RESEÑA: King, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Julian Eaves reseña King, el musical de Martin Smith, presentado por la London Musical Theatre Orchestra en el Hackney Empire.

King

London Musical Theatre Orchestra

Hackney Empire

1 de julio de 2018

5 estrellas

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Desde que dejó este teatro como su Directora Artística el año pasado, Susie McKenna ha estado trabajando como directora independiente y esta producción, presentada conjuntamente por su antigua casa y una de sus compañías visitantes habituales —la magnífica London Musical Theatre Orchestra—, es un logro triunfal.

Tras defender durante mucho tiempo la importancia de acercarse a públicos nuevos e infrarrepresentados, fue un auténtico placer ver este hermoso recinto de Frank Matcham, con 1.275 localidades, lleno hasta la bandera durante dos noches seguidas, con uno de los públicos de teatro musical más diversos que hemos visto en muchísimo tiempo.  Coincidiendo oportunamente con el 50.º aniversario del asesinato del Dr. Martin Luther King, la decisión de recuperar la obra de Martin Smith —casi completamente olvidada— fue valiente e inspirada, y se vio generosamente recompensada por la recepción eufórica que recibió esta pieza prácticamente desconocida.

Smith no era un creador curtido de musicales, pero sí un debutante de enorme talento cuando escribió esto a lo largo de los años 80, muy en la línea de los bio-musicales de la época: se pone el acento en crear impacto alternando grandes números y baladas poderosas, y se le daba bastante bien escribir ambos.  Su lenguaje musical es aquí idiomáticamente preciso, reflejando con frecuencia y con asombrosa exactitud los estilos del jive, la big band de Count Basie, Quincy Jones, Motown, soul, góspel, opereta, country & western e incluso rap, al tiempo que hace guiños a las técnicas y gestos de Andrew Lloyd Webber y otros contemporáneos. Las credenciales de Smith como compositor de canciones hacen que, incluso hoy, muchos de sus números golpeen con fuerza.

Inevitablemente, como sucede con cualquier autor novel, hay debilidades, y donde Smith flaquea bastante más es en su capacidad para construir un arco dramático bien perfilado y convincente: en lo esencial, le lastra no haber encontrado un “viaje” que atrape para su personaje central. Hay cierta compensación en el manejo, mucho más logrado, del papel de la esposa del héroe, Coretta, pero tantos de los otros roles se utilizan simplemente para volcar información, en lugar de invitar al público a acompañarlos en un proceso de descubrimiento.

Aun así, en manos tan capaces —como las de esta presentación—, dedicamos menos tiempo a preocuparnos por los fallos técnicos de la pieza y nos dejamos arrastrar por su puro poder emocional.  Y difícilmente podríamos haber deseado un reparto mejor que este.

Cedric Neal, en el papel protagonista, ya nos había impresionado muchas veces como intérprete de gran talento, pero aquí demostró sin discusión sus credenciales como estrella absoluta, más que capaz de sostener todo un espectáculo: el papel del Dr. Martin Luther King exige cantar muchísimo, con una larguísima ristra de números exigentes —cómo podría ser eso viable en el mundo comercial del espectáculo no tengo ni la menor idea—, y en este formato ocasional de concierto pudo exhibir sus múltiples talentos con un efecto sobrecogedor: su interpretación del discurso “I Have A Dream”, que Smith musicalizó en parte como cierre del primer acto, me hizo romper a llorar a mares, y eso —queridos lectores— no ocurre muy a menudo. Ese fue el núcleo de la fortaleza de la versión de Smith de King: por lo demás, se veía obligado a escenificar lo que era poco menos que una hagiografía, pasando de una estación en la vida del pastor a otra, acompañado por un halo de foco seguidor casi santificado.  Neal reaccionó conteniendo al máximo el dramatismo, reservando la pasión para momentos especiales. Mientras tanto, más allá de su sorprendentemente convincente capacidad como actor, nos encantó escuchar su hermoso y luminoso tenor, uniforme en todo el registro, con unos agudos de cabeza sencillamente deslumbrantes —y muchos—, además de una dicción perfecta y un fraseo cristalino, sostenidos por una técnica fantástica y un control de la respiración impecable.  Musicalmente, marcó el tono de todo el reparto.

