CRITIQUE : Elle m'aime, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers et Scarlett Strallen dans She Loves Me. Photo: Alastair Muir She Loves Me 

Menier Chocolate Factory

8 décembre 2016

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Il y a une générosité puissante dans l'admiration des génies qui emprunte à leurs plus grandes réalisations les lauriers de la gloire et les confère à leurs accomplissements moindres. Et nulle part cela n'est plus vrai que dans le cas de ces géants du théâtre musical, Jerry Bock et Sheldon Harnick, créateurs d'un triomphe solitaire mais absolument magnifique : la partition de ce colosse de la scène, ‘Fiddler On The Roof’. Ce chef-d'œuvre singulier et éblouissant brille si intensément que le reste de la production de ce duo remarquable est chargé de soupçons que, si nous pouvions les discerner, nous pourrions y trouver une magie d'un ordre similaire, des beautés d'une félicité équivalente, des insights sur la condition humaine d'une profondeur égale, et ainsi de suite. Nous en venons à croire qu'ils doivent être là : si seulement nous pouvions les trouver….

Scarlett Strallen et Katherine Kingsley dans She Loves Me. Et ainsi la recherche continue. Les productions de leurs œuvres moins réussies se multiplient. Cette propriété particulière - un spectacle qui, pour diverses raisons très valables, n'a jamais trouvé de place permanente dans le répertoire - est une adaptation musicale de 1963 de la comédie hongroise de Miklos Laszlo ‘Parfumerie’. Au moment de sa composition, l'histoire avait déjà été filmée deux fois en anglais, d'abord sous le nom de ‘The Shop Around The Corner’ de Lubitsch puis comme véhicule pour Judy Garland, ‘In The Good Old Summertime’. Les producteurs de ces aventures se sont regroupés et ont engagé Joe Masteroff pour s'occuper du livre pour les chansons finement entrelacées de Bock et Harnick, bien que plus souvent qu'autrement dramatiquement redondantes. (OK, rien de si mal en cela : ‘My Fair Lady’ n'a pas vraiment besoin de ses chansons.) Le travail qu'ils ont créé est un miracle d'intégration technique – jusqu'à un certain point. Un gros problème est la faiblesse de l'histoire, construite sur un matériel musico-dramatique aussi intractable que la réticence, la timidité, l'évasion, l'embarras et les rôles de genre qui étaient déjà en décalage avec l'histoire lorsque le travail a trébuché, pour environ 300 performances modestes, à Broadway puis a rapidement disparu (il en a eu bien moins à Londres). Un an plus tard est venu ‘Fiddler’ avec sa série hallucinante de plus de 3 200 rappels de rideau, depuis lors ‘She Loves Me’ a lutté avec ce facteur compliqué d'être un parent faible d'un frère beaucoup plus puissant, maintenu sous assistance respiratoire bien après l'heure de sa disparition désignée.

Cela n'est pas sans charmes, bien sûr. Les composants individuels sont souvent très attrayants. Ils ne tiennent tout simplement pas – tout à fait – assez fermement ensemble pour constituer un argument convaincant. Pourtant, plus récemment, il a été proclamé de long en large de Broadway comme une ‘merveille’, et dernièrement a également fait quelques apparitions à Londres. La dernière que j'ai vue, la présentation finale en interne de Robert McWhir pour son excellent (et très regretté) Landor Theatre, s'est presque approchée d'un succès retentissant. Ainsi, je suis allé voir la nouvelle proposition du grand Matthew White au Menier avec l'espoir qu'il pourrait également s'approcher d'un succès.

