REZENSION: La Cage Aux Folles, New Wimbledon Theatre ✭✭✭✭✭

John Partridge (Zaza) und Les Cagelles in La Cage Aux Folles

New Wimbledon Theatre,

Mittwoch, 15. März 2017

5 Sterne

Tour-Infos und Buchung

Eines Abends, irgendwo in den Nebeln der frühen 1980er, besuchte ich beim London Film Festival eine Vorführung eines neuen französischen Films, der gerade für einiges Aufsehen sorgte.  Angesiedelt im Milieu der Nachtclub-Entertainer an der Riviera füllte er das NFT 1 bis auf den letzten Platz – und wir merkten schnell, warum.  Am Ende der „Opening Number“ des Films – einem glitzernden, schrillen Song-&-Dance-Spektakel im Lido-Stil – stellten sich die „Mädchen“ im Chorus in einer Reihe auf, setzten ernste Mienen auf und rissen sich ihre aufwendigen Frisuren vom Kopf: Es waren nur Perücken, und statt Chorus-Girls standen da Chorus-Boys.  Das brachte ihnen im Film prompt den doppelten Applaus des „Publikums“ ein.  Der eigentliche Leckerbissen aber war die Reaktion im Publikum am South Bank: ein gewaltiges, verblüfftes, laut hörbares KEUCHEN!, sofort gefolgt von ebenso unverblümten Ausrufen des Erstaunens und Gelächters.  Vor einem Dritteljahrhundert waren Großstadtpublika solche gender-bending Späße noch nicht gewohnt.

Hamish Greer, Produzent der aktuellen Bill-Kenwright-UK-Wiederaufnahme des US-Musicals von 1984, das auf dieser Geschichte basiert (die in den 1970ern zunächst als Theaterstück auf der Bühne war), erzählt mir, dass die Show – in manchen britischen Städten auch heute noch – eine ähnlich erstaunte, geradezu erschrockene Reaktion hervorrufen kann.  Allein das zeigt, warum sie weiterhin ein notwendiges und wichtiges theatrales Statement ist – so, wie Michael Coveney es damals als Erster benannte: eines, das mit dem Auftrag zu uns kommt, der Gesellschaft die Augen für einige ihrer weniger bekannten Lebenswelten zu öffnen.

Les Cagelles in La Cage Aux Folles

Die Geschichte ist schließlich einfach genug.  Die elegante französische Farce im Kern ist die unspektakuläre und wirklich berührende Suche der jungen Liebenden Jean-Michele (der stimmstarke Dougie Carter) und Anne (die aufrichtige Alexandra Robinson) nach dem Recht, zu heiraten.  Im Weg stehen ihnen die gewaltigen Hürden missbilligender Eltern.  Annes Eltern sind der puritanisch-konservative Dindon (der glänzende Paul F Monaghan) und seine unterdrückte, gehorsame Ehefrau (Su Douglas), die höchste Erwartungen an ihre sorgfältig erzogene Tochter haben.  Worüber also könnten sie sich beklagen?  Nun: Was sie (noch) nicht wissen, ist, dass Jean-Micheles Vater, der gewagte Nachtclubbesitzer Georges (mit herrlich klingender Stimme: Adrian Zmed), mit seinem Headliner-Star, dem Drag-Künstler Albin (John Partridges atemberaubender, kompromissloser Glanzleistung im Zentrum), liiert ist.  Jean-Micheles Lösung: Seine „richtige“ Familie (sein geschniegelt herausgeputzter Vater und eine leibliche Mutter, die praktisch seit der Geburt abwesend ist) soll den künftigen Schwiegereltern präsentiert werden – aber erst, nachdem die Wohnung von all ihren schwulen Schnörkeln und Zierden gesäubert wurde.  Albin muss – ohne Drag – als „Onkel“ herhalten.  Albin ist gar nicht begeistert davon, seine persönliche Integrität auf diese Weise zu verbiegen, und von Beginn an ahnen wir, dass Jean-Micheles Plan nicht aufgehen wird.  Damit ist die Bühne bereitet für das Kräftemessen zwischen „dem Schrank“ auf der einen und schwuler Befreiung auf der anderen Seite.  Ein großer Krach liegt in der Luft – und die Geschichte liefert ihn pflichtgemäß.

