Rezension: Maria Stuart, Almeida Theater ✭✭✭✭✭

Lia Williams als Maria Stuart. Foto: Manuel Harlan Maria Stuart

Almeida Theatre

Fünf Sterne

Tickets für Maria Stuart buchen In das Jahr 1587 verlegt und erstmals 1800 aufgeführt, wirkt Schillers Maria Stuart in der neuen Bearbeitung von Robert Icke am Almeida Theatre erstaunlich aktuell. In einer Neuinterpretation der letzten Tage von Maria Stuart, Königin von Schottland, zeigt die Inszenierung eine Regierungschefin, die zwischen widersprüchlichen juristischen und politischen Zwängen, einem gespaltenen Land und der Unsicherheit über den Volkswillen steht – etwas, das im Brexit-Grossbritannien laut nachhallt.

Obwohl Elisabeth I. der Cousine, deren Hinrichtung sie anordnete, nie begegnete, steht bei Schiller ein geheimes Treffen der beiden im Zentrum – im Park von Marias Gefängnis in Fotheringhay. Auf diesen Moment steuert das Stück in Akt Eins stetig zu, wenn wir Maria sehen, die sich noch an Fluchthoffnungen klammert, und in Akt Zwei, wenn Elisabeth und ihr Hof mit den komplexen Fragen ringen, wie man der Bedrohung durch eine katholische Königin mit konkurrierendem Anspruch auf den englischen Thron begegnet. Die Handlung verortet sich in einem Land mit fragiler Stabilität nach Jahrzehnten der Unruhen: Das protestantische Regime bekämpft die letzten Ausläufer des Katholizismus, fürchtet Terrorzellen im eigenen Land und Attentäter aus dem Ausland – ein Echo moderner Ängste vor islamistischen Fanatikern.

Das Ensemble von Maria Stuart. Foto: Manuel Harlan

Der Schatten des EU-Referendums wird heraufbeschworen in Elisabeths Sorge, den Willen des Volkes zu kennen. Während Burleigh die Königin später drängt, „der Stimme des Volkes zu gehorchen – sie ist die Stimme Gottes“, sieht sie eine Post-Truth-Gesellschaft, in der „der Schein zur Wahrheit wird und die Menschen nicht tiefer schauen, nicht hinabsteigen in die komplexe, doppelseitige Wahrheit der Dinge“.

Juliet Stevenson als Elisabeth I. und Ensemble. Foto: Manual Harlan

Das Treffen zwischen Maria und Elisabeth in Akt Drei ist straff und spannungsgeladen und entlädt sich darin, dass die beiden Cousinen sich auf dem Boden raufen – ein zusätzliches, ausgesprochen unwürdiges Detail, das es bei Schiller nicht gibt. Danach ist es nur noch eine Frage der Zeit bis zum tragischen Ende: Maria geht mit Würde in den Tod, und Elisabeth bleibt allein zurück, von ihren Verbündeten verlassen, moralisch bankrott durch ihre Weigerung, Verantwortung für den Hinrichtungsbefehl zu übernehmen.

Die beiden Königinnen werden von Juliet Stevenson und Lia Williams gespielt – doch mit einem besonderen Kniff: Diese Produktion entscheidet zu Beginn jeder Vorstellung per Münzwurf, wer welche Rolle übernimmt. Das vertieft die tragische Frage, wie viel Wahlfreiheit Individuen – und Monarchinnen – überhaupt haben. Beide Frauen werden von politischer Zweckmässigkeit und den Strudeln der Geschichte mitgerissen. Maria zahlt den Preis für ihr leidenschaftliches Wesen, am deutlichsten in ihrer fehlgeleiteten Liebe zu ihrem mörderischen Ex-Mann Bothwell, während Elisabeth sich als „Sklavin“ empfindet, die ihrem Herzen unter dem Druck des Staatsamts nicht folgen kann. „Die Krone ist nur eine Gefängniszelle mit Juwelen“, sagt sie.

Eileen Nicholas und Carmen Munroe. Foto: Manuel Harlan

Als ich die Inszenierung sah, spielte Williams die Titelrolle mit stählerner, katzenhafter Kraft und nutzte ihren Körper und die weit ausgestreckten Arme, um Präsenz zu behaupten. Stevenson war als würdevolle, aber zutiefst beunruhigte Elisabeth nicht minder beeindruckend. Als ihr wichtigster Berater Burleigh verbindet Vincent Franklin kühle Besonnenheit mit einer kaum verhohlenen Gereiztheit über seine unentschlossene Königin. Starke Unterstützung kommt auch von John Light als ihr treuloser Günstling Leicester, der letztlich mehr an seinem eigenen Fortkommen interessiert ist, als sein Leben zu riskieren.

Daniel Rabinas Kent und David Jonsson als Davison. Foto: Manuel Harlan

Robert Icke führt bei seiner eigenen Bearbeitung Regie – geschrieben in rhythmischem, nicht gereimtem Vers – und arbeitet mit Klarheit und Präzision, ohne die Spannung auch nur einmal absacken zu lassen. Verstärkt wird das durch eine düstere Klanglandschaft, entworfen von Paul Arditti gemeinsam mit der Komponistin Laura Marling. Die flexible, kreisrunde Bühne von Hildegard Bechtler besitzt eine geometrische Symmetrie, die zu den Dualismen von Inhalt und Themen passt. Diese Produktion schärft Schillers Motive auf fesselnde und nachvollziehbare Weise – und ist zugleich ein packender politischer Thriller sowie ein sehr persönliches Drama über zwei Frauen, gefangen in Kräften, die grösser sind als sie selbst.

Zu sehen bis 21. Januar

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