CRÍTICA: María Estuardo, Teatro Almeida ✭✭✭✭✭

Lia Williams como María Estuardo. Foto: Manuel Harlan María Estuardo

Almeida Theatre

Cinco estrellas

Reservar entradas para María Estuardo Ambientada en 1587 y estrenada en 1800, la María Estuardo de Schiller se siente de plena actualidad en la nueva adaptación de Robert Icke en el Almeida Theatre. A través de una reimaginación de los últimos días de María, Reina de Escocia, presenta a una jefa de gobierno sometida a presiones legales y políticas contrapuestas, un país dividido y la incertidumbre sobre la voluntad popular; todo ello resuena con fuerza en la Gran Bretaña del Brexit.

Aunque Isabel I nunca llegó a conocer a la prima cuya ejecución ordenó, la obra de Schiller tiene en su centro un encuentro secreto entre ambas en el parque de la prisión de María, en Fotheringay. El montaje avanza con firmeza hacia ese momento a lo largo del Acto I, donde vemos a María aferrada aún a la esperanza de escapar, y del Acto II, en el que Isabel y su corte se enfrentan a las complejas cuestiones que plantea contener la amenaza de una reina católica con un derecho rival al trono inglés. Sitúa la historia en un país de estabilidad frágil tras décadas de convulsión, donde el régimen protestante combate los vestigios del catolicismo, teme células terroristas dentro de sus fronteras y asesinos llegados del extranjero, en un eco de los miedos contemporáneos al fanatismo islamista.

El elenco de María Estuardo. Foto: Manuel Harlan

El espectro del referéndum de la UE se invoca en la preocupación de Isabel por conocer la voluntad del pueblo. Aunque más tarde Burleigh insta a la reina a «obedecer la voz del pueblo: es la voz de Dios», ella vislumbra una sociedad de la posverdad donde «la forma en que las cosas parecen es lo que son, y la gente no mira más allá, no profundiza en la verdad compleja y de doble filo de las cosas».

Juliet Stevenson como Isabel I y el elenco. Foto: Manual Harlan

El encuentro entre María e Isabel en el Acto III es tenso y contenido, hasta estallar cuando las dos primas acaban forcejeando en el suelo, un detalle extra de falta de dignidad que no está en el original de Schiller. A partir de ahí, solo es cuestión de tiempo hasta el desenlace trágico: María camina hacia la muerte con dignidad e Isabel queda sola, abandonada por sus aliados y moralmente en bancarrota por negarse a admitir su responsabilidad al ordenar la ejecución.

Las dos reinas están interpretadas por Juliet Stevenson y Lia Williams pero, en un giro singular, esta producción decide quién hace cada papel con una moneda al aire al comienzo de cada función. Así se amplía la exploración trágica de hasta qué punto las personas —y los monarcas— tienen elección. Ambas mujeres son arrastradas por la conveniencia política y los remolinos de la historia. Se presenta a María pagando el precio de su naturaleza apasionada, especialmente por su mal calculado amor hacia su exmarido asesino Bothwell, mientras que Isabel siente que no es más que una «esclava» incapaz de seguir a su corazón por las presiones de ser jefa de Estado. «La corona no es más que una celda de prisión con joyas», dice.

Eileen Nicholas y Carmen Munroe. Foto: Manuel Harlan

Cuando yo la vi, Williams interpretó el papel protagonista con una fuerza acerada y felina, usando el cuerpo y los brazos extendidos para imponer su presencia. Stevenson estuvo igual de impresionante como una Isabel digna pero profundamente atormentada. Como su principal consejero, Burleigh, Vincent Franklin combina una fría sensatez con una exasperación apenas disimulada ante su reina indecisa. También destaca el sólido apoyo de John Light como el favorito infiel Leicester, que en última instancia está más interesado en su propio ascenso que en arriesgar la vida.

Daniel Rabinas Kent y David Jonsson como Davison. Foto: Manuel Harlan

Robert Icke dirige su propia adaptación, escrita en verso rítmico sin rima, con claridad y precisión, sin dejar que la tensión decaiga en ningún momento, potenciada por un paisaje sonoro sombrío diseñado por Paul Arditti junto a la compositora Laura Marling. El escenario circular y flexible, ideado por Hildegard Bechtler, posee una simetría geométrica que encaja con los dualismos del contenido y los temas de la obra. Esta producción realza los temas de Schiller de forma convincente y diáfana, y al mismo tiempo funciona como un absorbente thriller político y un drama muy personal sobre dos mujeres atrapadas por fuerzas mayores que ellas.

En cartel hasta el 21 de enero

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