Como su esposa, Coretta, Debbie Kurup (recientemente “The Gypsy” en Girl From The North Country) tuvo, sin duda, el papel más variado e implicante en lo dramático... al final; gran parte de la primera sección del libreto le daba poco que hacer salvo sonreír y saludar, pero cuando llegó material más sustancioso, lo aprovechó con ganas y extrajo de él el máximo rendimiento dramático.  Que ella enmarcara el espectáculo con la misma escena al principio y al final nos permitió ver —muy claramente— el viaje que había supuesto para ella.  De nuevo, es una verdadera primera dama.

Sharon D. Clarke, en cambio, es una gran estrella.  Asombrosamente, en el Reino Unido tenemos la suerte de contar con ella en primera instancia, y compagina una carrera en el circuito comercial con papeles en el sector subvencionado y en el Off-West End.  Aquí, como la madre, Alberta King, no tuvo demasiado que hacer, pero convirtió en acontecimientos maravillosos esos momentos en los que le tocó cantar con expresividad.  Su número del primer acto, “Keep On Believing”, fue un auténtico as y, en manos de Clarke, sonó como un gran éxito.

El éxito comercial, sin embargo, se le escapó al creador de esta obra, y una de las razones por las que ha sido tan difícil recuperarla es el enorme coste de financiar nada menos que 19 solistas, además de coro y banda, sobre todo cuando realmente tienen que ser intérpretes expertos.  Incluso en papeles pequeños como el de J. Edgar Hoover (la actuación sobresaliente y robaescenas de Clive Carter), haciendo de Gran Inquisidor frente al King Philip de John F. Kennedy (Alexander Hanson), se necesita auténtica calidad.  Y también en personajes como Ralph Abernathy (un pulido Cavin Cornwall), o la férrea Rosa Parks de Carole Stennett (¡que SÍ dobló un montón de OTROS papeles!), el Stokely Carmichael de Adam J. Bernard y el Robert Kennedy pantomímico de Matt Dempsey (y otros roles).

Entre otros alrededor del Doctor, Jo Servi estuvo deliciosa como Ed Nixon; Angela M. Caesar, emocionalmente conmovedora como la Madre en duelo, Alice y una Anciana de la iglesia; Naana Agyei-Ampadu interpretó a una acompañante de baile universitario, activista por los derechos civiles, Freedom Rider, señora de la iglesia y activista del Black Power; Daniel Bailey, Raffaella Covino, Adrian Hansel, Sinead Long y Olivia Hibbert asumieron también muchos papeles, y algunos más corrieron a cargo del muy eficaz e intenso John Barr y también de Johnathan Tweedie, mientras que Amari Small interpretó al joven Martin.  Todos los anteriores estuvieron arropados por el Hackney Empire Community Choir y el Gospel Essence Choir, con espléndidos arreglos corales de Joseph Roberts.

Ocupando la mayor parte del escenario, sin embargo, estaba la siempre más sólida London Musical Theatre Orchestra; se lucieron de lo lindo con los espectacularmente brillantes arreglos musicales de Simon Nathan.  Nathan captó a la perfección las referencias caleidoscópicas de la partitura, y consiguió que sus músicos reflejaran esos estilos sin dejar de ser fieles en todo momento a la intención de la obra.  Pero quien se llevó los elogios más llamativos fue el director musical y fundador Freddie Tapner: si alguna vez un espectáculo de teatro musical pudiera reivindicar ser el “Mahler 8” del género, este es el caso, y Tapner demostró estar más que a la altura del desafío.

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