KRITIK: Shock Treatment, Kings Head Theatre ✭✭✭

Shock Treatment

King’s Head Theatre

21. April 2015

3 Sterne

Man sagt oft, wenn Dame Judi Dench das Telefonbuch vorlesen würde, lohne es sich schon, im Publikum zu sitzen und ihr zuzuhören. Wenn das stimmt – und das muss es wohl – dann gilt genauso: Wenn Julie Atherton irgendeine Partitur singt, lohnt es sich, im Publikum zu sitzen und ihr zuzuhören.

Atherton ist eine dieser seltenen Musical-Darstellerinnen: Sie kann so gut wie jeden Stil singen und – egal, was sie gerade tut – ihrer Performance unverkennbaren Biss, endlosen Charme und sinnliche Anziehungskraft verleihen. Nicht jede Sopranistin kann nahtlos eine biedere Nerd-Figur, eine geschmeidig-verführerische Sirene und einen campigen Fetisch-Magneten (inklusive Vinyl-Krankenschwester-Outfit, das ihren kecken Hintern gerade so bedeckt und ihren wogenden Busen kaum bändigt) spielen – und das alles als ein und dieselbe Figur. Doch in Shock Treatment, einem Musical, das nun im King’s Head Theatre seine Bühnenpremiere feiert, gelingt Atherton diese Aufgabe mit vollendeter Leichtigkeit.

Unter der Regie von Benji Sperring und – nach dem gleichnamigen Film – von Tom Crowley für die Bühne adaptiert, wird Shock Treatment im Programmheft als das „Ebenbild“ seines Vorgängers, The Rocky Horror Picture Show, angepriesen. Diese Behauptung ist das, was die Werbebranche wohl als „reines Anpreisen“ bezeichnen würde – und sie ist zugleich falsch und kontraproduktiv. Wer die Show als ebenbürtig zu The Rocky Horror Picture Show beschreibt, schürt Erwartungen beim Publikum, die niemals erfüllt werden können – nicht zuletzt, weil Shock Treatment nicht die Kultfigur des Originals, Dr. Frank-N-Furter, bietet.

Was Shock Treatment mit seinem Bühnen-Vorgänger gemeinsam hat, ist die Idee zweier nerdiger Typen, Janet und Brad, die sich plötzlich in unbekanntem Terrain wiederfinden und versuchen, sich selbst – und einander – in einer Situation voller sexueller Spannung und Nervenkitzel zu entdecken: bevölkert von schrulligen Extremfiguren und getragen von jeder Menge funky, eingängiger Musik.

Die Handlung ist hauchdünn. Brad und Janet haben Eheprobleme. Brad hat seinen Job verloren, und Janet fürchtet, dass sie sich auseinanderleben. Sie meldet die beiden für eine Fernsehshow an, die verspricht, ihre Probleme zu lösen. Von da an geht es in einem ausgelassenen Ritt durch aberwitzigen Unsinn: bizarre TV-Hosts, die noch bizarreren Mediziner McKinley(s), kleine Schwarze, Schocktherapie-Prozeduren, aus dem Schrank fliegende Geheimnisse und eine Parade in weißen Vinylkostümen.  Am Ende werden Brad und Janet beide bis auf die Haut ausgezogen, untersucht, geschockt und therapeutisch wiederbelebt – und ein „kleines Schwarzes“-Happy-End legt sich als ausgelassene Heiterkeit über das ganze Land (hier: Denton, USA).

Tim Shortalls Bühnenbild ist ein eigener Spaß: ein weißes Wunderland, das zugleich TV-Studio und klinischer Behandlungsraum sein kann. Ein dünner, beweglicher, flatternder Vorhang wird mit komischem Effekt ordentlich strapaziert, und Nic Farman sorgt mit clever eingesetzten Farbflächen für viel Vergnügen – um Stimmungen zu stützen, Figuren zu schärfen oder gelegentlich einfach einen eigenen Witz zu machen. Das Kostümdesign von Xylona Appleton ist frech und sehr einfallsreich, besonders bei den knalligen Outfits der Hapschatts. Für einen so kleinen und vergleichsweise knapp ausgestatteten Spielort wie das King’s Head ist die hier versammelte kreative Expertise beeindruckend – und gemeinsam übertrifft ihre Arbeit die Erwartungen.

Crowleys Bühnenfassung des Films (der Fortsetzung von 1981 zu The Rocky Horror Picture Show) erhebt keinen Anspruch auf Größe; vielmehr passt sie die Handlung funktional an, um einen Strudel aus Carry-On-trifft-South-Park-Gelegenheiten zu schaffen, in dem Songs, Figuren und Ideen glänzen können. Es ist in ziemlich gleichen Teilen witzig, albern und ein bisschen sexy – und bietet viel Raum für richtig guten Spaß.

Atherton ist die Supernova der Produktion. Sie ist durchweg stimmlich in Bestform und verleiht selbst den banalsten Melodien hier ein lebendiges Verständnis. Ihre Fähigkeit, eine rehhaft weitäugige Unschuld zu vermitteln, ist bemerkenswert – zumal sie gleichzeitig die räuberische Sexgöttin darunter klar artikulieren kann. Am besten aber gelingt ihr das Umgekehrte – und es ist schon etwas Besonderes, die Spuren mädchenhafter, jungfräulicher Züchtigkeit über ihr Gesicht tanzen zu sehen, während sie entweder in schwarzem Negligé oder im eng anliegenden weißen Vinyl-Krankenschwester-Outfit steckt.

