REZENSION: Die Vier Fridas, Royal Artillery Barracks ✭✭✭

The Four Fridas. Foto: Alastair Muir The Four Fridas

Royal Artillery Barracks, Woolwich

02/07/15

3 Sterne

Der Exerzierplatz, der sich entlang der wunderbaren georgianischen Fassade des ehemaligen Hauptquartiers der Royal Artillery erstreckt, ist ein hervorragender und naheliegender Schauplatz für ein Open-Air-Spektakel – und das Greenwich and Docklands Festival ist dafür zu beglückwünschen, dass es Veranstaltungen wie The Four Fridas hierher bringt. Für grossformatige Produktionen ist dies ein idealer Ort, und die flexible, gemeinschaftsorientierte Nutzung, seitdem die Artillery abgezogen ist, wirkt umso ermutigender, wenn man bedenkt, dass dieser Platz zuletzt vor allem mit dem schrecklichen Mord an Drummer Lee Rigby in einer nahegelegenen Strasse verbunden wurde. Noch präsent sind auch die Erinnerungen an die eindrucksvollen Eröffnungsfeiern der Olympischen und Paralympischen Spiele, die 2012 in London stattfanden – und The Four Fridas lässt sich am besten als eine (teilweise) gelungene Coda zu jenen Spektakeln betrachten. Bradley Hemmings, der Regisseur dieser Produktion, der auch für das szenische Vorspiel der Paralympics verantwortlich war, schreibt im Programmheft, Frida Kahlo sei eines der repräsentativen Bilder von Menschen mit Behinderung gewesen, die er ursprünglich für jenes Ereignis in Erwägung gezogen habe; nun kehrt er zu ihrem Leben zurück – als Grundlage für eine Betrachtung des Verhältnisses zwischen Kreativität und dem Überwinden von Behinderung und Verfolgung.

Frida Kahlo hat in den letzten Jahren enorm viel Aufmerksamkeit erhalten, und es ist verlockend zu sagen, sie brauche inzwischen keine Einführung mehr. Nach jedem Massstab ist ihre Geschichte aussergewöhnlich: körperliche und persönliche Widrigkeiten, die sie überwand und in einen unmittelbar wiedererkennbaren künstlerischen Ausdruck verwandelte. Sie ist damit zu einer Heldin für Feministinnen und für Verfechter*innen der Kreativität von Menschen mit Behinderung geworden – und das zu Recht. Doch die unablässige Tendenz, das Werk stets durch das Leben zu deuten, setzt auch dem Verständnis Grenzen, die man mitbedenken muss. Sie gehört ebenso zur Geschichte der Rezeption und Wiederbelebung indigener mexikanischer Kultur, zur Geschichte des Surrealismus und auch zur Nutzung der bildenden Kunst zur Unterstützung von Arbeiterrechten – wie sie ihr Mann Diego Rivera vorangetrieben hat. Ein umfassenderes Verständnis ihrer Bedeutung verlangt, das Gefühl einer hieratischen Isolation aufzubrechen, das ihre eigenen Schriften begünstigten und beförderten, und sie als soziales Wesen zu sehen, bevor sie zur Ikone wurde. Bei aller ästhetischen Leistung und manchem visionären Moment neigt diese Show dazu, das ältere, stereotypere Bild von Frida zu bekräftigen.

Wir sehen drei Strukturen beziehungsweise Spielflächen, die Publikumsplätze in Traverse angeordnet. An einem Ende befindet sich eine gestufte Plattform, die an eine Maya-Zikkurat erinnert: Sie kann zudem vertikal angehoben werden, um als Leinwand für Animationen zu dienen – und als Kletterfläche. Seitlich bauscht sich ein riesiges weisses Kleid, ballonartig. Am anderen Ende des Geschehens liegt ein zerquetschter Haufen aus zerstörtem Metall, der den Busunfall symbolisiert, der Kahlos Behinderungen verursachte und letztlich zu ihrem Tod beitrug. In der Mitte steht ein zwanzig Meter hoher Mast, an dem ein Seil um eine Winde gewickelt ist. Zur vollen Wirkung kommt er im letzten und aufregendsten Abschnitt des Abends – dem Flug der Voladoras.

