CRITIQUE : Les Quatre Fridas, Royal Artillery Barracks ✭✭✭

Les Quatre Fridas. Photo : Alastair Muir Les Quatre Fridas

Caserne Royale d'Artillerie, Woolwich

02/07/15

3 Étoiles

La cour de parade qui longe la magnifique façade géorgienne de l'ancienne caserne de l'Artillerie Royale constitue un cadre idéal et naturel pour un spectacle en plein air, et le Festival de Greenwich et des Docklands mérite d'être félicité pour avoir apporté des événements tels que Les Quatre Fridas ici. C'est un emplacement naturel pour des spectacles de grande envergure et son utilisation flexible axée sur la communauté, maintenant que l'Artillerie a déménagé, est d'autant plus encourageante lorsque l'on pense que ce lieu est récemment associé au meurtre terrible du Tambour Lee Rigby dans une rue voisine. Les souvenirs de l'impressionnante cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques et Paralympiques tenus à Londres en 2012 sont encore présents, et Les Quatre Fridas est mieux considéré comme un coda (partiellement) réussi de ces spectacles. Bradley Hemmings, le directeur ici, qui était également responsable de la mise en scène des Jeux Paralympiques, écrit dans la brochure que Frida Kahlo était l'une des images représentatives des personnes handicapées qu'il avait initialement envisagées pour cet événement ; et maintenant il est revenu à sa vie comme base d'une méditation sur la relation entre créativité et dépassement du handicap et de la persécution.

Frida Kahlo a reçu énormément d'attention ces dernières années et il est tentant de dire qu'elle n'a plus besoin d'introduction. À tous égards, son histoire est remarquable d'adversité physique et personnelle surmontée et transmuée en une expression artistique instantanément reconnaissable. Son histoire a fait d'elle une héroïne pour les féministes et pour les défenseurs de la créativité des personnes handicapées, et à juste titre. Mais la détermination implacable à interpréter l'œuvre à travers la vie impose également des limites de compréhension qui doivent être prises en compte. Elle appartient également à l'histoire de la réception et de la renaissance de la culture autochtone mexicaine, à l'histoire du surréalisme, mais aussi à l'utilisation des arts visuels pour soutenir les droits des travailleurs, tel que l'a initié son mari Diego Rivera. Une compréhension plus complète de sa signification nécessite de casser le sens de l'isolement hiératique que ses propres écrits encourageaient et promouvaient, et de la voir comme un être social avant qu'elle ne devienne une icône. Malgré les succès esthétiques et les moments visionnaires, ce spectacle tend à renforcer la vue stéréotypée ancienne de Frida.

Nous sommes présentés avec trois structures ou scènes avec des sièges pour le public installés en travers. À une extrémité se trouve une plate-forme en escalier rappelant un ziggourat maya : la plate-forme peut également être élevée verticalement pour fournir un écran de présentation des animations et une surface d'escalade. À un côté, une immense robe blanche, de la taille d'un ballon, flotte. À l'autre extrémité se trouve un amas de métal mutilé, symbolisant l'accident d'autobus qui a causé à la fois les handicaps de Kahlo et finalement sa mort. Au milieu se dresse un poteau de vingt mètres de haut portant une corde enroulée autour d'un cabestan. Ceci prend toute son envergure lors de la section finale et la plus palpitante de la soirée – le vol des Voladoras.

La présentation est divisée en quatre sections, chacune nommée d'après l'un des éléments Air, Terre, Feu et Eau. Dans la première section axée sur la robe blanche et ponctuée par des feux d'artifice et de la danse, le thème du vol est introduit tout comme le motif du papillon, qui réapparaît dans toutes les sections pour symboliser le désir de Kahlo d'échapper à ses limites physiques par la créativité. Dans la deuxième section, accompagnée d'effets visuels puissants, Frida subit son accident et déplore son handicap. À un moment donné, elle est transportée dans un véhicule ouvert comme une statue peinte dans une procession religieuse, vêtue de blanc et avec une seule jambe - c'est l'un des nombreux moments où l'équipe créative réussit à trouver un lien visuel avec la vie de Frida qui va au-delà et s'ajoute à ses propres autoportraits. Dans la troisième section, de loin la plus satisfaisante, le texte tiré de ses écrits se fond avec l'animation visuelle à l'écran pour donner vie à son processus pictural. Les animations prennent des motifs de son travail et les assemblent et démontent. C'est le seul moment de la soirée où l'on a un aperçu du processus artistique de Kahlo... le dépouillement des couches, les figures formelles et statufiées, avec leur noyau biologique exposé, les bords tranchants et les combinaisons de couleurs apparemment discordantes, la puissance brute amorale de la nature. Dans l'épisode final, le credo social de Frida est déclaré, et le motif du papillon s'épanouit avec une vigueur renouvelée en célébration du principe de diversité. La scène et la soirée culminent avec le vol des Voladoras... les femmes du mât de mai volant... qui incarnent l'aspiration de Frida à une harmonie entre l'humanité et la nature. Les feux d'artifice ponctuent le final....

Il n'y a aucun doute que c'était un spectacle techniquement accompli, qui a réuni une solide équipe créative démontrant de grandes compétences en danse, chant, projection sonore, animation, acrobatie et – oui – vol humain. Il y avait une danse contemporaine expressive de Shechter Junior symbolisant les luttes des pauvres, et une déclamation puissamment projetée des divers acteurs incarnant Frida à différents moments de sa vie. Cependant, pour moi, il n'y avait que deux points où le médium et le message ont pleinement et véritablement fusionné. L'un, je l'ai mentionné - quand l'animation nous a donné un aperçu momentané des éléments complexes qui se sont fusionnés dans le processus esthétique de Kahlo. L'autre, et cela en valait la peine, était le « vol » des femmes mexicaines indigènes - les Voladoras - qui se sont lancées depuis la plate-forme au sommet du mât avant de s'installer dans un déroulement hypnotique, des révolutions descendantes alors que les cordes au sommet se déroulaient et la plate-forme tournait. Tout le long, leur capitaine jouait un solo de flûte plaintif depuis le haut du mât, et l'une des femmes battait un petit tambour en tournant. À l'origine c'était un rituel de fertilité dont les femmes étaient exclues, mais certaines régions du Mexique permettent maintenant aux femmes de « voler » aussi et de partager un sens de l'équilibre entre l'humanité et les éléments. Cette image simple mais saisissante a réellement servi à réunir, du moins pour moi, les aspirations de Kahlo pour échapper à la terre, pour la restauration de l'harmonie entre l'homme et la nature et pour l'autonomisation des femmes où cela est possible. Le final était donc à la fois un spectacle et un symbole fonctionnant de concert.

En résumé, il y avait beaucoup de talent et de ressources en jeu, et de nombreuses idées foisonnaient, certaines plus focalisées et réfléchies que d'autres. Par moments, que ce soit par l'art symbolique ou les informations factuelles, nous recevions une lecture plus nuancée de Frida que ce que permettent certains de ses partisans. Mais d'autres questions comme sa relation et sa dette picturale envers Rivera n'ont pas été mentionnées du tout. C'est dommage qu'il n'y ait pas eu un public plus large mais le spectacle manquait d'une connexion claire à la localité, et le directeur aurait dû réaliser qu'un spectacle qui aurait fait le plein dans n'importe quel parc ou piazza du centre de Londres, aurait du mal à trouver un plus grand soutien en dehors sans un ancrage plus marqué dans l'histoire locale de Woolwich.