KRITIK: Mrs Henderson präsentiert, Theatre Royal Bath ✭✭✭✭✭

Mrs Henderson Presents läuft jetzt im Noel Coward Theatre – Jetzt buchen Mrs Henderson Presents

Theatre Royal, Bath

22. August 2015

5 Sterne

Wir befinden uns zwischen den beiden Weltkriegen im 20. Jahrhundert. London. Dem Windmill Theatre geht es wirtschaftlich nicht besonders gut. Der Betreiber hat eine Idee: Kostüme einsparen und „klassische“, dekorative Nacktheit einführen. Der Sittenwächter, der Lord Chamberlain, stimmt nach ein wenig Taschenspielerei zu. Der Deal steht, die Bühne ist bereitet – es geht nur noch darum, die jungen Damen davon zu überzeugen, dass Nacktheit zu ihren Aktivitäten auf der Bühne ganz selbstverständlich dazugehört.

Wenig überraschend brauchen die Damen Überzeugungsarbeit; einige laufen davon und weigern sich, sich öffentlich auszuziehen. Doch die schüchterne Maureen hält es für eine gute Idee und macht mit – und andere Mädchen folgen ihrem Beispiel.

Dann ist der Moment da. Der Regisseur will, dass die Damen sich ausziehen. Am letzten Hindernis zögert Maureen, sucht Bestätigung. Warum sollten ausgerechnet sie die Einzigen sein, die nackt sind? Warum sollten sich die Männer nicht auch ausziehen? Ein früher Vorstoss in Richtung Gleichberechtigung – von den Männern erst einmal abgewehrt. Bis Bertie sich denkt: Ach, was soll's, dann können wir eben alle zusammen „Mädchen“ sein. Und schon fallen seine Klamotten – sehr zum Erstaunen der Männer auf der Bühne. Er steht da, splitterfasernackt, und geniesst die Aufmerksamkeit. Die anderen Männer wollen sich von „einem Homosexuellen“ nicht die Show stehlen lassen, und so ziehen sie sich – einer nach dem anderen – ganz im Stil von Calendar Girls aus, mit Requisiten, die ihre Männlichkeit bedecken. Bis hierhin gab es blanke Hintern und nackte Oberkörper, doch Genitalien blieben sicher ausser Sicht (ausser vielleicht für aufmerksame Augen auf dem Balkon oder ganz an den äussersten Seiten des Theaters). Es ist gut gelaunt, eine Art Pseudo-Nacktheit.

Dem Beispiel der Männer folgend, ziehen sich die Damen ebenfalls aus. Wenn die Szene schliesslich in der Show, die sie im Windmill auf die Beine stellen, ausgespielt wird, stehen die Frauen ganz still – aussergewöhnlich schön und wirklich, wirklich nackt. Alle. Entblösst, völlig ungeschützt – wie Göttinnen aus einem Renaissance-Gemälde. Diese Damen sind viel mutiger als die Herren der Schöpfung – ihre Genitalien stehen voll im Scheinwerferlicht. Keine Calendar-Girls-Schamhaftigkeit für sie.

Und natürlich ist genau das der Punkt.

Dies ist das neue britische Musical Mrs Henderson Presents, basierend auf dem erfolgreichen Film von 2005 (Drehbuch: Martin Sherman) gleichen Namens, mit Buch von Terry Johnson, Liedtexten von Don Black und einer Musik von George Fenton und Simon Chamberlain – jetzt in seiner Premieren-Spielzeit am Theatre Royal Bath, in einer von Johnson inszenierten Produktion. Mit Choreografie von Andrew Wright, musikalischer Leitung von Mike Dixon und Orchestrierungen von Larry Blank ist Johnsons Inszenierung in jeder Hinsicht ein Triumph.

