RESEÑA: Ricardo III, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Ricardo III - Martin Freeman y Lauren O'Neil - Foto: Marc Brenner Ricardo III Trafalgar Studios 8 de agosto de 2014 4 estrellas

El suelo es un tablero de ajedrez gastado; los grandes cuadrados blancos y negros, apagados por el uso. Todo en el mobiliario —los largos bancos lacados con placas con nombres y puestos de micrófono, la iluminación dura, las sillas de oficina verde cieno de estanque, los ascensores, los teléfonos de estilo antiguo— evoca esa época anterior a que Margaret Thatcher transformara Gran Bretaña, antes de que se instalasen los excesos de los 80 y los 90. El aire está cargado de una energía política que parece engullir el espacio de forma natural; es como una fusión distópica entre una sala de la Asamblea de las Naciones Unidas y el búnker del Dr. Strangelove de Kubrick. Ligeramente inquietante, quizá cómico, impregnado de poder e intriga.

En una esquina, a la derecha, sobre un banco, se sienta una figura solitaria: una mujer, que podría ser un fantasma del Poder Pasado pero que, al menos en apariencia, se parece bastante a una señora Thatcher envejecida, con ese peinado y el bolso bien sujeto. Espera y reflexiona. Esperando. En silencio. Como una araña aguardando a que una mosca caiga en su red.

Así comienza la absorbente reposición de Ricardo III de Jamie Lloyd, una de las obras históricas de Shakespeare, ahora en cartel en los Trafalgar Studios. El texto es poliédrico: rebosa intriga política maquiavélica, pero es igualmente una comedia, aunque una comedia negra, a ratos casi Grand Guignol. Lloyd conoce muy bien su material y ofrece una lectura que alterna lo escalofriante y lo divertido, que cuenta la historia —complicada— con una claridad infalible y que permite que un reparto de primer nivel brille cuando le llega el turno.

Esta producción es infinitamente mejor que la desmesurada del Old Vic con Kevin Spacey y, al menos, tan buena como —si no mejor, gracias a la superioridad del reparto en conjunto— la justamente celebrada versión de Mark Rylance/Samuel Barnett que el Globe llevó al West End y a Broadway. Si quieres entender la historia y las motivaciones y el impulso de cada uno de los personajes de Shakespeare, ve esta producción.

Desde que Laurence Olivier rompió ideas preconcebidas sobre Ricardo III y dejó una huella casi indeleble como gran vehículo de lucimiento, los actores han buscado su propia manera de brillar en el papel. Lloyd, con acierto, rehúye ese enfoque con su estrella: Martin Freeman. La clave del retrato de Freeman está en uno de los versos de la reina Margarita:

Tú, marcado como un duende, aborto, jabalí hocicón.

Donde otros han apoyado sus interpretaciones en frases distintas (“sapo venenoso, giboso”, “esa araña embotellada”, “los perros me ladran cuando cojeo junto a ellos”), aquí prevalece la idea del jabalí/cerdo salvaje desbocado y en celo. Es una imagen recurrente en la obra: Hastings dice en el acto 3 que “Stanley soñó que el jabalí alzaba nuestros yelmos” —y permite un personaje lleno de lujuria, de carne y de poder, con un olfato infalible para detectar las trufas del poder y apartar de un manotazo los obstáculos que le cierran el paso; una frialdad calculadora y obsesiva, y una indiferencia total hacia cualquiera que no sea él mismo.

De baja estatura, con barba, un brazo flácido e inútil, una leve joroba, el Ricardo cerdo salvaje de Freeman es completamente original, lleno de mala leche y de un humor afilado y consciente de sí mismo. Encuentra todos los matices políticos del papel y se revuelca en la violencia intempestiva y la ofensa gratuita. Su estrangulamiento a una mano de Lady Anne es extraordinario de ver. También lo es su silencio mortal mientras su sobrino real brinca alrededor imitándole, chillando como un cerdo; sus intercambios feroces con la reina Margarita; su hábil manipulación de Buckingham; el duelo verbal, afiladísimo, con Isabel por la mano de su hija; la imagen final, frenética y empapada de sangre, en el campo de batalla, enloquecido y sobrepasado pero aún buscando una oportunidad, y luego lanzándose hacia Richmond en un último arrebato sin freno, cuchillo en mano, convirtiendo en un momento de bravura cómica “¡Un caballo! ¡Un caballo! ¡Mi reino por un caballo!”. El disparo que por fin lo silencia es brutal y sorprendente.

Freeman rompe a menudo la cuarta pared, guiñando, asintiendo e incluyendo al público de forma conspirativa en su pensamiento; subraya sus chistes, busca y obtiene la confirmación de que el público lo entiende y lo sigue. Está hecho con mucha inteligencia, esa complicidad silenciosa con la audiencia; es un rasgo exclusivo de Ricardo en esta producción, de modo que a la vez lo separa del resto del reparto y lo liga al público, pese a sus atrocidades. Muy inteligente.