Scarlett Strallen et Mark Umbers dans She Loves Me. Photo: Alastair Muir Les qualifications de White pour le poste ne pourraient guère être plus prometteuses. Son adaptation et production récentes de la comédie musicale Fred et Ginger ‘Top Hat’ était une affaire miraculeusement parfaite, démontrant sa maîtrise suprême du théâtre musical. Cependant, il a bénéficié d'une liberté exceptionnelle sur ce projet, étant autorisé à faire son adaptation comme il l'entendait : c'est un événement très, très rare dans la vie de tout directeur de théâtre musical. Deuxièmement, bien que des théâtres comme (notez le comparatif) le ‘fringe’ Landor pourraient plier les règles un peu – ou beaucoup – et apporter des ‘amendements’ officieux (c'est-à-dire des améliorations) au script publié, les sites établis ‘off-west end’ comme le Chocolate Factory doivent jouer beaucoup plus selon les règles, et lorsqu'ils cherchent un éventuel transfert vers le West End (comme le veut le Menier), alors vous pouvez être sûr que ce que vous obtenez est fondamentalement conforme aux règles imposées par l'autorité de licence.

Certains réalisateurs disent que leur tâche principale est de dissimuler les faiblesses d'un script. Et ils n'ont pas tort. Les forces ont tendance à se défendre d'elles-mêmes, mais les points faibles crient au nom de vos détracteurs. Donc, nous n'aimons pas les entendre. Lorsqu'il ou elle accepte un travail, c'est avec un espoir et une prière qu'il sera possible de naviguer dans un parcours relativement sûr à travers les pièges et obstacles placés sur leur chemin par les écrivains et les producteurs et réalisateurs précédents (dont l'imprimatur peut facilement survivre au siècle de la création de l'œuvre). Lors de la présentation d'une œuvre manifestement moins que parfaite, comme c'est le cas ici, alors les enjeux dans le pari sont effectivement élevés.

Eh bien, assez de théorie. Passons à cette production. Ici, les choses commencent plutôt bien. Le décor et le costume somptueux de l'inestimable Paul Farnsworth commencent par un rideau d'avant-scène ondoyant avec ‘cette’ vue sur le bâtiment du Parlement hongrois, vu à travers le Duna, et accompagné par un violon tzigane brillamment virtuose de la première eau (Phillip Grannell ou Darius Luke). (Nous connaissons un autre musical de Bock et Harnick qui commence avec un violon tzigane, n'est-ce pas, les enfants?) En effet, la directrice musicale et superviseure de la musique Catherine Jayes comprend bien ce théâtre, et a choisi un ensemble de professionnels véritablement talentueux et sophistiqués : la brillante trompette d’Edward Maxwell ; le joli trombone de Stephanie Dyer ou Jane Salmon ; les merveilleux bois de Bernie Lafontaine (flûte et divers types de clarinettes, y compris une superbe basse) ; l'accordéon authentique de Romano Viazzani ; la contrebasse de Paul Moylan et les percussions sophistiquées de James O’Carroll. Nous croyons également entendre une harpe et un glockenspiel, mais ce sont des illusions douces des compétences de Jayes au clavier, j'en suis sûr. Jason Carr a fait un travail de réduit habile des arrangements originaux : et le son du groupe est parfait pour les dimensions de ce lieu.

Scarlett Strallen dans She Loves Me. Photo: Alastair Muir Le chant de la partition est tout aussi agréable. Callum Howells incarne un Arpad sympathique ; Alastair Brookshaw est un Sipos à l'œil vif et au cœur tendre ; Katherine Kingsley apporte une note bienvenue et très nécessaire de hardiesse féminine en tant qu'Ilona ; Dominic Tighe s'en sort mieux – comme les acteurs de ce rôle le font toujours – en tant que rat Kodaly ; Mark Umbers a une voix délicieusement proche de celle de Jeremy Brett en tant que charmant et courtois Nowack ; Les Dennis est un agréable M. Maraczek ; Scarlett Strallen tire le meilleur parti de chaque opportunité en tant qu'Amalia, bien qu'on espère constamment que la partition donne encore plus de chances à sa voix magnifique de nous émouvoir et que le script fournisse à son personnage plus de force de caractère ; Peter Dukes est un Keller sympa ; Cory English que j'ai vu en tant que serveur (il sera remplacé du 10 janvier au 6 février par Norman Pace) et sûrement White le voit ici dans un rôle de type ‘Eric Blore’. Rachel Bingham, le magnifiquement émouvant Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell et Vincent Pirillo composent l'excellente troupe.