Die Musik von Fenton und Chamberlain ist eine echte Freude. Es gibt Pastiches, die auch von Cole Porter oder Richard Rodgers stammen könnten, ebenso spritzige Nummern im Vaudeville-Stil und einige grosse, üppige Hymnen. Eingängig und melodisch ist die Partitur voller musikalischer Lebenslust. Zu den herausragenden Nummern zählen What A Waste Of A Moon, Ordinary Girl, Perfect Dream, Living In A Dream World, He's Got Another Think Coming, Anything But Young und If Mountains Were Easy To Climb. Selbst heitere Plauder-Songs wie We Never Closed und Everybody Loves The Windmill prickeln und funkeln vor echter Freude. Das sind Songs, die frisch wirken und zugleich vollkommen als Zeitmusik der 1930er Jahre funktionieren.

Larry Blanks Orchestrierungen sind wie immer grossartig, doch Dixon hat nur eine kleine achtköpfige Band zur Verfügung. Sie meistern alles mit robuster, ansteckender Energie, aber es lässt sich nicht leugnen, dass die Partitur von einer grösseren Orchesterbesetzung profitieren würde – einem richtigen Streichersatz und mehr Blech für die jazzigeren Seiten der Musik. Dixon macht hervorragende Arbeit, um die Musik zu verkaufen und die Balance zwischen Sänger*innen und Instrumenten zu wahren. Das sind Melodien, bei denen man mitbrummt und mitklatscht – und man verlässt den Zuschauerraum mit dem Wunsch, man könnte ein Album kaufen und die Musik immer wieder hören.

Das liegt auch daran, dass Don Black in Bestform ist. Seine Texte sind prägnant und beschwingt, gelegentlich schlüpfrig, aber stets unterhaltsam und clever. Er vermeidet unnötige Sentimentalität, lässt aber Figur und Situation die gesungenen Worte bestimmen.

Terry Johnsons Buch überarbeitet das Filmdrehbuch in mehrfacher Hinsicht – und angesichts des Musical-Formats durchweg zum Besseren. Es gibt neue Figuren und andere Akzente, doch das Gefühl von frivol-exuberantem Spass, das der Film einfing, wird hier mühelos reproduziert. Johnson verleiht der Erzählung mehr ernsthafte Theatralität, indem er den Fokus auf die Backstage-Figuren des Hauses legt. Das funktioniert sehr gut. Ausserdem nutzt er eine Art Erzähler-Konstruktion, um die Geschichte zu rahmen – eine weitere hervorragende, sehr theatrale Idee, die einzig an der tatsächlichen Kunstfertigkeit des Darstellers ein wenig ins Stocken gerät.

Das Windmill war für sein Revueville berühmt, und Johnsons Arbeit hier spiegelt diesen Revue-Stil. Eine Reihe miteinander verbundener Szenen und Songs bildet den Gesamtbogen; innerhalb dieses Bogens werden einzelne Geschichten erzählt. Es ist schlicht und eingängig – genau so, wie Revueville gewesen sein muss.

Weil die Handlung in den 1930er und 1940er Jahren spielt, sind Gefühl und Schatten des Krieges unvermeidlich. Johnson versucht nicht, das zu umschiffen, sondern nimmt es an und macht den damaligen Patriotismus zu einer unwiderstehlichen Charakterkraft. Es ist schwer, an mehreren Stellen nicht ein, zwei Tränen zu verdrücken, weil das Zeitgefühl so sorgfältig eingefangen ist. Es ist weder kitschig noch überzogen; die Emotionen kommen aus der Epoche und den Figuren. Es ist witzig und fesselnd, zugleich traurig und nachdenklich stimmend.

Völlig zu Recht hat Johnson als Regisseur darauf bestanden, dass es in der Show tatsächliche Nacktheit gibt. Ohne sie wäre es nicht authentisch. Zugleich lenkt der Unterschied in den damaligen gesellschaftlichen Haltungen zur Nacktheit von Männern und Frauen den Blick darauf, was sich seit 1940 verändert hat. Nicht viel. Der nackte weibliche Körper wird nach wie vor freimütig objektifiziert, der nackte männliche hingegen nicht. (Ein kurzer Blick auf Game of Thrones etwa zeigt unzählige Momente gratuitöser weiblicher Nacktheit, aber nur die seltensten Einstellungen mit Männern.) Von Frauen wird erwartet, nackt zu posieren; von Männern, angezogen zu bleiben. Nicht oft zwingt einen das Theater, über solche Themen nachzudenken – doch dieses charmante und mutige Musical tut genau das.

