Rezension: Richard III, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Richard III – Martin Freeman und Lauren O'Neil – Foto: Marc Brenner Richard III Trafalgar Studios 8. August 2014 4 Sterne

Der Boden ist ein abgenutztes Schachbrett; die grossen schwarzen und weissen Quadrate sind vom Gebrauch stumpf geworden. Alles an der Einrichtung – die langen lackierten Bänke mit Namensschildern und Mikrofonplätzen, das grelle Licht, die büroschlammgrünen Drehstühle, die Aufzüge, die altmodischen Telefone – ruft jene Zeit wach, bevor Margaret Thatcher Grossbritannien umkrempelte, bevor die Exzesse der 80er und 90er einsetzten. In der Luft liegt eine politische Spannung, die den Raum wie selbstverständlich verschluckt; als wäre es eine dystopische Mischung aus einem Sitzungssaal der UN-Vollversammlung und dem Bunker aus Kubricks Dr. Seltsam. Ein wenig unheimlich, womöglich komisch, durchdrungen von Macht und Intrige.

In einer Ecke rechts sitzt auf einer Bank eine einzelne Gestalt; eine Frau, die wie ein Gespenst vergangener Macht wirken könnte, die aber – zumindest oberflächlich – ein wenig wie eine gealterte Mrs Thatcher aussieht: die Frisur, die fest umklammerte Handtasche. Sie wartet und sinniert. Wartet. Still. Wie eine Spinne, die darauf lauert, dass sich eine Fliege in ihrem Netz verfängt.

So beginnt Jamie Lloyds fesselnde Neuinszenierung von Richard III, einem von Shakespeares Historienstücken, jetzt in den Trafalgar Studios zu sehen. Der Text ist vielschichtig: voller machiavellistischer politischer Ränkespiele, aber ebenso eine Komödie – wenn auch eine dunkle, bisweilen grand-guignoleske. Lloyd versteht sein Stück bestens und liefert eine Lesart, die abwechselnd frösteln lässt und zum Lachen bringt, die die komplizierte Geschichte mit unfehlbarer Klarheit erzählt und einem erstklassigen Ensemble Raum gibt, jeweils dann zu glänzen, wenn es an der Reihe ist.

Diese Produktion ist um Welten besser als die aufgeblasene Old-Vic-Version mit Kevin Spacey und mindestens so gut wie – wenn nicht sogar besser, dank der insgesamt überlegenen Besetzung – die zu Recht gefeierte Mark-Rylance/Samuel-Barnett-Fassung, die der Globe ins West End und an den Broadway gebracht hat. Wenn Sie die Handlung sowie die Motive und den Antrieb jeder Shakespeare-Figur wirklich verstehen wollen: Sehen Sie sich diese Inszenierung an.

Seit Laurence Olivier die Vorstellungen von Richard III gesprengt und der Rolle als echtem Starvehikel einen nahezu unauslöschlichen Stempel aufgedrückt hat, versuchen Schauspieler, ihren eigenen Weg zu finden, in dieser Partie zu glänzen. Lloyd verweigert sich diesem Ansatz – zu Recht – auch mit seinem Star Martin Freeman. Der Schlüssel zu Freemans Darstellung steckt in einer Zeile von Königin Margaret:

Du elfisch gezeichneter, missratener, wühlender Eber.

Während andere ihre Deutung an anderen Wendungen aufgehängt haben („giftige bucklige Kröte“, „diese eingesperrte Spinne“, „Dass Hunde mich anbellen, wenn ich hinkend an ihnen vorbeigehe“), steht hier die Vorstellung des wütenden, verwilderten, brunftigen Keilers im Vordergrund. Das ist ein wiederkehrendes Bild im Stück – Hastings sagt in Akt 3, dass „Stanley träumte, der Eber rüttele an unsern Helmen“ – und es erlaubt eine Figur voller Gier nach Fleisch und Macht: mit einer unfehlbaren Nase für die Trüffel der Macht, die Hindernisse beiseitefegt, die den Weg versperren; mit einspuriger, berechnender Kälte und vollständiger Gleichgültigkeit gegenüber allen anderen.

