CRÍTICA: Ela Me Ama, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers e Scarlett Strallen em She Loves Me . Foto: Alastair Muir

Menier Chocolate Factory

8 de dezembro de 2016

3 estrelas

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Há uma generosidade poderosa na admiração pelo génio: aquela que toma emprestados os louros de glória das suas maiores conquistas e os deposita sobre os seus feitos menores.  E em lado nenhum isso é mais verdadeiro do que no caso daqueles gigantes do teatro musical, Jerry Bock e Sheldon Harnick, criadores de um triunfo solitário mas absolutamente magnífico: a partitura desse colosso dos palcos, ‘Fiddler On The Roof’.  Essa obra-prima singular e fulgurante brilha com tal intensidade que o restante trabalho dessa notável dupla fica carregado de suspeitas de que, se conseguíssemos discerni-las, encontraríamos ali magia da mesma ordem, belezas de felicidade equivalente, vislumbres da condição humana de igual profundidade, e por aí fora.  Passamos a acreditar que elas têm de estar lá: se ao menos as conseguíssemos encontrar…

Scarlett Strallen e Katherine Kingsley em She Loves Me. E assim continua a busca.  As produções das suas obras menos bem-sucedidas multiplicam-se.  Esta peça em particular — um espetáculo que, por todo o tipo de boas razões, nunca conquistou um lugar permanente no repertório — é uma musicalização de 1963 da comédia húngara ‘Parfumerie’, de Miklós László.  Na altura em que foi composta, a história já tinha sido filmada duas vezes em inglês: primeiro como ‘The Shop Around The Corner’, de Lubitsch, e depois como o veículo para Judy Garland, ‘In The Good Old Summertime’.  Produtores desses projetos voltaram a reunir-se e contrataram Joe Masteroff para escrever o libreto para as canções finamente entrelaçadas de Bock e Harnick — embora, na maioria das vezes, dramaticamente redundantes.  (Vá lá, também não há nada de tão errado nisso: ‘My Fair Lady’ não precisa propriamente das suas canções.)  A obra que criaram é um prodígio de integração técnica — até certo ponto.  Um grande problema é a fragilidade da história, construída sobre material musico-dramaticamente difícil como a reserva, a timidez, a evasão, o embaraço e papéis de género que já estavam fora do seu tempo quando o espetáculo, com cerca de 300 e poucas representações, cambaleou para dentro e depois saiu rapidamente da Broadway (em Londres conseguiu ainda menos).  Um ano depois chegou ‘Fiddler’, com a sua corrida estonteante de mais de 3.200 subidas de pano; desde então, ‘She Loves Me’ tem lutado com esse fator complicador de ser a parente frágil de um irmão muito mais poderoso, mantida num sistema de suporte de vida muito para lá da hora da sua morte anunciada.

Não é, claro, desprovida de encantos.  Os elementos individuais são frequentemente muito atraentes.  Só que não — bem — se articulam com firmeza suficiente para construir um argumento realmente convincente.  Ainda assim, mais recentemente foi apregoada de uma ponta à outra da Broadway como uma “maravilha”, e nos últimos tempos também fez algumas aparições em Londres.  A última que vi, a derradeira apresentação “da casa” de Robert McWhir para o seu excelente (e muito saudoso) Landor Theatre, ficou muito perto de um sucesso retumbante.  Por isso, fui ver a nova proposta do grande Matthew White no Menier cheia de esperança de que ele também chegasse perto de acertar em cheio.

Scarlett Strallen e Mark Umbers em She Loves Me. Foto: Alastair Muir As credenciais de White para o trabalho dificilmente poderiam ser mais promissoras.  A sua recente adaptação e encenação do musical de Fred e Ginger, ‘Top Hat’, foi um milagre de perfeição, demonstrando um domínio absoluto do teatro musical.   No entanto, nesse projeto ele desfrutou de uma liberdade excecional, estando autorizado a adaptar como bem entendesse: isto é algo muito, muito raro na vida de qualquer encenador de musicais.  Em segundo lugar, enquanto teatros como (reparem no comparativo) o “fringe” Landor podem contornar as regras um pouco — ou muito — e fazer “alterações” não oficiais (isto é, melhorias) ao texto publicado, salas estabelecidas de “off-West End” como a Chocolate Factory têm de jogar muito mais segundo as regras; e quando procuram uma possível transferência para o West End (como é hábito no Menier), então pode ter a certeza absoluta de que o que está a ver é o texto integral, capítulo e versículo, pelo menos tal como se apresenta de acordo com as exigências impostas pela entidade de licenciamento.

Alguns encenadores dizem que o seu principal trabalho é disfarçar as fraquezas de um texto.  E não estão errados.  Os pontos fortes tendem a falar por si, mas os fracos gritam em nome dos seus detratores.  Por isso, não queremos ouvi-los.  Quando ela ou ele aceita um trabalho, fá-lo com esperança e uma oração: que seja possível navegar em relativa segurança pelos buracos e obstáculos colocados no caminho por autores e por anteriores produtores e encenadores (cujo imprimatur pode facilmente sobreviver ao século em que a obra foi criada).  Quando se apresenta uma peça demonstravelmente imperfeita, como neste caso, as apostas desse jogo são, de facto, muito altas.