Die Darstellung ist in vier Abschnitte gegliedert, benannt nach den Elementen Luft, Erde, Feuer und Wasser. Im ersten Teil, der um das weisse Kleid kreist und von Feuerwerk und Tanz unterbrochen wird, wird das Thema des Fliegens eingeführt – ebenso wie das Motiv des Schmetterlings, das sich durch alle Abschnitte zieht und Kahlos Wunsch symbolisiert, ihren körperlichen Grenzen durch Kreativität zu entkommen. Im zweiten Teil, begleitet von kraftvollen visuellen Effekten, erlebt Frida ihren Unfall und beklagt ihre Behinderung. An einer Stelle wird sie in einem offenen Fahrzeug wie eine bemalte Statue in einer religiösen Prozession transportiert, ganz in Weiss und mit nur einem Bein – einer von mehreren Momenten, in denen das Kreativteam ein Bildäquivalent für Fridas Leben findet, das über ihre Selbstporträts hinausgeht und ihnen etwas hinzufügt. Der dritte Teil ist mit Abstand der befriedigendste: Text aus ihren Schriften verschmilzt mit Animationen auf der Leinwand und lässt ihren malerischen Prozess lebendig werden. Die Animationen greifen Motive aus ihrem Werk auf und setzen sie zusammen und auseinander. Nur hier erhält man an diesem Abend einen Einblick in Kahlos künstlerisches Verfahren: das Freilegen von Schichten, die statuenhaften, formalen Figuren mit entblösstem biologischem Kern, die scharfen Kanten und scheinbar unvereinbaren Farbkombinationen, die amoralische, rohe Kraft der Natur. In der letzten Episode wird Fridas soziales Credo formuliert, und das Schmetterlingsmotiv blüht mit erneuter Kraft auf – als Feier des Prinzips der Vielfalt. Szene und Abend gipfeln im Flug der Voladoras – fliegenden Maibaum-Frauen –, die Fridas Sehnsucht nach Harmonie zwischen Mensch und Natur verkörpern. Feuerwerk setzt Ausrufezeichen unter das Finale….

Zweifellos war dies eine technisch versierte Produktion, die ein starkes Kreativteam zusammenbrachte und in Tanz, Gesang, Soundprojektion, Animation, Akrobatik und – ja – menschlichem Fliegen bemerkenswerte Fähigkeiten zeigte. Es gab ausdrucksstarken zeitgenössischen Tanz von Shechter Junior, der die Kämpfe der Armen symbolisierte, und kraftvoll vorgetragene Deklamation der verschiedenen Darsteller*innen, die Frida in unterschiedlichen Lebensphasen verkörperten. Doch für mich gab es nur zwei Momente, in denen Medium und Botschaft vollständig und wirklich ineinandergriffen. Den einen habe ich bereits erwähnt – als die Animation uns einen kurzen Einblick in die komplexen Elemente gab, die in Kahlos ästhetischem Prozess zusammenfliessen. Der andere – und das Warten hat sich gelohnt – war der „Flug“ der indigenen mexikanischen Frauen, der Voladoras: Sie stürzten sich von der Plattform oben am Mast, bevor sie in ein hypnotisches Entfalten übergingen, in absteigenden, kreisenden Umdrehungen, während sich die Seile oben abwickelten und die Plattform sich drehte. Währenddessen spielte ihre Kapitänin oben am Mast ein klagendes Flötensolo, und eine der Frauen schlug eine kleine Trommel, während sie sich drehte. Ursprünglich war dies ein Fruchtbarkeitsritual, von dem Frauen ausgeschlossen waren; doch in einigen Regionen Mexikos dürfen inzwischen auch Frauen „fliegen“ und so ein Gefühl von Balance zwischen Mensch und Elementen teilen. Dieses schlichte, aber eindringliche Bild brachte – zumindest für mich – Kahlos Sehnsüchte zusammen: die Flucht aus dem Erdgebundenen, die Wiederherstellung von Harmonie zwischen Mensch und Natur und die Stärkung von Frauen, wo immer es möglich ist. Das Finale war damit zugleich Spektakel und Symbol.

Unterm Strich gab es also viel Talent und viele Mittel zu sehen – und eine Menge Ideen, von denen einige stärker fokussiert und durchdacht waren als andere. An manchen Stellen erhielten wir, ob durch symbolische Kunst oder durch sachliche Information, eine differenziertere Lesart von Frida, als einige ihrer Anhänger*innen zulassen. Andere Aspekte jedoch – etwa ihre Beziehung zu Rivera und ihre malerische Schuld ihm gegenüber – wurden gar nicht erwähnt. Schade ist auch, dass das Publikum nicht grösser war; der Show fehlte eine klare Verbindung zum Ort, und der Regisseur hätte erkennen müssen, dass ein Spektakel, das in jedem Park oder auf jeder Piazza in Zentrallondon ein volles Haus gehabt hätte, ausserhalb davon schwerer auf breitere Unterstützung stösst – ohne eine deutlichere Verankerung in der lokalen Geschichte von Woolwich.