Quant à la partition elle-même, elle est en partie ‘The Czardas Shopgirl’ et en partie ‘Give My Regards To Vorosmarty Square’: d'un côté, nous sommes entraînés vers le délire insensé de l'opérette viennoise, et de l'autre, nous nous penchons vers le glamour de Broadway des années 60 ; et plus j'entends la partition, moins je comprends les raisons de ces choix stylistiques opposés (en supposant qu'il y en ait). La musique est toujours fantastique à écouter, mais dans l'ensemble, elle refuse simplement de se rassembler.

Puis, en ce qui concerne le script de M. Masteroff : nous avons un texte beaucoup plus long et verbeux que je ne me souviens avoir entendu joué au Landor. Nous avons beaucoup, beaucoup moins de chorégraphie (même si lorsque Rebecca Howell en a l'occasion, elle montre quelques mouvements vraiment stylisés) que je me souviens avoir perçu à Clapham. C'est bien dommage. L'utilisation du mouvement par Howell est absolument fascinante: elle peut évoquer instantanément les peintures d'Otto Dix ou de Tamara de Lempicka; la séquence du café est une pièce maîtresse glorieuse, mais semble passer sans réellement s'établir à un niveau viscéral.

Pendant ce temps, le design de la parfumerie, où se déroule l'essentiel de l'intrigue, étonne dans un premier temps – un intérieur luxuriant avec beaucoup de dorures et d'ornementations moulées, une sorte de rococo de grand magasin : une dame de la classe moyenne assise près de moi a dit que cela lui rappelait Penhaligon’s, avec des étagères de bouteilles de parfum apparemment éclairées de l'intérieur. Paul Pyant est celui qui contrôle l'éclairage, et il garde les choses principalement lumineuses et joyeuses (bien qu'il y ait de merveilleuses peintures d'humeur saisonnières dans la séquence du montage de l'Acte 1). C'est probablement délibéré. Toute la production est légère, aimable, agréable, tendant vers le confort, le luxe, les loisirs et la grâce des classes commerciales raisonnablement prospères. L'absence de tons plus sombres crée un environnement sans problème, mais peut-être au détriment de toute tension dramatique ou d'un sens du conflit. Même l'adultère et le suicide vont et viennent sans causer beaucoup de remous. Si vous cherchez une expérience sans douleur, vous en aurez une. Mais si vous avez besoin de quelque chose de plus corsé, vous pourriez trouver cela tout simplement trop léger et même trivial. Cela fonctionne pour ‘Die Fledermaus’ ou ‘The Czardas Princess’, mais ici cela semble quelque peu déplacé.

Nous sommes, après tout, à Budapest dans les années 1930. Le fascisme est une force montante tout autour, y compris à la maison sous le talon de fer de l'amiral Horthy, tandis que le communisme prospère à l'est. L'antisémitisme est sur le point de propulser l'Europe dans l'Holocauste. Rien de tout cela n'obtient plus qu'un murmure dans le script. Dieu merci, Masteroff n'a pas retenu ses coups lorsqu'il a écrit le livre pour ‘Cabaret’! Dieu merci, Rodgers et Hammerstein ne l'avaient pas fait lorsqu'ils ont écrit ‘The Sound of Music’ quelques années plus tôt. Et dieu merci, Bock et Harnick ont parlé davantage du cœur dans ‘Fiddler On The Roof’. Quant à ce spectacle, c'est tout plutôt joli et bien élevé et ne vous fera aucun mal. Rien dont on ait honte, mais ne vous attendez pas à ce que la terre bouge.

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