Les Cagelles in La Cage Aux Folles

Das Buch des Musicals – das erste wunderbare Werk von Harvey Fierstein, der rasch zu einem Meister der Form wurde (unter so vielen anderen Errungenschaften) – ist hervorragend entwickelt und bewahrt viel vom Material der Vorlage.  Zwar verteilt Fierstein reichlich seiner markentypischen, messerscharfen One-Liner, doch er dünnt das farcenhafte Rein und Raus zugunsten emotional stärker ausgespielter Momente aus.  Und dafür schreibt Jerry Herman eine seiner allerbesten Partituren, inklusive der zeitlos beliebten Nummern „I Am What I Am“, „Song on the Sand“ und „A Little More Mascara“.  Außerdem liefert Herman eine Reihe großer, frecher, mitwippender, klatschfreudiger Production Numbers – darunter der vorhanghebende, dreifache Kostümwechsel, das umwerfende „We Are What We Are“, „The Promenade“ sowie der Titelsong über den namensgebenden Nachtclub-Spielplatz von Albin und Georges, „La Cage aux Folles“ – und dazu das mitreißende, spektakuläre Finale, das allem zuvor Gesehenen die Krone aufsetzt: „The Best of Times“ (eine Melodie, die – wie so viele in dieser Partitur – sich, einmal gehört, für immer festsetzt).  Das ist gute, altmodische Broadway-Showmanship in Bestform – prachtvoll zum Leben erweckt durch Bill Deamers perfekte Choreografie.

Und diese Produktion wird dem vollauf gerecht.  Martin Connor lenkt mit sicherer Hand alle Kräfte darauf, ein möglichst üppiges, glänzendes, komisches und wirklich berührendes Erlebnis zu schaffen.  Er richtet den Fokus auf Partridges Star-Auftritt als Albin – inklusive einer ausgedehnten Solo-Cabaret-Nummer vorn an der Rampe, die ins Publikum hineinreicht, den Saal ganz in der besten Variety-Tradition für sich einnimmt, mit eingestreuten, topaktuellen Spitzen und einer entspannten, freundlichen Art im Umgang mit dem Publikum, die die gesamte Show durchweg nahbar und persönlich hält.  Perfekt eingekleidet von Gary McCann, dessen Designkonzept mit rotem Plüsch und Golddekor einen stimmigen All-in-one-Rahmen für jede einzelne, zunehmend wunderbare Szene schafft.  Richard Mawbey steht mit einem LKW voll Perücken und Haarteilen parat.  Der Look ist einfach opulent: Einen Luxus dieser Größenordnung sieht man nicht bei jeder Tourneeproduktion.  Ben Cracknell taucht das Ganze in köstliches Licht.  Kenwright nimmt diese Produktion spürbar besonders zu Herzen – und will, dass es uns genauso geht.

Adrian Zmed (George) und John Partridge (Albin / Zaza) in La Cage Aux Folles

Und das tut es.  Mit einer erstklassigen Band unter der Leitung von Mark Crossland, die uns dank Dan Samsons kristallklarem Sounddesign so präsent erreicht, hören wir jede clevere oder zarte Wendung der schicken Lyrics und jede Note der quicklebendigen Arrangements.  Durchweg brillant besetzt – sogar die großartige Marti Webb ist mit dabei – fängt die Show immer wieder Feuer, und man muss sich regelrecht zusammenreißen, nicht aufzuspringen und sich ins Vergnügen einzuklinken.  Diesen Erregungszustand peilen viele Produktionen an, aber nicht alle erreichen ihn – geschweige denn mit der Wucht hinter dem goldlaméfarbenen Punch dieser göttlichen Herzens-Extravaganz.  Camp ist es; aber wie Philip Core einmal bemerkte: „Camp ist die Lüge, die die Wahrheit sagt.“  Und der Schlüssel zu all dem ist John Partridges ikonische Interpretation der komplexen, faszinierenden, körperlich wie emotional fordernden Rolle des Albin: ein Musterbeispiel für Bühnenkunst höchster Ordnung – das Herz auf der Zunge und regelmäßig mit Puder und Glitzer bestäubt.  Mach dich darauf gefasst, es zu fühlen!

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