REZENSION: Swifties, TheatreN16 ✭✭

Swifties

Theatre N16

1. März 2016

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Hier steckt eine wirklich, wirklich gute Idee für ein Stück. Man nimmt Genets „Die Zofen“, streicht „Madame“ aus der Gleichung (auch wenn sie in Form von Songs ständig heraufbeschworen wird), und lässt Solange und Claire als hysterische Pop-Fans gegeneinander antreten, die ihrem Idol nacheifern – in diesem Fall der distanzierten, nur hörbaren und nie zu sehenden Taylor Swift. Man sperrt sie in ein Hotelzimmer, wo sie darauf warten, einen Plan auszuhecken, um das Leben ihres Stars zu übernehmen und sich – à la „Ruthless People“ – aus anonymer Schufterei in ein Dasein voller Komfort und Glamour zu katapultieren. Das bürgerliche Setting ist von Anouilh nicht allzu weit entfernt, oder sogar von Feydeau, und lässt sich als eine Art Gesellschaftskomödie, als „comedy of manners“, angehen.

Das ist eine sehr clevere Idee, und Autor Tom Stenton gebührt Anerkennung dafür, dass er sie formuliert und bis hierher auf dem Weg zu einer theatralen Form gebracht hat. Aber er hat einen schweren Stand. Genet schreibt ausgedünnte, intellektualisierte Wortgefechte, bei denen wenig Wert auf „runde“ Figuren gelegt wird; das macht ihn faszinierend, aber für ein britisches Theaterpublikum auch irritierend. Um ihm hierzulande gerecht zu werden, muss man ihn oft erst einmal „aus dem Weg räumen“ – und seine Vision durch eine völlig andere ersetzen, eine, die dem Publikum das gibt, was es im Theater erwartet: dreidimensionale, realistische Porträts, fest im Naturalismus verankert – und zwar reichlich – und mit viel Humor und Ironie versetzt. Auf britischen Bühnen hat wenig Erfolg, das nicht in einem grundlegenden Sinn diesem Paradigma entspricht.

Wie dem auch sei: Ich weiß nicht, in wie vielen Fünf-Sterne-Hotels, die von Popstars und ihren Entouragen frequentiert werden, Mr Stenton übernachtet hat – oder sie überhaupt je besucht hat –, aber bei diesem Stück habe ich nicht den Eindruck, dass es besonders viele gewesen sein können. An einer Stelle lässt er sogar eine Vertreterin des Hotelpersonals – gespielt von einer nicht genannten, unsichtbaren dritten Stimme – gegen die Tür der Suite hämmern, bevor sie für alle in Hörweite verkündet, die Polizei sei unten in der Lobby und ermittle in irgendwelchen nicht näher benannten Angelegenheiten, und die Bewohnerinnen des Zimmers – unsere furchtlosen Heldinnen – sollten jede Hoffnung fahren lassen, jemals mit La Swift anzubandeln. Ich weiß nicht, wie es Ihnen geht, aber für mich klingt das nicht gerade nach der Art von Vorgang, die man im Dorchester erwarten würde. Wenn man sich auf eines bei erstklassigem Hotelpersonal verlassen kann, dann auf Diskretion.

Nichtsdestotrotz ist das Stück in die Hände von Regisseur Luke Davies gelangt, der kürzlich mit seiner Inszenierung der „The HIV Monologues“ einen kleinen Erfolg hatte; hier bewegt er sich auf womöglich weniger vertrautem Terrain, und sein Umgang mit dem Material wirkt oft unsicher und zufällig. Er scheint entweder nicht zu wissen, welche ungewöhnlichen Anforderungen Genet stellt, oder sie interessieren ihn nicht. Der übermäßige Einsatz von Musik – sie dröhnt sich durch fast jeden Austausch – ist ein Zeichen dieser Unsicherheit. Er lässt seine Schauspielerinnen – das Tay(lor)-Double Tanya Cubric und die drangsalierte Sidekick-Figur Isabella Niloufar – durch eine Abfolge von Drama-School-Improvisationen gehen, in der Hoffnung, sie würden irgendwie zu stimmigen Deutungen ihrer Rollen finden – und, mit etwas Glück, zu einer bedeutungsvollen Inszenierung. Nun, sie geben ihr Bestes, und von Zeit zu Zeit gelingt es ihnen tatsächlich. Niloufar ist gerade für die Hauptrolle in der kommenden „Salome“ am National Theatre besetzt worden, und – irgendwann – kann man auch sehen, warum. Cubric (zuletzt auf Sky Atlantic in „The Tunnel“ zu sehen) zieht als fordernde Pop-Göttin alle Register und tut alles Menschenmögliche, um die Reise ihrer Figur glaubhaft wirken zu lassen. Die beiden sind jederzeit sehenswert. Doch ihre Tragikomödie ist ein äußerst widerspenstiges Wesen, das sich schwer festnageln lässt. Eine längere Probenzeit mit einer erfahreneren Regie hätte helfen können. So wirkt es, als würden die Darstellerinnen mit der undurchdringlichen Oberfläche des Materials allein gelassen – das ist ihnen gegenüber ein bisschen unfair. Und uns gegenüber auch.

Stentons Text hilft ihnen dabei nicht eben. Zum Beispiel sind wir schon sehr, sehr weit im Stück, bevor wir erfahren, dass die Mädchen aus Luton kommen: Das ist eine erhellende Offenbarung – plötzlich bekommen die kreischenden, springenden, posierenden Möchtegerns Kontur und Sinn. Warum der Autor so lange wartet, um seine Figuren zu verorten, kann ich mir beim besten Willen nicht erklären: Das ist doch kein Staatsgeheimnis, oder? Interessanterweise war erst vor wenigen Monaten eine andere „Version“ von „Die Zofen“ zu sehen, die auf ähnliche Probleme der Undurchsichtigkeit stieß. Lehrreich ist, dass ungefähr zur selben Zeit das dazugehörige „Schwesterstück“ von 1947, „Deathwatch“, im Print Room in einer packenden Fassung von David Rudkin gezeigt wurde, mit viel Fingerspitzengefühl inszeniert von Geraldine Alexander. Sie setzte auf ein kühnes Ausstattungskonzept und einen hohen Grad an Stilisierung und kombinierte das mit ihren kraftvoll erfahrenen Darstellerinnen und Darstellern, denen sie so wenig Bewegung wie möglich gab – mit dem Ergebnis einer ziemlich fokussierten und, auf ihre Weise, glaubwürdigen Produktion. Diese beiden Qualitäten – Fokus und Glaubwürdigkeit – sind bei Genet schwer zu fassen. Stenton und Davies dürften das inzwischen gemerkt haben.

Bis 11. März 2017

Fotos: Luke Davies

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