CRÍTICA: King, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Julian Eaves faz a crítica de King, o musical de Martin Smith, apresentado pela London Musical Theatre Orchestra no Hackney Empire.

King

London Musical Theatre Orchestra

Hackney Empire

1 de julho de 2018

5 estrelas

Site da LMTO

Desde que deixou esta casa como sua Diretora Artística no ano passado, Susie McKenna tem trabalhado como diretora independente e esta produção, apresentada em parceria entre o seu antigo lar e uma das companhias visitantes habituais — a magnífica London Musical Theatre Orchestra — é uma conquista triunfante.

Tendo defendido durante muito tempo a importância de chegar a públicos novos e sub-representados, foi um prazer ver esta belíssima sala de 1.275 lugares, de Frank Matcham, esgotada em duas noites seguidas, com um dos públicos de teatro musical mais diversos que vimos há muito tempo.  Coincidindo oportunamente com o 50.º aniversário do assassinato do Dr. Martin Luther King, a decisão de recuperar a obra de Martin Smith, quase totalmente esquecida, foi corajosa e inspirada — e foi amplamente recompensada pela receção extática a esta peça praticamente desconhecida.

Smith não era um criador experiente de musicais, mas era um principiante de enorme talento quando escreveu esta obra ao longo dos anos 1980, muito ao estilo dos bio-musicais da época: há uma ênfase em criar impacto alternando grandes números e baladas poderosas, e ele revelou-se bastante hábil a escrever ambos.  A sua linguagem musical é aqui idiomaticamente precisa, refletindo muitas vezes com uma exatidão quase surpreendente os estilos do jive, da Count Basie Big Band, de Quincy Jones, Motown, soul, gospel, opereta, country & western e até rap, ao mesmo tempo que faz referência às técnicas e gestos de Andrew Lloyd Webber e de outros contemporâneos. As credenciais de Smith como compositor de canções fazem com que, ainda hoje, muitos dos seus números tenham um impacto considerável.

Inevitavelmente, como acontece com qualquer novo autor, há fragilidades — e onde Smith fica aquém é na capacidade de construir um arco dramático bem desenhado e convincente: sobretudo, fica limitado pela incapacidade de encontrar uma “viagem” envolvente para a sua personagem central. Há alguma compensação no tratamento bem mais conseguido do papel da mulher do herói, Coretta, mas tantos outros papéis servem apenas para despejar exposição, em vez de convidar o público a acompanhar uma verdadeira descoberta.

Ainda assim, em mãos muito competentes — como as desta apresentação — passamos menos tempo a preocupar-nos com as falhas técnicas da peça e acabamos arrebatados pelo seu puro poder emocional.  E dificilmente poderíamos ter esperado um elenco melhor do que este.

Cedric Neal, no papel-título, já impressionou muitas vezes como intérprete muito dotado, mas aqui confirmou sem margem para dúvidas que tem credenciais de estrela absoluta, mais do que capaz de sustentar um espetáculo inteiro: o papel do Dr. Martin Luther King é um desafio vocal enorme, com uma sequência impressionante de números exigentes — como isto seria, na prática, possível no mundo comercial do entretenimento, não faço a mínima ideia — e, neste formato de concerto ocasional, ele pôde exibir os seus múltiplos talentos com um efeito de cortar a respiração. A sua interpretação do discurso “I Have A Dream”, que Smith parcialmente musicou como conclusão do primeiro ato, deixou-me em rios de lágrimas, e isso — caros Leitores — não é coisa que aconteça muitas vezes. Este foi o ponto forte essencial da versão de Smith de King: de resto, Neal foi obrigado a representar algo que era, em grande medida, uma hagiografia, passando de um momento marcante da vida do pastor para outro, acompanhado por um halo santo de projetor.  Neal reagiu sublinhando o dramatismo o mínimo possível, guardando a paixão para momentos especiais. Entretanto, para lá da sua surpreendentemente convincente capacidade como ator, adorámos ouvir a sua bela e luminosa voz de tenor, uniforme em toda a extensão, com agudos de cabeça simplesmente deslumbrantes — e em abundância — bem como dicção perfeita e fraseado cristalino, apoiados pela sua técnica fantástica e pelo controlo de respiração.  Musicalmente, deu o tom para todo o elenco.

