KRITIK: Herr Popper und seine Pinguine, Tunbridge Wells Assembly Rooms (UK-Tournee) ✭✭✭

Russell Morton als Mr Popper, Toby Manley und Lucy Grattan. Foto: Helen Murray Mr Popper's Penguins

Cadogan Hall (im Rahmen der UK-Tour)

Tour-Informationen

Gegen Ende dieser 75-minütigen Kindershow gibt es einen Moment, in dem die Bühne regelrecht zum Leben erwacht: in einem wunderbar eingängigen, großzügig melodischen, an Jerry Herman erinnernden Showstopper – zugleich die Titelnumer der Show. Man ist schlicht überwältigt vom enormen Charme der Musik von Luke Bateman und den Songtexten von Richy Hughes – und ebenso von dieser Adaption des gleichnamigen Kinderromans der Atwaters aus dem Jahr 1938 durch Pins and Needles Productions.  Hier präsentiert die Inszenierung von Emma Earle, mit einem Design von Sophie Squire, dieses Glanzstück perfekt: Füße wippen, Körper wiegen sich, das Publikum lächelt, und die vielen anwesenden Kinder hüpfen vor Begeisterung.  Der Showman, der diese Nummer trägt, ist eine ungemein charismatische und exotische Figur – für das junge Publikum so unwiderstehlich wie Willy Wonka oder Dewey Finn.  Und dann, nach dem flotten Finale, folgt in einem etwas angeflanschten Epilog ein lebhafter, interaktiver Tanz, bei dem zum ersten Mal in der Show eine echte Verbindung zwischen Ensemble und Publikum entsteht.

Und dann fragt man sich, warum der Rest der Show nicht so ist.  Wie kann so viel Talent, das am Schluss so glänzend gebündelt wird, über weite Strecken zuvor so konsequent am Ziel vorbeigehen?  Es ist ein Rätsel.  Ja, es gibt eine Art Generalprobe für die „große Nummer“ in einem sehr visuellen, körperbetonten Set-Piece, das ziemlich spät in der Handlung kommt: wenn die Vögel das unerquicklich spießige Vorstadthaus der Poppers übernehmen und Chaos anrichten.  Das sorgt für willkommenes Lachen.  Aber selbst das zart-süße, wehmütige Wiegenlied für den kränkelnden ersten Neuankömmling berührt nicht so, wie es eigentlich sollte.  Warum?

Diese Show dürfte ordentlich laufen.  Nachdem sie im vergangenen Jahr durch Großbritannien und in London tourte (ich sah sie in der Cadogan Hall, wo sie ein gutes Publikum anzog), hat sie klug die Sogwirkung dieser schwarz-weißen, fischfressenden Eierleger genutzt: Scharen kleiner Kinder (laut Produktion geeignet ab drei Jahren) strömen herbei, um die Tiere zu sehen; viele Fans kommen in Pinguin-Onesies, mit Pinguin-Schlupfmützen, Pinguin-Schminke oder mit Spielzeug-, Stoff-, Plastik- oder ausgeschnittenen Pinguinen im Arm.  Und wo sie hingehen, da folgen auch die pflichtbewussten Eltern – und zahlen.  Das Zielgruppenmarketing ist also stimmig.  Die Show muss mindestens passabel laufen; sonst wäre sie nicht weiterhin auf Tour, geschweige denn würde sie nach Broadway gehen und sich dann als frühe Vorstellung im Criterion im West End zur Weihnachtszeit einmieten.  Offenkundig trägt sie sich – wenn auch innerhalb enger Grenzen: Mit einer vierköpfigen Besetzung (Mr Popper ist Russell Morton, Mrs Popper Roxanne Palmer, Lucy Grattan und Toby Manley übernehmen die weiteren Rollen), einem kleinen Team, Musik vom Band und minimalem Bühnenbild bleiben die laufenden Kosten überschaubar.

