KRITIK: She Loves Me, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers und Scarlett Strallen in She Loves Me . Foto: Alastair Muir

Menier Chocolate Factory

8. Dezember 2016

3 Sterne

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Es liegt eine mächtige Grosszügigkeit in der Bewunderung von Genialität: Man leiht sich von ihren grössten Errungenschaften die Lorbeeren des Ruhms und überreicht sie ihren kleineren Leistungen.  Und nirgends trifft das mehr zu als bei jenen Giganten des Musicaltheaters, Jerry Bock und Sheldon Harnick – Schöpfer eines einzigen, aber absolut grandiosen Triumphs: der Partitur jenes Bühnenkolosses „Fiddler On The Roof“.  Dieses einzigartige, schillernde Meisterwerk strahlt so hell, dass der übrige Output dieses bemerkenswerten Duos von der Vermutung begleitet ist, wir könnten – wenn wir nur genau genug hinsähen – dort Magie ähnlicher Ordnung finden, Schönheiten von vergleichbarer Glückseligkeit, Einsichten in die menschliche Natur von gleicher Tiefe und so weiter.  Wir beginnen zu glauben, dass sie da sein müssen: wenn wir sie nur finden könnten….

Scarlett Strallen und Katherine Kingsley in She Loves Me. Und so geht die Suche weiter.  Inszenierungen ihrer weniger erfolgreichen Arbeiten nehmen zu.  Dieses Stück – eine Show, die aus vielerlei sehr guten Gründen nie einen festen Platz im Repertoire gefunden hat – ist eine Musicalfassung von Miklós Lászlós ungarischer Komödie „Parfumerie“ aus dem Jahr 1963.  Zum Zeitpunkt der Entstehung war die Geschichte bereits zweimal auf Englisch verfilmt worden: zunächst als Lubitschs „The Shop Around The Corner“ und dann als Judy-Garland-Film „In The Good Old Summertime“.  Produzenten aus diesen Projekten fanden wieder zusammen und engagierten Joe Masteroff für das Buch zu Bock und Harnicks fein verwobenen – wenn auch oft dramatisch redundanten – Songs.  (Na gut, daran ist nichts grundsätzlich falsch: „My Fair Lady“ braucht seine Songs eigentlich auch nicht.)  Das entstandene Werk ist ein Wunder technischer Verzahnung – bis zu einem gewissen Punkt.  Ein grosses Problem ist die Dünnheit der Handlung, gebaut auf musiko-dramatisch schwer zu bändigendem Material wie Zurückhaltung, Schüchternheit, Ausweichen, Verlegenheit und Geschlechterrollen, die schon aus der Zeit gefallen waren, als das Stück mit bescheidenen gut 300 Vorstellungen am Broadway auftauchte – und dann recht zügig wieder verschwand (in London waren es deutlich weniger).  Ein Jahr später kam „Fiddler“ mit seiner schwindelerregenden Serie von über 3.200 Vorhängen – und seither kämpft „She Loves Me“ mit dem erschwerenden Umstand, der schwächere Verwandte eines ungleich mächtigeren Geschwisters zu sein: ein Stück, das noch lange über seine eigentlich vorgesehene Lebenszeit hinaus am Lebenserhaltungssystem hängt.

Ganz ohne Reize ist es natürlich nicht.  Die einzelnen Bestandteile sind oft sehr ansprechend.  Sie fügen sich nur – gerade so – nicht fest genug zusammen, um wirklich zwingend zu wirken.  Dennoch wurde es zuletzt am Broadway landauf, landab als „Wunder“ ausgerufen und hatte in jüngerer Zeit auch ein paar Auftritte in London.  Die letzte dieser Produktionen, die ich sah – Robert McWhirs letzte hauseigene Präsentation für sein hervorragendes (und sehr vermisstes) Landor Theatre – kam einem durchschlagenden Erfolg ziemlich nahe.  Entsprechend ging ich in Matthew Whites neue Menier-Produktion voller Hoffnung, er könnte ebenfalls nahe an einen Hit herankommen.

