KRITIK: Stony Broke In No Man's Land, Finborough Theatre ✭✭✭✭✭

Stony Broke In No Man's Land

Finborough Theatre

25. Mai 2015

5 Sterne

Das Finborough befindet sich derzeit in einer goldenen Phase. Die aktuelle, rund um das hundertjährige Gedenken an den Ersten Weltkrieg konzipierte Stückereihe hat sich zu einem Mittelpunkt anhaltender, ernsthafter Reflexion über das Leid des Krieges sowie über die Folgen und Verzerrungen seines Gedenkens entwickelt – in dieser Form bislang im West End unerreicht. In den vergangenen Wochen liefen zwei Stücke parallel, die ein reizvolles Gegengewicht zueinander bilden. Stammleserinnen und Leser hier bei British Theatre kennen bereits die bemerkenswerte Inszenierung von Alan Seymours The One Day of the Year, vor einiger Zeit von Stephen Collins besprochen. Nun steht ihr als Partner die Uraufführung von John Burrows’ neuer Meditation über ähnliche Themen zur Seite – vom Autor selbst inszeniert, und sämtliche Rollen werden von David Brett und Gareth Williams gespielt. Wenn Seymours Stück eine laute, wütende und trotzig aufbegehrende Symphonie ist, dann bietet Burrows gewissermaßen hinreißende Kammermusik: mit ganz und gar bewundernswerten, sanfteren, aber dennoch eigenständigen Variationen über weitgehend ähnliche Motive.

Zwei ältere Männer treten auf, in abgetragenen Anzügen und Mänteln, vorn mit einer Reihe angenähter Medaillen. Der eine trägt eine Geige, der andere ein Banjo, und wie zwei verblasste Straßenmusikanten legen sie los – mit einem Nachkriegs-Protestlied voller Reue:

„In Piccadilly gehen Freunde an mir vorbei

Ich bin völlig gestrandet im Strand

Doch ich gestehe, ich war mehr oder weniger zufrieden

Als ich stony broke im Niemandsland war“

Dieses Lied rahmt das Stück und etabliert eines der zentralen Themen, die in den zwei Akten verhandelt werden: das Versagen der britischen Regierung, ihre Versprechen gegenüber den heimkehrenden Soldaten einzulösen. Weder „der Krieg, der alle Kriege beenden sollte“ noch „Heime für Helden“ werden Wirklichkeit. Stattdessen wird Gedenken zu einer Frage, nationaler Trauer einen symbolischen Schlussstein zu setzen – in Gestalt des Kenotaphs und des Grabmals des Unbekannten Kriegers. Eine der großen Stärken dieses Stücks ist, wie diese großen Themen für uns im Publikum durch die Lebensgeschichten einzelner, gewöhnlicher Männer und Frauen, die in den Krieg geraten, greifbar und konkret werden. Über zwanzig Figuren werden von Brett und Williams in einem echten, gemeinsamen tour de force zum Leben erweckt – wobei das fast zu schillernd klingt für das sanfte, subtile und nuancierte Spiel, das all diese Männer und Frauen heraufbeschwört. Wir reisen von London an die Somme, nach Russland und zurück nach London, während sich die ganze düstere Tragweite des Gemetzels des Ersten Weltkriegs entfaltet – mit musikalischen Zwischenspielen, die die Emotion des Augenblicks durch die damals populären Lieder einfangen.