Russell Morton, Toby Manley, Lucy Grattan, Roxanne Palmer. Foto: Helen Murray

Wie dem auch sei: Als ich sie diesmal sah, wirkte die Produktion in der großen, zugigen Halle der Assembly Rooms in Tunbridge Wells ziemlich verloren.  Das Skript – nicht merklich anders als im letzten Jahr – bleibt überwiegend „erzählen“ statt „zeigen“.  Man fühlt sich, als säße man am Bett und lese einem Kind den Text vor, zeige auf Illustrationen eines Anstreichers auf einer Trittleiter oder von herumtollendem antarktischem Federvieh und frage sich, ob man wirklich bis zum Ende durchhalten muss, bevor endlich Schlaf eintritt und man dann etwas Interessanteres im Fernsehen anschauen kann.  Leider sind die angebotenen sozialen Haltungen größtenteils veraltet und etwas ermüdend: Abgesehen von der weiblichen Entdeckerin, die zu Beginn und am Ende kurz zu sehen ist, werden Geschlechter- und soziale Stereotype strikt zementiert; und das Bild von Stillwater (der Heimat der Poppers), das über weite Strecken die Bühne dominiert, ist eines erstickenden Gleichklangs.  Die Poppers selbst – besonders der Ehemann – sind sanfte, leise, höfliche Menschen, die nichts tun, um Aufmerksamkeit zu erregen oder dramatisches Interesse zu wecken.  Es gibt keinen Bösewicht, keinen spürbaren Kampf zwischen Gut und Böse.  Es gibt keine Spannung.  Es gibt kein Drama.

Erst mit der Ankunft der misshandelten Pinguine – quer über die Welt verschifft in erschreckend wenig WWF-konformen Holzkisten – kommt etwas mehr Leben in die Handlung.  Doch man hat sich entschieden, sie als Puppen zu zeigen, geführt von einer Gruppe von Schauspieler*innen auf der Bühne.  Ja, das funktioniert in „War Horse“ und „Der König der Löwen“: Das sind Epen, bei denen wir glauben sollen, dass Millionen Menschen beteiligt sind.  Da stören ein paar zusätzliche Körper auf der Bühne nicht.  Im geschniegelt-konformen Wohnzimmer der Poppers steht das Team der Puppenführer*innen jedoch eher im Weg.  Vor einiger Zeit gab es eine „Tim und Struppi“-Produktion, in der Struppi von einem erwachsenen Darsteller gespielt wurde – und das funktionierte wie im Traum: Das Publikum liebte ihn, und er wurde zum Herzstück dieser Adaption.  Diese Geschichte schreit nach derselben Art von Verbindung zum Publikum.  Die Vögel sind das, wofür die Kinder gekommen sind.  Je jünger die Kinder, desto weniger empfinden sie eine Distanz zwischen Tieren und sich selbst: Würden diese Vögel – zumindest das zentrale Paar – von lebenden Darsteller*innen gespielt, entstünde vermutlich viel eher jene Bindung, die in weiten Teilen dieser Show so auffällig fehlt.

Russell Morton, Tony Manley, Lucy Grattan, Roxanne Palmer. Foto: Helen Murray

So wie es ist, bleibt das Ganze eher kühl.  Selbst die vielen Schönheiten der weltläufigen, witzig gearbeiteten Partitur gehen dem überwiegend sehr jungen Publikum weit über den Kopf und entfernen die Geschichte eher von ihnen, als sie näher heranzuführen: etwa „I’m smitten,/ Frost-bitten,/ We’ll share a mitten/ Or two“ ist typisch für Hughes’ dicht geschriebene, clevere Lyrics, gepaart mit Batemans sauberer 1930er-Jahre-Pastiche – und sie kommen nicht als gelegentliche Leckerei, sondern bündelweise.  Das wäre kein Problem, wenn sie faszinierenden Figuren mit der Fähigkeit zu überraschen und zu bezaubern in den Mund gelegt würden: Zum Vergleich – Harold Arlens herrliche Melodien und Yip Harburgs ebenso funkelnde Texte in „Der Zauberer von Oz“ werden Dorothys Fantasie und den daraus geborenen bizarren Persönlichkeiten großzügig geschenkt; sie werden ganz sicher nie der langweiligen, grauen Tante Em und Onkel Henry zugedacht.  Zudem fehlt auch dem gesprochenen Dialog jede solche Unterscheidungskraft – er stammt offenkundig aus anderen, deutlich weniger begabten Händen.

Also: Sollte man diese Show sehen?  Für mich – selbst wenn nur wegen der letzten Minuten – ganz eindeutig, ja.  Bateman und Hughes sind bedeutende neue Talente, und dies ist ein Hinweis darauf, dass von ihnen sehr, sehr viel Größeres zu erwarten ist.  Alles, was sie jetzt brauchen, sind die richtigen Bücher und Inszenierungen, damit diese Magie wirklich zünden kann.

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