Andrew Wright liefert eine hervorragende Choreografie, von der einiges recht trickreich ist. Sie wirkt nicht immer ganz stimmig für die Epoche, doch das Ensemble spielt mit unerschöpflicher Energie und Disziplin, und die Nummern machen insgesamt grossen Spass. He's Got Another Think Coming ist besonders grandios und lässt den Vorhang zum Ende des ersten Akts brillant fallen.

Als die pragmatische, vernünftige Maureen, die sich der Herausforderung der Nacktheit auf der Bühne mit voller Überzeugung stellt, ist Emma Williams eine absolut fantastische Vierfach-Begabung: Sie spielt, tanzt, singt und posiert nackt mit echter, schillernder Souveränität. Ihre Stimme passt perfekt zu dieser Partitur, und sie füllt die Nummern mit Herz und einem reinen, goldenen Klang. Sie trifft die Rolle punktgenau, tanzt, als sei es das Einzige, was sie tut, und kann verführerisch einen Fächer wirbeln wie kaum jemand. Williams ist in jeder Hinsicht spektakulär – doch ihre brillant mutige, vollständig frontale Zurechtweisung Hitlers an der Rampe ist ein wahrer Coup de théâtre: auf ihre Art ebenso konfrontativ, einprägsam und schockierend wie „Come On Dover! Move Your Blooming Arse!“ es gewesen sein muss, als My Fair Lady uraufgeführt wurde. Williams ist grossartig.

Samuel Holmes ist als männlicher Star des Windmill, der schrille und exzentrische Bertie, ebenso herausragend. Er schafft es, einerseits einen Typus zu spielen und andererseits die Traurigkeit eines Lebens nachzuzeichnen, das zu einer Zeit stattfand, in der Homosexualität strafbar war. Holmes macht die Rolle weder albern noch düster; vielmehr werden Berties Energie und Lebenslust klar spürbar. Der Moment, in dem er sich aus Solidarität mit den Mädchen auszieht, ist ein echtes Highlight – weil er ihn als loyalen, rücksichtsvollen Freund zeigt, ebenso als Sportsmann und kleinen Spassvogel (Einige Einlagen mit einem nackten und peinlich berührten Matthew Malthouse sind sehr komisch). Holmes hat eine echte und ausgesprochen schöne Stimme, die er hier meisterhaft einsetzt, und er ist zudem ein ausgezeichneter Tänzer. In jeder Hinsicht fantastisch.

Ian Bartholomew ist grossartig als Vivian Van Damm, der jüdische Unternehmer, der mit Mrs Henderson zusammenarbeitet, um das Windmill zum Erfolg zu machen. Er ist abwechselnd komisch und berührend, wobei seine Reaktion auf Hitlers Invasionen in Europa besonders fein austariert ist. Das ist eine Rolle, die leicht verschenkt werden könnte, doch Bartholomew bringt hochkarätigen Charme und eine satte, kraftvolle vokale Autorität in jede Szene. Van Damm funkelt.

In einer für diese Produktion im Wesentlichen neuen Rolle kommt Matthew Malthouse, stets ein zuverlässiger Darsteller, als Eddie ganz zu sich: der charmante Theatertechniker, der sein Herz an Maureen verliert. Malthouse macht Eddie weder geschniegelt noch verwegen; vielmehr spielt er Eddies Schwächen aus und erschafft eine sanfte, entzückende und rundum liebenswerte Figur. Seine Szenen mit Williams sind süss und wahrhaftig; es ist unmöglich, sich nicht zu wünschen, dass sie glücklich bis ans Ende ihrer Tage leben. Seine Stimme ist leicht und treffsicher, und er liefert hervorragende Interpretationen der Songs im perfekten Zeitstil. Ein weiterer toller Tänzer – und einer mit einem Faible für komischen Unfug und romantische Gesten.