Im Zentrum der Handlung steht eine Dreiecksbeziehung zwischen Percy Cotton, einem einfachen Soldaten, seiner Freundin Nellie Mottram und Sir Gregory Sleight, einem hohen Beamten mit direktem Draht zu Premierminister David Lloyd George. Nellie entdeckt – wie so viele verlassene Liebste – dass der Krieg auf allen Ebenen eine Zeit der Möglichkeiten ist, beruflich wie romantisch, während Percy an der Westfront nur Tod und Zerstörung begegnet. Nellie gelangt in den Besitz des Tagebuchs eines gefallenen Offiziers, das Percy an die Eltern des Verstorbenen zurückgeben möchte. Stattdessen nutzt sie es als Ausgangspunkt für ihre neue Laufbahn als Medium, das Kontakt zu den Toten aufnimmt, um den Hinterbliebenen einen Rest von Trost zu spenden. Das verschafft ihr wiederum Zugang zur besseren Gesellschaft, wodurch sie sich als Schützling Sleights etabliert und schließlich Lloyd Georges Gehör findet – der verzweifelt nach der richtigen Form eines erinnerungspolitischen Ausgleichs für die Entscheidung sucht, die britischen Kriegstoten nicht in die Heimat zu überführen. Aus den halbkomischen Aspekten des Spiritismus entsteht eines der entscheidenden Symbole für Nachkriegsabschluss und nationale Versöhnung, das Großbritannien – so ließe sich argumentieren – von einem revolutionären Kurs à la Russland abbringt. Für ehemalige Soldaten wie Percy jedoch gibt es keine schnellen Lösungen oder Belohnungen: ob Brite oder Deutscher, ihr Schicksal bleibt so trostlos wie ein Gemälde von Otto Dix. Schon für sich genommen ist es faszinierend, die reale politische Hintergrundgeschichte des Gedenkens zu hören – und den Motivmix, der darin wirksam war. Erst kürzlich haben wir sie wieder gesehen, in dem Meer aus Mohnblumen am Tower of London: wie kraftvoll solche Symbole noch immer sein können, wenn sie eine einigende Einfachheit besitzen. Doch am meisten beeindruckt hier, wie die edelsten Bestrebungen mit der schäbigsten politischen Trickkiste zusammenlaufen können – und wie die scheinbare Scharlatanerie des Spiritismus dennoch ein konkretes, echtes Bedürfnis nach Beratung und Trost in einer Gesellschaft bediente, in der das berühmte „stiff upper lip“ weiterhin galt. In dieser Ambivalenz, dieser Mischung der Motive, liegt viel Wahrheit – und sie wirkt wohltuend fern von mancher schwarz-weißen, moralisierenden Darstellung der Heimatfront.

Die Rollen sind zwischen den beiden Darstellern gleichmäßig aufgeteilt – dem Gewicht nach, wenn auch nicht der Anzahl nach –, wobei Brett weniger Figuren übernimmt, diese aber durchweg große Parts sind. Wenn man die beiden zunächst zusammen sieht, meint man, Wladimir und Estragon aus der Zeit gefallen zu begegnen; es gibt eindeutig Beckett-Echos, und ebenso – nebenbei bemerkt – Anklänge an Charlie Chaplin. Doch im Verlauf des Abends gibt es weit mehr Herz und Komik als Dunkelheit und Verzweiflung. Williams punktet besonders in den schlauen, charmanten, flatterhaften, zwielichtigen Figuren, die vom Krieg profitieren: Nellie selbst, stets mit einer gewinnenden Antwort parat, um drohende Enttarnung abzuwehren; Lloyd George, voll rhetorischer Zauberkunst und geschickt darin, der Stimmung im Volk immer einen Schritt voraus zu sein. Er besitzt eine große Gabe – weit über bloße Imitation hinaus –, Figuren, die ihm körperlich überhaupt nicht ähneln, stimmlich und gestisch glaubwürdig zu machen. Bretts Rollen sind weniger nach außen gekehrt; seine Stärke liegt darin, einen in den würdevollen mentalen Raum seiner beschädigten Beteiligten hineinzuziehen. Da ist Percy selbst, voller leiser, selbstironischer Unschuld in der Fremde – und man merkt schnell, dass er es nicht bis zum Ende schaffen wird (auch wenn die Art, wie es dazu kommt, dennoch schockiert und überrascht). Da ist die trauernde Mutter aus der besseren Gesellschaft, verzweifelt bemüht, dem Korsett konventioneller Selbstbeherrschung zu entkommen und ihren Sohn durch Spiritismus wiederzufinden; und dann der wissende, listige, skeptische Sir Gregory, niemandem verpflichtet und – ganz im Sinne von Yes, Minister – in jedem Desaster eine politische Chance witternd. Das sind alles fein austarierte, abgerundete Miniaturen. Angesichts der Vielzahl von Filmen und Theaterstücken über Tragödie und Verschwendung des Ersten Weltkriegs fragte ich mich anfangs, ob die hier verhandelten Themen mich noch berühren könnten – schließlich sind sowohl Satire als auch Trauer längst ausgiebig bearbeitet worden. Doch in seiner schrägen, dabei leise insistierenden Art machte dieses Zwei-Personen-Stück die nachhallenden Folgen des Krieges für die Hinterbliebenen und die Zurückgebliebenen eindringlicher spürbar als so manches hochbudgetierte Drama. Es wäre großartig, Brett und Williams diese Rollen auf einer landesweiten Tournee wiederholen zu sehen, damit Stony Broke in diesen Jahren des Gedenkens ein breiteres Publikum im ganzen Land erreichen kann.