Klein gewachsen, bärtig, ein Arm schlaff und nutzlos, ein kleiner Buckel – Freemans verwilderter Schweine-Richard ist vollkommen eigenständig, voller Galle und mit einem scharf gemeisselten, selbstbewussten Humor. Er findet jede politische Nuance der Rolle und suhlt sich in massloser Gewalt und gratuiter Kränkung. Seine einhändige Erdrosselung von Lady Anne ist atemberaubend anzusehen. Ebenso sein todbringendes Schweigen, während sein königlicher Neffe umherhüpft, ihn nachäfft und wie ein Ferkel quiekt; seine giftigen Wortgefechte mit Königin Margaret; seine geschickte Manipulation Buckinghams; das messerscharfe Duell mit Elizabeth um die Hand ihrer Tochter; das letzte, rasende, blutgetränkte Bild von ihm auf dem Schlachtfeld – wirr und überrollt, aber immer noch auf der Suche nach einer Chance – und dann, als ungebremster letzter Ausbruch, wie er sich mit dem Messer in der Hand auf Richmond stürzt und aus „Ein Pferd! Ein Pferd! Mein Königreich für ein Pferd!“ einen Bravourmoment der schwarzen Komik macht. Der Schuss, der ihn schliesslich zum Schweigen bringt, ist brutal und erschütternd.

Freeman durchbricht oft die vierte Wand, zwinkert, nickt und nimmt das Publikum verschwörerisch in seine Gedanken mit, unterstreicht seine Pointen, sucht und bekommt die Rückversicherung, dass man ihn versteht und ihm folgt. Das ist sehr klug gemacht, diese stumme Vertrautheit mit dem Publikum; sie ist in der Inszenierung eine Eigenheit Richards – und entfremdet ihn zugleich vom Rest des Ensembles und bindet ihn an die Zuschauenden, trotz seiner Gräueltaten. Sehr clever.

Freemans cleverster Moment kommt jedoch in der Szene, in der er die Krone zunächst verweigert und sie dann doch annimmt. Ohne Vorwarnung gehen im Zuschauerraum die Lichter an, und das Publikum wird Teil der Handlung: die Menge, vor der die Szene ausgespielt wird, diejenigen, deren Zustimmung Richard will und braucht. Freeman tritt auf, und alles an seinen körperlichen Einschränkungen ist überzeichnet – er spielt sie für die Menge aus, wie ein echter Politiker, in der Hoffnung, seine Chancen zu verbessern. Es funktioniert auf einfache und verblüffende Weise: Es betont zugleich seine „missratene“ sterbliche Gestalt und sein unablässiges, intelligentes Verständnis der Welt um ihn herum.

Das Beste an Freeman aber ist, dass er das Stück nicht als sein Eigentum behandelt. Er arbeitet als Teil eines Ensembles, als einer aus einem Team, das die Geschichte erzählt. Das ist kein Starvehikel; es ist eine kunstvolle Bewältigung eines schwierigen Textes, in der jede*r seinen Zug bekommt und dann glänzt.

Jo Stone-Fewing ist als Buckingham herausragend – ein Triumph selbstverliebter, schmieriger Selbstherrlichkeit. Er sieht aus wie eine gutmütige Sitcom-Figur, was seine politische Gravitas und die sehr reale Bedrohung, die er für seine Gegner darstellt, nur noch stärker hervortreten lässt. Seine satte, resonante Stimme lässt das Material leuchten. Maggie Steed ist als gestürzte Königin Margaret gebrochen, anklagend und sehnsüchtig; teils dämonische Hexe, teils Thatcher-Symbol, teils herzzerreissende Mutter und Ehefrau – sie ist eine ständige Präsenz. Sie trinkt Tassen Tee, während Richard brennt, ganz im Sinne von Nero und Rom.