Como sua mulher, Coretta, Debbie Kurup (recentemente “The Gypsy” em “Girl From The North Country”) teve, discutivelmente, o papel mais variado e envolvente do ponto de vista dramático... eventualmente; grande parte da fase inicial do libreto dava-lhe pouco para fazer além de sorrir e acenar, mas quando chegou material mais substancial, agarrou-o com avidez e extraiu dele o máximo proveito dramático.  O facto de ela emoldurar o espetáculo com a mesma cena permitiu-nos ver — muito claramente — que percurso tinha sido o dela.  Mais uma vez: uma verdadeira protagonista.

Sharon D Clarke, por outro lado, é uma grande estrela.  É espantoso termos a sorte, no Reino Unido, de a ter “em casa”, e ela concilia uma carreira no circuito comercial com papéis nos setores subsidiado e Off-West End.  Aqui, como a mãe, Alberta King, não teve muito que fazer, mas transformou em momentos memoráveis as ocasiões em que pôde cantar com expressividade.  O seu número do primeiro ato, “Keep On Believing”, foi um verdadeiro ás e, nas mãos de Clarke, soou como um grande êxito.

O sucesso comercial, contudo, escapou ao criador desta obra, e uma das razões pelas quais tem sido tão difícil reavivá-la é o custo puro e simples de financiar nada menos do que 19 solistas, além de coro e banda — sobretudo quando, na prática, é necessário escalar especialistas.  Mesmo em papéis pequenos, como J. Edgar Hoover (a interpretação extraordinária e “rouba-cenas” de Clive Carter), fazendo de Grande Inquisidor perante o King Philip de John F. Kennedy (Alexander Hanson), é preciso qualidade a sério.  E também com personagens como Ralph Abernathy (um Cavin Cornwall muito apurado), a firme Rosa Parks de Carole Stennett (que, sim, acumulou muitos OUTROS papéis!), Stokely Carmichael de Adam J. Bernard e o Robert Kennedy de tom pantomímico de Matt Dempsey (e outros papéis).

Entre os que rodeiam o Doutor, Jo Servi foi deliciosamente eficaz como Ed Nixon; Angela M. Caesar, emocionalmente envolvente como a Mãe Enlutada, Alice e uma Anciã da Igreja; Naana Agyei-Ampadu fez de acompanhante de dança universitária, ativista dos Direitos Civis, Freedom Rider, Senhora da Igreja e ativista do Black Power; Daniel Bailey, Raffaella Covino, Adrian Hansel, Sinead Long e Olivia Hibbert interpretaram também muitos papéis, e outros foram assegurados pelo muito útil e intenso John Barr e por Johnathan Tweedie, enquanto Amari Small assumiu o papel do Jovem Martin.  Todos os anteriores foram apoiados pelo Hackney Empire Community Choir e pelo Gospel Essence Choir, com esplêndidos arranjos corais de Joseph Roberts.

A ocupar grande parte do palco, esteve, porém, a cada vez melhor London Musical Theatre Orchestra; eles deliciaram-se com os arranjos musicais espetacularmente brilhantes de Simon Nathan.  Nathan captou na perfeição as referências caleidoscópicas da partitura e levou os seus músicos a refletirem esses estilos, mantendo-se sempre fiéis à intenção do score.  Mas foi o diretor musical e fundador, Freddie Tapner, quem arrecadou os elogios mais marcantes: se algum espetáculo de teatro musical pode reivindicar ser a “Mahler 8” do género, então é este — e Tapner mostrou estar mais do que à altura do desafio.

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