KRITIK: Mr Foote's Other Leg, Hampstead Theatre ✭✭✭✭

Mr Foote's Other Leg Hampstead Theatre

18. September 2015

4 Sterne

Auf der Bühne ist ein Unfall passiert. Der Star hat einem anderen Schauspieler versehentlich mit einem Gehstock ins Auge gestochen. Es sieht so aus, als sei der Augapfel geplatzt; Blut spritzt überall hin. Der Vorhang fällt hastig; die Bühnenmanagerin ist entsetzt. Zum Glück ist ein Chirurg hinter der Bühne – er hat in der Pause gerade an einer Sprechausbildungsstunde teilgenommen, die der Star gegeben hat. Der Chirurg schreitet sofort zur Tat, seine Mitstreiterinnen und Mitstreiter aus dem Sprechunterricht in unterschiedlichsten Schockzuständen.

Eine schnelle Untersuchung. Der Chirurg verlangt nach einem Nachttopf und erklärt, dass Urin auf dem Schlachtfeld bei Augenverletzungen verwendet werde. Die hübsche Frau holt den Topf, doch er ist leer. Es entsteht eine kurze, unangenehme Pause – dann beginnt Mr Foote, seine Kniehosen zu öffnen, bereit, seinen Beitrag in Form von Urin zu leisten. Die hübsche Frau ist entsetzt, schnappt sich den Topf, schiebt ihn unter ihre ausladenden Unterröcke und presst, um die nötige Flüssigkeit zu liefern. Doch während sie sich nach Kräften bemüht, auf Kommando zu pinkeln – gehemmt von den zuschauenden Männern –, verschlechtert sich der Zustand des Patienten.

Der Star ist außer sich. „Ist das, was ich angerichtet habe? Das, das soll sein letzter Abgang sein? Ein Stock durchs Gehirn und angepisst von einer übertrieben geschniegeltten Tunte?“ Foote ist indigniert – „Ich bin nicht übertrieben geschniegelt!“

Das ist Richard Eyres Inszenierung von Mr Foote's Other Leg, einem neuen Stück von Ian Kelly nach seinem gleichnamigen Buch (Kelly steht auch selbst mit auf der Bühne), jetzt im Hampstead Theatre. Teils historischer Klamauk, teils Ode an das Theaterhandwerk, teils Kritik am Gegensatz zwischen äußerer Respektabilität und verborgenem Exzess im London des 18. Jahrhunderts, teils Biografie (nicht nur von Foote, sondern auch von anderen historischen Figuren wie Garrick und Benjamin Franklin) und teils Betrachtung der merkwürdigen Beziehung zwischen Presse, Prominenten und ihrem Publikum – Kellys Stück ist erfrischend, aber unbestreitbar altmodisch.

Und außerdem sehr, sehr komisch.

Kelly sagt offen, dass das Stück – anders als sein Buch – nicht historisch korrekt sein will. Es hat den Hauch von Wahrheit, doch Situationen, Figuren und Ereignisse werden für die Erzählung verändert oder frei erfunden. Es beginnt, wie es weiterzumachen gedenkt: mit einer sehr komischen Szene in einem Anatomiemuseum, in dem zwei von Footes Vertrauten gekommen sind, um eines seiner künstlichen Beine zurückzuholen. Es ist fast Slapstick und liefert eine solide Einführung in ein Stück, das voll sein wird von obszönen Pointen und Sticheleien, sexuellen Anspielungen und den blutigen Details von Theater- und chirurgischen Prozeduren im 18. Jahrhundert.

Foote ist eine überragende Figur seiner Zeit – ein bekannter und gefeierter, tonangebender Komiker und Satiriker. Er kannte alle, die Rang und Namen hatten: Casanova, Benjamin Franklin, Ben Johnson, David Garrick, Charles Macklin und Prinz, später König, George – der, der schließlich wahnsinnig wurde und der auf dem Thron saß, als sich Amerika vom Britischen Empire lossagte.