Pero el momento más astuto de Freeman llega en la escena en la que rechaza y, finalmente, acepta la corona. Sin aviso, se encienden las luces de la sala y el público pasa a formar parte de la acción: la multitud ante la que se desarrolla la escena, aquellos a quienes Ricardo quiere/necesita que lo acepten. Freeman entra con todo lo relativo a sus dificultades físicas exagerado: las sobreactúa para la multitud, como un auténtico político, pensando que así mejora sus opciones. Funciona de un modo sencillo e impactante: subraya tanto su forma mortal “abortiva” como su incesante e inteligente comprensión de su mundo.

Pero lo mejor de Freeman es que no trata la obra como si fuera suya. Trabaja como parte de un conjunto, como uno más de un equipo que cuenta la historia. Esto no es un lucimiento para una estrella; es una ejecución experta de un texto difícil, donde cada intérprete hace su jugada y brilla cuando le toca.

Jo Stone-Fewing está magnífico como Buckingham, un triunfo de ensimismamiento, falsa simpatía y engreída autoimportancia. Parece un personaje apacible de una comedia de situación, lo cual no hace sino subrayar su peso político y la amenaza muy real que supone para sus rivales. Su voz rica y resonante hace que el material reluzca. Maggie Steed está rota, hostigadora y nostálgica como la destronada reina Margarita; parte bruja demoníaca, parte símbolo de Thatcher, parte madre y esposa con el corazón roto, es una presencia constante. Se bebe tazas de té mientras Ricardo arde, a lo Nerón y Roma.

En manos de Gina McKee, la reina Isabel es una criatura política letal. Su voz grave y áspera le sienta de maravilla al papel y da la réplica de tú a tú tanto a Freeman como a Steed. La expresión de horror incesante mientras espera a que Ricardo la bese pone los pelos de punta. Gerald Kyd impresiona mucho como Catesby, la mano derecha de Ricardo: todo complicidad de dientes apretados e indiferencia brutal; un auténtico psicópata.

Mark Meadows saca más partido a Clarence de lo que muchos han conseguido, y su muerte (ahogado en una pecera) es terrible de soportar. Gabrielle Lloyd (duquesa de York, con un deje de las mujeres Windsor) está estupenda en el discurso en el que se vuelve contra Ricardo, su hijo: el dolor y la decepción que desprende se palpan. Lauren O'Neil es una Lady Anne excelente, con su repugnancia y su miedo a Ricardo perfectamente transmitidos. Muere de forma magnífica, luchando contra Ricardo por cada posibilidad de sobrevivir; y antes de eso, tiene un momento de belleza sobrecogedora cuando se da cuenta de que él la matará. Un trabajo interpretativo silencioso y devastadoramente eficaz.

Joshua Lacey dota a Rivers de un espíritu combativo y singular, y las escenas en las que es torturado y ejecutado están atravesadas por el dolor. Paul Leonard hace de Hastings un hombre severo, sombrío y sincero; Simon Coombs disfruta del apetito asesino de Tyrrel y casi puede sentirse la sangre empapada en su piel de aquellos a quienes ha matado; Philip Cumbis es regio y honesto como Richmond, y su discurso final cierra la obra con belleza y seguridad.

Todo el reparto está bien —y eso convierte esta en una producción de Ricardo III poco habitual, digna de admiración solo por ese motivo.

Soutra Gilmour firma una escenografía evocadora que, aunque abarrotada de atrezzo, ofrece un entorno muy sobrio y cristalino para que la acción funcione. La iluminación de Charles Balfour es magnífica —un regalo especial es la escena hacia el final de la obra cuando Ricardo es acosado por los fantasmas de sus víctimas. Verdaderamente escalofriante. El sonido y la música ambiental de Ben y Max Ringham encajan con la escenografía y las interpretaciones como un guante, y ayudan a extraer aún más complejidad y resonancia.

Lloyd ha recortado la obra de maneras interesantes, ha eliminado personajes, ha reasignado versos; las escenas finales, Ricardo en un bando y Richmond en otro, se han recortado y yuxtapuesto, de modo que el efecto es casi el de un documental que registra los acontecimientos, y la tensión aumenta a medida que sube lo que está en juego. Todo ello contribuye a que la narración sea eficaz y comprensible para el público actual.

Desde el primer momento, la producción de Lloyd atrapa la atención y no la suelta. Nunca es aburrida ni gratuita; todo tiene un propósito y suma a la visión global coherente. Es la historia de un hombre amargado y vengativo, desesperado por conquistar y conservar el poder a cualquier precio. Shakespeare escribió un relato atemporal sobre la codicia, el poder y la lujuria, que resuena hoy con la misma fuerza que hacia 1594. Quien dude de la vigencia de Shakespeare como dramaturgo hoy solo tiene que ver esta producción para quedar tranquilo.

Hay Ricardos por todas partes en el mundo moderno: dirigiendo bancos, controlando fuerzas corporativas, librando guerras, oprimiendo minorías. Hay uno actualmente gobernando Australia.

La visión y la lucidez de Shakespeare sobre la psicología de la megalomanía esquizofrénica nunca han sido tan contundentes como en Ricardo III. La producción de Jamie Lloyd lo demuestra con claridad y emoción.