Bem, chega de teoria.  Vamos a esta produção.  Aqui, as coisas começam com bastante promessa.  O belíssimo cenário e figurinos do inestimável Paul Farnsworth arrancam com um pano de boca ondulante com “aquela” vista do edifício do Parlamento Húngaro, do outro lado do Duna, serenada por um violino cigano de virtuosismo brilhante, da melhor água (Phillip Grannell ou Darius Luke).  (Conhecemos outro musical de Bock e Harnick que começa com um violino cigano, não é verdade, crianças?)  De facto, a diretora musical e supervisora de música Catherine Jayes entende muito bem esta sala e escolheu uma banda de capacidade e elegância verdadeiramente notáveis: o brilhante trompete de Edward Maxwell; o ótimo trombone de Stephanie Dyer ou Jane Salmon; as madeiras encantadoras de Bernie Lafontaine (flauta e uma variedade de clarinetes, incluindo um baixo deslumbrante); o acordeão autêntico de Romano Viazzani; o contrabaixo de Paul Moylan e a percussão certeira de James O’Carroll.  Também acreditamos ouvir harpa e glockenspiel, mas isso são truques suaves das habilidades de teclado da Jayes, aposto.  Jason Carr fez um trabalho limpo ao abreviar os arranjos originais: e o som da banda é perfeito para as dimensões desta sala.

Scarlett Strallen em She Loves Me. Foto: Alastair Muir O canto da partitura é igualmente prazeroso.  Callum Howells é um Arpad simpático; Alastair Brookshaw é um Sipos de olhar atento e coração mole; Katherine Kingsley traz uma bem-vinda — e muito necessária — nota de garra feminina como Ilona; Dominic Tighe sai por cima — como os atores neste papel costumam sair — como o rato Kodaly; Mark Umbers soa deliciosamente a Jeremy Brett como o encantador e cavalheiresco Nowack; Les Dennis é um agradável Sr. Maraczek; Scarlett Strallen aproveita ao máximo cada oportunidade como Amalia, embora desejemos constantemente que a partitura dê à sua voz magnífica ainda mais momentos para deslumbrar e que o texto ofereça à personagem um pouco mais de coluna vertebral; Peter Dukes é um bom Keller; vi Cory English como o Empregado de Mesa (será substituído de 10 de janeiro a 6 de fevereiro por Norman Pace) e seguramente White vê-o aqui num tipo de papel à “Eric Blore”.  Rachel Bingham, o belissimamente comovente Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell e Vincent Pirillo completam o soberbo ensemble.

Quanto à partitura em si, é parte ‘The Czardas Shopgirl’ e parte ‘Give My Regards To Vorosmarty Square’: numa direção somos puxados para o nonsense delirante da opereta vienense e, na outra, inclinamo-nos para o glamour da Broadway dos anos 60; e quanto mais a ouço, menos compreendo as razões para estas escolhas estilísticas opostas (assumindo que existam).  A música é sempre um prazer de ouvir, mas como conjunto simplesmente se recusa a ganhar coesão.

Depois, o texto do Sr. Masteroff: estamos a receber um livro muito mais longo e palavroso do que me lembro de ter ouvido no Landor.  Temos muito, muito menos coreografia (ainda que, quando Rebecca Howell tem oportunidade, mostre alguns movimentos realmente cheios de estilo) do que me recordo ter sido o caso em Clapham.  É uma pena.  O uso do movimento por Howell é absolutamente fascinante: ela consegue evocar num instante as pinturas de Otto Dix ou Tamara de Lempicka; a sequência do café é um número de conjunto glorioso, mas parece passar sem se afirmar plenamente a um nível visceral.

Entretanto, o desenho da perfumaria, onde se desenrola a maior parte da ação, inicialmente deixa-nos boquiabertos — um interior luxuoso, com muito dourado e ornamento moldado, uma espécie de rococó de High Street: uma senhora muito classe média sentada perto de mim disse que lhe lembrava a Penhaligon’s, com prateleiras de frascos de perfume aparentemente iluminadas por dentro.  Paul Pyant é quem controla a iluminação, e na maior parte do tempo mantém tudo claro e alegre (embora haja uma belíssima criação de atmosfera sazonal na montagem do Ato 1).  Isso será provavelmente intencional.  Toda a produção é leve, afável, agradável, tendendo para o conforto, o luxo, o ócio e a gentileza das classes comerciais razoavelmente bem-sucedidas.  A ausência de tons mais sombrios cria um ambiente sem sobressaltos, mas talvez à custa de qualquer tensão dramática ou sensação de conflito.  Até o adultério e o suicídio vêm e vão sem grande agitação.  Se procura uma experiência sem dor, vai tê-la.  Mas, se precisar de algo mais forte, poderá achar tudo um pouco demasiado fofinho e até trivial.  Isso funciona em ‘Die Fledermaus’ ou ‘The Czardas Princess’, mas aqui parece um pouco deslocado.

Afinal, estamos em Budapeste nos anos 1930.  O fascismo é uma força em crescimento por todo o lado, incluindo em casa sob o punho de ferro do almirante Horthy, enquanto o comunismo floresce a leste.  O antissemitismo está prestes a empurrar a Europa para o Holocausto.  Nada disto passa de um sussurro no texto.  Ainda bem que Masteroff não foi brando quando escreveu o libreto de ‘Cabaret’!   Ainda bem que Rodgers e Hammerstein também não o foram quando escreveram ‘The Sound of Music’ apenas alguns anos antes.  E ainda bem que Bock e Harnick falaram mais do coração em ‘Fiddler On The Roof’.  Quanto a este espetáculo, é tudo bastante bonito, bem-comportado e não lhe fará mal nenhum.  Não há nada de que se envergonhar, só não espere que o mundo trema.

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