Chor und Band – zumal man sie wirklich mit Könnern besetzen muss.  Selbst in kleinen Rollen wie J. Edgar Hoover (die herausragende, showstehlende Leistung von Clive Carter), der den Großinquisitor zu John F. Kennedys (Alexander Hanson) „König Philipp“ gibt, braucht es echte Qualität.  Ebenso bei Figuren wie Ralph Abernathy (ein versierter Cavin Cornwall) oder Carole Stennetts stählerner Rosa Parks (die TATSÄCHLICH zahlreiche ANDERE Parts mitübernahm!), bei Adam J Bernards Stokely Carmichael und Matt Dempseys pantomimisch angelegtem Robert Kennedy (und weiteren Rollen).

Im Umfeld des Doctors war Jo Servi köstlich als Ed Nixon, Angela M Caesar emotional packend als trauernde Mutter, Alice und als Kirchenälteste; Naana Agyei-Ampadu spielte eine College-Tanzaufsicht, eine Bürgerrechtsaktivistin, eine Freedom Riderin, eine Kirchenfrau und eine Black-Power-Aktivistin; Daniel Bailey, Raffaella Covino, Adrian Hansel, Sinead Long und Olivia Hibbert übernahmen jeweils zahlreiche Rollen, weitere steuerten der sehr verlässliche und intensive John Barr sowie Johnathan Tweedie bei, während Amari Small den jungen Martin spielte.  All das wurde vom Hackney Empire Community Choir und dem Gospel Essence Choir getragen, mit prachtvollen Chor-Arrangements von Joseph Roberts.

Den Großteil der Bühne füllte jedoch das immer stärker werdende London Musical Theatre Orchestra; es schwelgte regelrecht in den spektakulär brillanten Arrangements von Simon Nathan.  Nathan traf die kaleidoskopischen Bezüge der Partitur punktgenau und brachte seine Musiker dazu, diese Stile zu spiegeln und dabei stets der Intention der Musik treu zu bleiben.  Doch die markantesten Lorbeeren strich MD und Gründer Freddie Tapner ein: Wenn je eine Musicalproduktion den Anspruch erheben kann, das „Mahler 8“ des Genres zu sein, dann diese – und Tapner zeigte sich der Herausforderung mehr als gewachsen.

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