レビュー: ミスター・ポッパーのペンギン、タンブリッジ・ウェルズ・アセンブリーホール（英国ツアー） ✭✭✭

ラッセル・モートン（ミスター・ポッパー役）、トビー・マンリー、ルーシー・グラッタン。写真：ヘレン・マレー　『ミスター・ポッパーのペンギン』

カドガン・ホール（UKツアーの一環）

ツアー情報

子ども向け75分のこの作品には、終盤にさしかかったところで、舞台が一気に生命力に満ちて弾ける瞬間がある。見事に耳に残り、堂々とした旋律美をもつ、ジェリー・ハーマンを思わせるショーストッパー——しかも作品のタイトル・ナンバーで——そこで観客は、ルーク・ベイトマンの音楽とリッチー・ヒューズの歌詞の抜群の魅力、そしてアトウォーターによる1938年の同名児童文学をPins and Needles Productionsが舞台化したこの翻案の巧みさに、ただただ圧倒される。ここでエマ・アール演出のプロダクションは、ソフィー・スクワイアのデザインと相まって、この見せ場を完璧に提示する。つま先がリズムを刻み、身体が揺れ、客席は笑顔になり、会場にいる多くの子どもたちは興奮してぴょんぴょん跳ねる。さらに、このナンバーを担うショーマンは、とびきりカリスマ性があり、どこか異国的な香りのする人物で、ウィリー・ウォンカやデューイ・フィンのように若い観客の心を強くつかむ。そしてテンポよく幕を閉じたあと、付け足しのようなエピローグでは、初めてキャストと客席の間にしっかりとしたつながりが生まれる、活気ある参加型ダンスが用意されている。

すると、なぜ残りの大半がこの調子ではないのか、と不思議になる。結末でこれほど見事に焦点を結ぶ才能が、そこへ至るまでの大部分では、どうしてここまで狙いを外してしまうのか。これは難題だ。もちろん、物語のかなり後半、鳥たちがポッパー家の退屈な郊外の家を占拠して大騒ぎする、視覚的にも身体感覚的にも楽しい場面があり、「大ナンバー」の予行演習のような効果を発揮して、ありがたい笑いも生む。だが、最初にやって来た一羽が弱っていく場面で歌われる、やさしく甘く、悔恨を帯びた子守歌でさえ、本来あるべきほど感情に届かない。なぜなのだろう？

とはいえ、この公演が堅実に商売になっているのは間違いない。昨年はUK各地とロンドンをツアーし（私はカドガン・ホールで観たが、客入りは良かった）、白黒で魚を食べ、卵を産むあの存在の抗いがたい魅力を、見事に売りにしてきた。小さな子どもたちの大群（公演側は対象を3歳以上としている）がこの生き物を観に押し寄せ、ペンギンのワンジーやペンギン柄のスヌード、ペンギンのフェイスペイント、あるいはぬいぐるみ・プラスチック・切り抜きなどのペンギンを抱えて来るファンも多い。そして子どもが行くところには、きちんとお金を払う親もついて来る。ターゲット設定としては、つまり堅い。そうでなければ、ツアーを続けるどころか、ブロードウェイへ行き、その後ウェストエンドのクリテリオン劇場でクリスマス・シーズンの早い時間帯の公演として腰を据える、という展開にはならないはずだ。厳しい収支の範囲内でも、採算を合わせられるのだろう。キャストは4人（ミスター・ポッパーはラッセル・モートン、ミセス・ポッパーはロクサーヌ・パーマー、ルーシー・グラッタンとトビー・マンリーがサポート役）、スタッフは小規模、音楽は録音の再生、装置も最小限で、ランニングコストは控えめだ。