So bündelt Athertons Spiel das Grundversprechen des Stücks: Nerds und Außenseiter können auch Sex, Drogen und Rock ’n’ Roll haben! Und genauso gelten zwei weitere magnetische, aber völlig gegensätzliche Leistungen, die sich mit voller Hingabe verführerischer Energie verschreiben.

Ben Kerr ist als Brad herrlich geschniegelt-gerade: Janets stiller, etwas langweiliger Ehemann – mit dem Körper eines griechischen Gottes, aber ohne jedes Verständnis dafür, wer oder was er sein könnte. Unvermeidlich wird Kerr bis auf die Unterwäsche ausgezogen (zur großen Freude des Publikums); weniger unvermeidlich ist, dass er dem, was Brad widerfährt, eine vor-der-Kreuzigung-Christus-Anmutung verleiht, die – überraschend und allen Widrigkeiten zum Trotz – berührt. Es ist eine sanfte, rührende, warme und sehr sorgfältige Leistung. Seine Arbeit in der letzten Nummer, In My Own Way, ist entzückend.

In der gegenüberliegenden Ecke – grimassierend, schwungvoll herumwirbelnd und jede Sekunde auf Effekt spielend – melkt Mateo Oxley als grotesk campiger, „mit einem Fuß schon aus dem Schrank“ springender Ralph Hapschatt jede komische Nanosekunde. Oxley lässt John Inmans Mr Humphries geradezu zurückhaltend wirken – allerdings nicht im schlechten Sinne. Seine großen Nummern, Thank God I’m A Man und Breaking Out, sind wirklich überschäumende Highlights, und seine Arbeit mit Atherton in Me of Me und Little Black Dress ist ein Showstopper. Ja, er zieht den Fokus an sich, und ja, er nimmt sich auch mal vier Lacher, wo einer reichen würde – aber er ist unermüdlich erfinderisch. Sein Zusammenspiel mit Rosanna Hylands Betty ist klug dosiert, und an den Eskapaden von Adam Rhys-Davies’ frechem „für alles zu haben“-Cosmo prallt er bestens ab. Die Hapschatt-Bräune hätte fast einen eigenen Schlussapplaus verdient.

Nach all der souveränen Überdrehtheit im Verlauf der Show war es aufschlussreich, Oxley im Finale, Anyhow, Anyhow, in seinem absurd kurzen kleinen Schwarzen zappeln zu sehen. Dazu hatte er keinen Grund – aber es zeigte, wie sehr er sich seiner aberwitzigen Ralph-Performance verschrieben hatte, dass die Oxley-Realität davon deutlich abwich.

Rhys-Davies und Nic Lamont geben als zweifelhaftes Chirurgen-Duo Cosmo und Nation ein interessantes, herrlich schräges Odd Couple; sie besitzen gemeinsame Energie und Fokus, während sie durch die diversen Plot-Konstruktionen rasen, in die sie verwickelt sind. Sympathisch und zugänglich sind beide sehr einnehmend – und gelegentlich urkomisch schmutzig.

Als Farley Flavors, der megalomanische Medienmogul, bringt Mark Little eine Fehlbesetzung auf die Bühne. Er kann für die Partitur bei Weitem nicht gut genug singen, und seine Performance war zwar wild, aber unkontrolliert und letztlich nicht überzeugend. Er war weder extrem genug noch subtil genug, um einen Eindruck zu hinterlassen; es gab wenig zu bewundern.

Als Musical Director macht Alex Beetschen einen beeindruckenden, großartigen Job – allerdings muss man sagen, dass es einige ernste Probleme mit der Sound-Balance gab (Chris Drohan, du bist dran), die das Verständnis der Lyrics beeinträchtigten. Angesichts der Tatsache, dass die Musik von Natur aus wuchtig sein muss, sind Diktion und Sound-Unterstützung entscheidend. Little, Hyland, Rhys-Davies, Lamont und Oxley waren zeitweise nur schwer zu hören; in genau einem Fall war das fast ein kleiner Segen.

Rückblickend ist O’Briens Skript von 1981 erstaunlich hellsichtig – besonders mit seinem Fokus auf schnelle Problemlösungen, die enorme Reichweite und Unaufhaltsamkeit von Reality-TV und die Tatsache, dass Individualität und Akzeptanz trotz der vergehenden Zeit keine universellen Selbstverständlichkeiten sind. So sehr man das Gefühl hat, diese Show sei vor allem Klamauk und Kicherorgie, gibt es doch eine Unterströmung gesellschaftlicher Kommentare, über die es sich nachzudenken lohnt.

Shock Treatment ist ganz klar ein Kult-Musical. Um mich herum sang das Publikum (oft) mit, und einige waren als Hommage an ihre Lieblingsfiguren aus dem Film verkleidet. Aber ehrlich: Diesmal trug das einfach nur zur Feststimmung bei.

Shock Treatment läuft im King’s Head Theatre bis zum 6. Juni 2015