In den Händen von Gina McKee ist Königin Elizabeth ein tödliches politisches Wesen. Ihre raue Stimme passt hervorragend, und sie gibt Freeman wie Steed Kontra, ohne einen Zoll nachzugeben. Der Ausdruck unablässigen Entsetzens, während sie darauf wartet, dass Richard sie küsst, lässt einem die Haut kribbeln. Gerald Kyd ist als Richards rechte Hand, Catesby, sehr beeindruckend: zähneknirschende Komplizenschaft und brutale Gleichgültigkeit – ein echter Psychopath.

Mark Meadows macht aus Clarence mehr als viele andere, und sein Tod (ertränkt in einem Fischtank) ist kaum zu ertragen. Gabrielle Lloyd (Herzogin von York – sie trägt etwas von den Windsor-Frauen in sich) ist grossartig in der Rede, in der sie sich gegen Richard, ihren Sohn, wendet – der Schmerz und die Enttäuschung, die sie ausstrahlt, sind greifbar. Lauren O'Neil ist eine hervorragende Lady Anne; ihr Ekel und ihre Angst vor Richard sind perfekt getroffen. Sie stirbt grossartig, ringt Richard um jede Überlebenschance ab; und zuvor hat sie einen Moment gespenstischer Schönheit, als ihr klar wird, dass er sie töten wird. Ein stilles, verheerend wirksames Stück Schauspielkunst.

Joshua Lacey verleiht Rivers einen kämpferischen, eigenwilligen Geist, und die Szenen, in denen er gefoltert und hingerichtet wird, sind von Schmerz durchzogen. Paul Leonard macht Hastings streng, düster und aufrichtig; Simon Coombs geniesst Tyrrels mörderischen Appetit, und man glaubt das Blut der von ihm Erschlagenen fast in seiner Haut zu spüren; Philip Cumbis ist als Richmond königlich und ehrlich, seine Schlussrede beendet das Stück mit Schönheit und Zuversicht.

Alle im Ensemble sind gut – und das macht diese Richard-III-Produktion zu etwas Ungewöhnlichem und allein deshalb Bewundernswertem.

Soutra Gilmour liefert das stimmungsvolle Bühnenbild, das – obwohl es mit Requisiten vollgestellt ist – eine sehr klare, karge Umgebung schafft, in der die Handlung präzise arbeiten kann. Das Licht von Charles Balfour ist grossartig – ein besonderes Highlight ist die Szene gegen Ende, wenn Richard von den Geistern seiner Opfer heimgesucht wird. Wahrhaft unerquicklich. Der Sound und die Stimmungs-Musik von Ben und Max Ringham passen zu Bühnenbild und Spiel wie die Faust aufs Auge und kitzeln zusätzlich Komplexität und Resonanz hervor.

Lloyd hat das Stück auf interessante Weise gekürzt, Figuren gestrichen, Zeilen neu zugeordnet; die letzten Szenen – Richard im einen Lager, Richmond im anderen – sind geschnitten und gegeneinander montiert, sodass der Effekt wie eine dokumentarische Chronik der Entwicklungen wirkt, und die Spannung steigt, je höher der Einsatz wird. All das hilft, die Erzählung für ein heutiges Publikum wirksam und verständlich zu machen.

Von Beginn an packt Lloyds Inszenierung und lässt nicht mehr los. Sie ist nie langweilig oder zweckfrei; alles ist zielgerichtet und trägt zur schlüssigen Gesamtvision bei. Es ist die Geschichte eines verbitterten, rachsüchtigen Mannes, der verzweifelt nach Macht greift und sie um jeden Preis halten will. Shakespeare schrieb ein zeitloses Stück über Gier, Macht und Begierde – eines, das heute genauso laut spricht wie um 1594. Wer Shakespeares Relevanz als Dramatiker heute anzweifelt, muss nur diese Produktion sehen, um beruhigt zu sein.

Richards gibt es überall in der modernen Welt: Sie leiten Banken, kontrollieren Konzernmächte, führen Kriege, unterdrücken Minderheiten. Einer regiert gerade Australien.

Shakespeares Blick und Einsicht in die Psychologie schizophrenen Grössenwahns waren nie kraftvoller als in Richard III. Jamie Lloyds Produktion zeigt das mit Klarheit und Gefühl.