Foote geht Oscar Wildes Karriere und verheerendem Sturz voraus und nimmt ihn gewissermaßen vorweg (die Parallelen sind erstaunlich). Obwohl Foote ein Sohn Cornwalls war, nicht Irlands, und aus einer bemerkenswerten Familie stammte („Mein Onkel hat meinen anderen Onkel umgebracht, mein Vater hat meine Tante geheiratet – wir sind eine enge Familie“), glaubte er an das Theater und setzte sich dafür ein. Er erwirkte von König George eine königliche Lizenz für sein Theatre Royal Haymarket – ein Gebäude etwas nördlich von dem Ort, an dem das heutige Theatre Royal Haymarket so majestätisch steht.

Tim Hatleys Bühnen- und Kostümbild sorgt glänzend dafür, dass das Theatrale ständig sichtbar bleibt. Alles spielt, im Grunde, hinter der Bühne – was sofort Schatten, Klatsch und eine gespannte Erwartung über alles legt, was geschieht. Proben, Backstage-Drama, Ausschnitte aus Vorstellungen, Kämpfe, stille Zärtlichkeit und sogar eine Amputation unterhalb des Knies – trotz der Vielzahl unterschiedlicher erzählerischer Situationen stellt Hatley sicher, dass alles in einem theatralen Kontext zu sehen ist, ohne je die Klarheit des Ortes dem thematischen Vorwärtsdrang zu opfern. Man weiß stets, wo man ist und was man sieht, und die opulenten (bisweilen urkomischen) Kostüme der Epoche sind umwerfend. Peter Mumfords exquisite Beleuchtung beschwört perfekt die kerzenbeleuchteten Zeiten herauf, in denen Foote und Garrick arbeiteten, und spielt zugleich mit Franklins Elektrizität und der wilden Dunkelheit, die überall in London lauerte, scheinbar bereit, sich auf Ahnungslose zu stürzen.

Eyres Regie führt all diese Elemente mit einer fast wundersamen, mitreißenden Leichtigkeit zusammen. Es ist eine üppige Produktion – von den Stoffen der Kostüme bis hin zur genüsslichen Sprachlust, die in den Darbietungen spürbar ist. Figuren werden geschickt und überzeugend etabliert, und die Überzeugungskraft der Inszenierung ist in der Tat beeindruckend.

Als Foote verletzt wird und eine schwere Knieverletzung erleidet, muss sein linkes Bein amputiert werden – ohne Betäubung –, und der Vorgang wird direkt auf der Bühne ausgespielt. Wie beim allerbesten Horror wird die Sequenz diskutiert, beschrieben und angedeutet, aber nicht tatsächlich gezeigt – außer in den Mienen, Haltungen und Schreien der Beteiligten –, sodass die Wirkung zutiefst verstörend ist: fast, als würde die Amputation einem selbst passieren. So effektiv war diese Passage, dass die zwei Zuschauer neben mir in der Pause die Flucht ergriffen, weil sie kein weiteres angedeutetes Gemetzel ertrugen.

Wenn Eyre hier einen Fehltritt begeht, dann nur in einem Punkt: Das Stück wirkt zu lang. Das heißt nicht, dass es nicht durchgehend interessant wäre – das ist es –, aber manches wird ausgespielt, was nicht zwingend nötig ist. Statt zu riskieren, dass das Stück seinen willkommenen Rahmen überzieht, könnte eine kluge Straffung besser dienen. Die Szene, in der Foote seinen „blackamoor“-Diener/Assistenten Frank demütigt und sich dann an ihm vergeht, ist schockierend und unerquicklich, führt das Stück jedoch in Gewässer, die es in dieser Inszenierung nicht unbedingt befahren muss.

Ein Ergebnis des Abends ist ein starkes Bedürfnis, Kellys Originalbuch zu lesen (oder wiederzulesen); dieses verdienstvolle Resultat reicht aus, um dem Stück zu erlauben, sich nur auf das zu konzentrieren, was für den Genuss des Theaterabends wesentlich ist – die forensische Detailfülle von Footes Leben kann getrost dem Roman überlassen bleiben.

Als Foote hat Simon Russell-Beale sichtlich großen Spaß – und sorgt dafür, dass das Publikum ihn ebenfalls hat. Es ist eine üppige, butterweiche, überlebensgroße Darstellung, randvoll mit insinuierenden Blicken und schmieriger, backiger, bissiger Schlagfertigkeit. Er schwelgt in der Sprache und stellt sicher, dass jeder Lacher aus der reichen Ader herausgearbeitet wird, die Kelly bereitgestellt hat – größtenteils, so scheint es, aus den Schriften Footes selbst. Gleichzeitig liefert Russell-Beale auch den rohen, emotionalen Unterbau der Figur und beeindruckt, wenn er den Ton wechselt, um dramatische Höhepunkte zu betonen und zu unterstreichen.