Scarlett Strallen und Mark Umbers in She Loves Me. Foto: Alastair Muir Whites Qualifikation für diesen Job könnte kaum vielversprechender sein.  Seine jüngste Bearbeitung und Inszenierung des Fred-und-Ginger-Musicals „Top Hat“ war ein geradezu wundersam perfektes Ereignis und zeigte seine souveräne Meisterschaft im Musicaltheater.  Allerdings genoss er bei diesem Projekt aussergewöhnliche Freiheit, denn er durfte seine Adaption ganz nach eigenem Ermessen gestalten – ein im Leben eines Musicalregisseurs sehr, sehr seltenes Privileg.  Zweitens: Während Häuser wie (man beachte den Vergleich) das Fringe-Landor vielleicht die Regeln ein bisschen – oder auch deutlich – beugen und inoffizielle „Änderungen“ (also: Verbesserungen) am veröffentlichten Text vornehmen, müssen etablierte Off-West-End-Spielstätten wie die Chocolate Factory viel strenger nach Vorschrift arbeiten. Und wenn dann – wie es beim Menier oft der Fall ist – ein möglicher West-End-Transfer im Raum steht, können Sie ziemlich sicher sein, dass Sie hier Kapitel und Vers bekommen: zumindest so, wie es den Vorgaben der Rechteinhaber entspricht.

Manche Regisseurinnen und Regisseure sagen, ihre Hauptaufgabe bestehe darin, die Schwächen eines Textes zu kaschieren.  Und damit liegen sie nicht falsch.  Stärken sprechen meist für sich selbst, aber Schwachstellen schreien im Namen Ihrer Kritiker.  Also wollen wir sie nicht hören.  Wenn jemand einen Auftrag annimmt, geschieht das mit Hoffnung und einem kleinen Stoßgebet, dass sich ein halbwegs sicherer Kurs durch die Fallstricke und Hindernisse finden lässt, die Autorinnen und Autoren sowie frühere Produzenten und Regisseure hinterlassen haben (deren Handschrift die Entstehungszeit eines Werkes leicht um ein ganzes Jahrhundert überdauern kann).  Wenn man ein Stück präsentiert, das nachweislich weniger als perfekt ist – wie hier –, dann sind die Einsätze hoch.

Nun gut, genug Theorie.  Zur Produktion.  Hier beginnt alles recht verheissungsvoll.  Paul Farnsworths unschätzbar schönes Bühnen- und Kostümbild setzt ein mit einem wellenden Frontvorhang mit „diesem“ Blick auf das ungarische Parlamentsgebäude, gesehen über die Donau, begleitet von einer brillant virtuos gespielten Zigeunergeige allererster Güte (Phillip Grannell oder Darius Luke).  (Wir kennen doch noch ein anderes Bock-und-Harnick-Musical, das mit einer Zigeunergeige beginnt, nicht wahr, Kinder?)  Tatsächlich versteht MD und Music Supervisor Catherine Jayes dieses Theater sehr gut und hat eine Band von wirklich wunderbarer Klasse und Stilgefühl zusammengestellt: Edward Maxwells glänzende Trompete; Stephanie Dyer oder Jane Salmons feine Posaune; Bernie Lafontaines herrliche Holzbläser (Flöte und diverse Klarinetten, darunter eine umwerfende Bassklarinette); Romano Viazzanis authentisches Akkordeon; der Kontrabass von Paul Moylan sowie James O’Carrolls pfiffiges Schlagwerk.  Wir glauben ausserdem Harfe und Glockenspiel zu hören, aber das sind – da bin ich sicher – elegante Tricks aus Jayes’ Keyboard-Kunst.  Jason Carr hat die Originalarrangements geschickt gekürzt: und der Bandsound passt genau zu den Dimensionen dieses Hauses.

Scarlett Strallen in She Loves Me. Foto: Alastair Muir Auch der Gesang der Partitur ist durchweg erfreulich.  Callum Howells ist ein sympathischer Arpad; Alastair Brookshaw ein scharfäugiger, weichherziger Sipos; Katherine Kingsley setzt als Ilona einen willkommenen und dringend nötigen Ton weiblicher Unerschrockenheit; Dominic Tighe kommt – wie Darsteller in dieser Rolle es immer tun – als Ratte Kodaly besser weg; Mark Umbers klingt köstlich nach Jeremy Brett als der charmante, gentlemanhafte Nowack; Les Dennis ist ein angenehmer Mr Maraczek; Scarlett Strallen nutzt als Amalia jede Gelegenheit, auch wenn man sich ständig wünscht, die Partitur würde ihrer grossartigen Stimme noch mehr Möglichkeiten zum Strahlen geben und das Buch ihrer Figur etwas mehr Rückgrat.  Peter Dukes ist ein guter Keller; Cory English sah ich als Kellner (er wird vom 10. Januar bis 6. Februar durch Norman Pace ersetzt), und White sieht ihn hier ganz sicher in einer Art „Eric-Blore“-Typus.  Rachel Bingham, der wunderschön berührende Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell und Vincent Pirillo bilden das grossartige Ensemble.