Dame Judi Dench zu folgen ist immer schwer – und noch schwerer, wenn man eine ältere Frau spielt –, doch Tracie Bennett hat keinerlei Berührungsängste und gestaltet eine launige, aber entschlossene Mrs Henderson, die vor Leben sprüht und unmögliche Hindernisse behandelt wie Fliegen, die man wegwedelt. In ihrem Spiel steckt etwas vom Carry-On-Ensemble, und das ist perfekt dosiert – sie kann schmutzig reden, um zu schockieren und zu überreden, doch meist blitzt ein Funkeln in ihren Augen. Manchmal ist dieses Funkeln melancholisch, manchmal schelmisch, aber ihre Augen sind stets offen für Möglichkeiten. Vollkommen sicher in den Anforderungen der Partitur und mit hervorragender Bühnenchemie mit Van Damm, Maureen, Eddie und besonders Bertie liefert Bennett hier eine grossartige zentrale Leistung.

Erstklassige Arbeit gibt es von Graham Hoadly (der polternde Lord Chamberlain), Lizzy Connolly, Katie Bernstein und Lauren Hood (Doris, Peggy und Vera – wunderbare Windmill-Tänzerinnen), Dickie Wood (Cyril) und Andrew Bryant (Sid). Tatsächlich leistet das gesamte Ensemble Hervorragendes – Harmonien und Melodien werden durchgehend wunderschön gesungen, das Tanzen ist erstklassig, und Komik wie Herz quellen aus allem hervor.

Es gibt nur einen einzigen schiefen Ton. Mark Hadfields Arthur, der komische Erzähler, der die Show mit seinen eingestreuten Monologen am Laufen hält, bleibt hinter den Erwartungen zurück. Hadfields Vortrag ist nicht souverän genug, um zu funktionieren – selbst wenn er, wie es bei der von mir gesehenen Voraufführung wirkte, einen Mann spielen wollte, der seines Materials nicht ganz sicher ist. Die Nummer sitzt nicht geschmeidig genug, das Geplänkel ist nicht leichtfüssig genug, die angebliche Improvisation nicht sauber genug. Im grossen Ganzen ist Arthur für den Erfolg von Mrs Henderson Presents nicht entscheidend – aber mit einem erstklassigen Arthur wäre das Ergebnis noch reicher.

Tim Shortalls Bühnenbild ist charmant und passend, und die Szene, in der das Theater beinahe bombardiert wird, ist beeindruckend gelöst. Paul Wills liefert ausgezeichnete Kostüme, Ben Omerods Lichtgestaltung ist wunderschön geführt (besonders der Umgang mit Eddies „Moon“ und Maureens Nacktheit ist sehr gelungen), und Richard Mawbey leistet hervorragende Arbeit bei Perücken und Maske.

Es besteht kein Zweifel, dass Mrs Henderson Presents ins West End transferieren sollte. Das Material ist erstklassig und vielen neuen Musicals, die dort in den letzten Jahren zu sehen waren, überlegen. Es wird ein grösseres Orchester brauchen (und entsprechend umfangreichere Orchestrierungen), ausserdem könnte es etwas Casting-Feinschliff und ein grösseres Ensemble (mindestens ein weiteres Dutzend Tänzer*innen) vertragen, damit ein grandioseres Gefühl von Massstab möglich wird. In Bath wirkt es wie ein hervorragendes Kammerspiel, perfekt passend zum wunderschönen Theatre Royal. Im West End kann das Ziel höher gesteckt werden.

Das Entscheidende ist: Es funktioniert – in jeder Abteilung.

Das ist das beste britische Musical seit Matilda. Und wenn man Musicals ausklammert, die sich um Kinder drehen, ist es das beste britische Musical seit Das Phantom der Oper.

Absolut unübersehbar.

Mrs Henderson Presents läuft im Theatre Royal Bath bis zum 5. September 2015