In Russell-Beales Drag-Nummern im zweiten Akt liegt etwas zutiefst Trauriges: Die brutale Verschmelzung von Begehren und Begabung erzeugt Momente, die fragil und beschämend ehrlich sind – und zugleich schneidend und unbestreitbar traurig. Eine interessante Eigenheit ist, dass der Schauspieler häufig das Publikum nach einer Reaktion absucht; anfangs wirkt das eitel, doch im Verlauf der Handlung entpuppt es sich als unglaublich präziser Charaktertick: Foote ist genau der Typ, zerfressen von Selbstzweifeln und Selbstverachtung, der ständig nach Aufmerksamkeit und Bestätigung lechzt. Es ist eine von vielen Arten, wie Russell-Beale Foote gekonnt bloßlegt.

Es gibt weitere ebenso beeindruckende Leistungen. Autor Kelly ist erstklassig als Prinz und später König George: leutselig überheblich, zum Herrschen geboren, aber etwas distanziert und entrückt. Seine Verärgerung darüber, dass die Zeitungen lieber über Footes Schande berichten als über die Probleme in Amerika, ist ein wunderbar ausbalancierter komisch-tragischer Moment. Jenny Galloway liefert eine herrlich derbe und loyale Mrs Garner; ihr kerniger Vortrag in der Eröffnungsszene im Anatomiemuseum gibt den Ton für die folgenden gewagten Gedankenspiele vor: „Nichts gegen die. Schwänze in Flaschen. Bester Platz für sie … Kleiner Ausflug in die Erinnerung.“

Joseph Millson ist geschniegelt und vollkommen überzeugend; mit ruhiger Autorität zeichnet er David Garricks Aufstieg vom Jurastudenten zum Gott des West End nach. Er und Russell-Beale bauen eine wunderbare Dynamik als Rivalen und Freunde auf der Bühne auf. Dervla Kirwan komplettiert das zentrale Trio als Peg Woffington, Garricks zeitweilige Geliebte und Russell-Beales Muse. Nach einem holprigen Start findet Kirwan zu einer schönen, sinnlichen Darstellung, die völlig fesselt, und sie liefert die traurigsten und nüchternsten Momente des Abends – dank der Tiefe, die sie Peg verleiht. Kelly zeichnet sie als Schauspielerin, die eine der großen Desdemonas zu Garricks Othello gewesen sei – und das Schicksal dieser Figur spiegelt sich in Pegs eigener Beziehung zu Garrick und Foote.

Als listiger, stahlharter und neugieriger schottischer Chirurg John Hunter ist Forbes Mason genüsslich scharfzüngig und ungerührt forschend. Seine Arbeit in der Szene der Amputation ist herausragend, in ihrer Direktheit eiskalt, und er macht die Vorstellungskraft des Chirurgen präzise und lebendig. Micah Balfour ist wunderschön zurückgenommen als Footes Diener Frank Turner und formt aus wenig Material eine sehr einprägsame Figur.

Alle Figuren bleiben im Gedächtnis, und das Ineinanderweben ihrer Geschichten und Schicksale ist durch und durch unterhaltsam, überraschend und unerwartet berührend. Für ein Stück mit so vielen Lachern ist es zudem voller Einsichten und faszinierender Beobachtungen über Kultur und Politik – im Privaten wie im Öffentlichen.

Die Hampstead-Spielzeit ist so gut wie ausverkauft – wenn nicht längst komplett ausverkauft. Setzen Sie alles daran, noch eine Rückläuferkarte zu ergattern. Diese Produktion sollte unbedingt ins West End wechseln und dort lange laufen – am besten im Theatre Royal Haymarket. Dieses reichhaltige Plum-Pudding-Stück in dem Theater zu sehen, das dem Ort am nächsten liegt, an dem Foote seine Magie entfaltete, und das den Namen von Footes eigener Leidenschaft trägt, hätte wirklich etwas.

Mr Foote's Left Leg läuft im Hampstead Theatre bis zum 17. Oktober 2015