Was die Partitur selbst angeht: Sie ist teils „The Czardas Shopgirl“ und teils „Give My Regards To Vorosmarty Square“ – in die eine Richtung zieht es uns zum delirierenden Nonsens der Wiener Operette, in die andere zum Broadway-Glamour der Sechziger; und je mehr ich die Musik höre, desto weniger verstehe ich die Gründe für diese gegensätzlichen stilistischen Entscheidungen (sofern es überhaupt welche gibt).  Die Musik ist immer grossartig anzuhören, aber als Ganzes weigert sie sich schlicht, zu einem Ganzen zu verschmelzen.

Dann zu Mr Masteroffs Buch: Wir bekommen einen viel längeren und wortreicheren Text, als ich ihn vom Landor in Erinnerung habe.  Und wir haben deutlich, deutlich weniger Choreografie (obwohl Rebecca Howell, wenn sie die Chance bekommt, einige wirklich stilvolle Moves zeigt), als ich es aus Clapham in Erinnerung habe.  Das ist wirklich schade.  Howells Einsatz von Bewegung ist ungemein faszinierend: Sie kann im Handumdrehen Bilder von Otto Dix oder Tamara de Lempicka heraufbeschwören; die Café-Sequenz ist ein glorreiches Schaustück, wirkt aber, als zöge sie vorbei, ohne sich auf einer wirklich körperlichen Ebene vollständig zu verankern.

Der Entwurf der Parfümerie, in der der Grossteil der Handlung spielt, beeindruckt zunächst – ein üppiges Interieur mit viel Vergoldung und modelliertem Zierrat, eine Art High-Street-Rokoko: Eine sehr bürgerliche Dame neben mir meinte, es erinnere sie an Penhaligon’s, mit Regalen voller Parfümflakons, die scheinbar von innen beleuchtet sind.  Paul Pyant steuert das Licht, und er hält die Stimmung meist hell und freundlich (auch wenn es im Akt-1-Montageblock eine wunderbare, jahreszeitliche Atmosphäre gibt).  Das ist vermutlich Absicht.  Die gesamte Produktion ist leicht, liebenswürdig, angenehm – sie tendiert zu Komfort, Luxus, Müßiggang und zur Gefälligkeit der recht erfolgreichen kaufmännischen Klassen.  Das Fehlen dunklerer Töne schafft eine problemfreie Umgebung, aber möglicherweise um den Preis dramatischer Spannung oder eines Konfliktgefühls.  Selbst Ehebruch und Suizid kommen und gehen, ohne grosses Aufsehen zu erregen.  Wenn Sie ein schmerzfreies Erlebnis suchen, bekommen Sie es.  Wenn Sie jedoch etwas Kräftigeres brauchen, könnte Ihnen das alles ein klein wenig zu fluffig und sogar banal vorkommen.  Das funktioniert bei „Die Fledermaus“ oder „The Czardas Princess“, aber hier wirkt es ein bisschen unpassend.

Schliesslich sind wir im Budapest der 1930er Jahre.  Der Faschismus ist ringsum auf dem Vormarsch, auch zu Hause unter dem eisernen Absatz von Admiral Horthy, während im Osten der Kommunismus floriert.  Der Antisemitismus ist im Begriff, Europa in den Holocaust zu treiben.  Nichts davon ist im Buch mehr als ein Flüstern wert.  Gott sei Dank hat Masteroff keine Rücksicht genommen, als er das Buch zu „Cabaret“ schrieb!  Gott sei Dank haben Rodgers und Hammerstein es ein paar Jahre zuvor bei „The Sound of Music“ auch nicht getan.  Und gottlob sprachen Bock und Harnick in „Fiddler On The Roof“ mehr aus dem Herzen.  Dieses Stück hingegen ist alles in allem recht hübsch, wohlerzogen und wird Ihnen nicht schaden.  Nichts, wofür man sich schämen müsste – erwarten Sie nur nicht, dass sich die Welt bewegt.

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