ラッセル・モートン、トビー・マンリー、ルーシー・グラッタン、ロクサーヌ・パーマー。写真：ヘレン・マレー

それはさておき、今回私が観たとき、このプロダクションは、広くて隙間風の入るタナブリッジ・ウェルズ・アセンブリー・ルームズの大空間で、やや居場所を失っているように見えた。台本は昨年と大きく変わったようには感じられないが、依然として「見せる」より「語る」が中心だ。まるで子どもの枕元に座り、家の塗装工が脚立を上る絵や、南極の野鳥がはしゃぐ挿絵を指さしながら読み聞かせをしていて、寝かしつけが終わるまで読み切らないといけないのか、と考えつつ、終わったらテレビでもっと面白いものを観に行きたくなる——そんな気分になるのだ。残念ながら、提示される社会的な価値観の多くは時代遅れで、いささか退屈でもある。冒頭と終盤に一瞬登場する女性探検家を除けば、ジェンダーや階層のステレオタイプががっちり固定され、上演の大半を支配するスティルウォーター（ポッパー家の住む町）のイメージは、息苦しいほどの画一性だ。ポッパー夫妻、とりわけ夫は、従順で物静かで礼儀正しく、注目を集めたりドラマ的な興味を生んだりするようなことを何もしない。悪役もいない。善と悪の力がぶつかり合う確かな闘争もない。つまり、ドラマがないのだ。

舞台の熱量が少し上がるのは、虐げられたペンギンたち——世界の反対側から、驚くほどWWF的に不適切な木箱に詰められて運ばれてくる——が到着してからだ。ところが彼らを、舞台上の俳優たちの一団が操作するパペットで表現する、という判断がなされている。たしかに『ウォー・ホース』や『ライオン・キング』ではそれが機能する。あれらは叙事詩で、何百万人もの人々がそこに関わっている、と観客が信じるべき世界だから、舞台上に「人が増える」ことは問題にならない。しかし、きちんとした同調圧力の漂うポッパー家の居間では、その操作チームがただ邪魔に見える。以前、『タンタン』ではスノーウィを大人の俳優が演じ、それが夢のようにうまくいった。観客は彼を心底愛し、あの舞台化の中心となった。この物語も、同じ種類の観客との結びつきを強く求めている。子どもたちが観に来たのは鳥たちなのだ。年齢が低いほど、動物と自分の間に感じる隔たりは小さい。もし——少なくとも中心となるペアだけでも——この鳥たちを生身の俳優が演じていたなら、この作品の大半で目立って欠けている「絆」を、もっと生み出せたのではないか。

ラッセル・モートン、トニー・マンリー、ルーシー・グラッタン、ロクサーヌ・パーマー。写真：ヘレン・マレー

現状では、かなりクールな手触りのままだ。洗練され、機知に富むスコアの美点の多くは、主にとても幼い観客には理解が及ばず、物語を彼らに近づけるどころか、むしろ遠ざけがちだ。たとえば「夢中さ／凍えそうさ／手袋を／一つか二つ分け合おう」といったフレーズは、ヒューズの密度の高い、賢い歌詞の典型で、ベイトマンによるきちんとした1930年代パスティーシュがそれに寄り添う——しかもそれが時おりのご褒美ではなく、両手いっぱいに次々と出てくる。魅力的で、意外性があり、観客を惹きつける人物像に与えられるなら問題はない。比較として、映画『オズの魔法使い』でハロルド・アーレンの美しい旋律と、イップ・ハーバーグのきらめく歌詞が注がれるのは、ドロシーの想像力と、その想像力が生み出す奇妙な人格たちであって、退屈で灰色のエムおばさんやヘンリーおじさんに与えられることは断じてない。さらに言えば、セリフ自体にもそうした際立ちがなく、明らかに別の——はるかに才能に乏しい——手によるものだ。

では、この作品は観るべきか？　私としては、最後の数分のためだけでも、間違いなく「観るべき」だ。ベイトマンとヒューズは重要な新しい才能であり、本作は彼らに今後、はるかに大きな仕事が待っていることを示すサインである。あとは、あの魔法を本当に起こせる、適切な脚本とプロダクションに出会うだけだ。

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