KRITIK: The Life, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

The Life

Southwark Playhouse

29. März 2017

5 Sterne

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Ab und zu gibt es ein Musical, das uns als Erwachsene direkt anspricht. Das passiert nicht allzu oft – aber wenn es passiert, ist das Erlebnis unverwechselbar. Und genau so eine Produktion ist das hier. Es ist eine erwachsene Geschichte über Sex, Geld, Macht, Drogen, Ausbeutung, Ehrgeiz, Grausamkeit – und das Leben als täglichen Kampf ums Überleben und um Erfolg. Das ist nichts für Kinder. Und nicht nur in dieser Hinsicht bricht „The Life“ mit Konventionen: Nahezu jede Regel von „wie man ein Musical schreibt“ wird hier über Bord geworfen und durch etwas viel Neueres, Kantigeres, Wagemutigeres und Aufregenderes ersetzt. Gehen Sie mit offenen Augen – und offenem Kopf – hinein, und die Wirkung ist verblüffend, besonders wenn man bedenkt, auf welch besonderer und höchst ungewöhnlicher Grundlage diese Geschichte beruht.

„The Life“ ist, als würde Chester Himes eine Story über das harte Leben auf New Yorks üblen Strassen liefern – und Quincy Jones die Musik dazu. Es ist wie ein Blaxploitation-Film der 1970er, bevölkert von Prostituierten, Zuhältern, Dealern und Konsumenten, Nachtclub-Gängern, Tresenhockern, Strassenpredigern, Bullen, Landeiern und Grossstadtfüchsen; eine kitschige, billige, brutale Welt, die plötzlich vom Glamour und der Wärme des blechbläserstarken Big-Band-Sounds, vom Schmelz der Lounge-Sänger und vom Glitzern der Mode auf der Tanzfläche überflutet wird. Die Idee kam Ira Gasman eines Tages, als er das raue Treiben des Strassenlebens am Times Square selbst sah; er schrieb das Buch mit David Newman und Cy Coleman und verfasste die Songtexte zu Colemans grossartiger Partitur – seinem letzten Meisterwerk. Die Show lief vor zwei Jahrzehnten ein Jahr lang am Broadway, in einer Produktion von Michael Blakemore (der auch das Buch überarbeitete); seither versucht Blakemore, sie ins Vereinigte Königreich zu holen – doch niemand wollte eine Geschichte anfassen, die sich so weit von den Anstandsregeln des gefühlsseligen Musicaltheaters entfernte.

John Addison, Joanna Woodward, Johnathan Tweedie in The Life

Bis dann Produzentin Amy Anzel und Produzent Matt Chisling kamen. Anzel hatte sich in die Show verliebt und wollte sie unbedingt machen; sie und Chisling beantragten die Rechte, um die Produktion in der Londoner Fringe-Szene herauszubringen, und bekamen vom Coleman-Nachlass (der Komponist starb 2004) zu hören, dass ausschliesslich Blakemore sie produzieren dürfe. Der Gedanke, eine so bedeutende Theaterpersönlichkeit ins Southwark Playhouse zu holen, schien unmöglich. Also gingen sie trotzdem hin und fragten ihn. Ein Treffen wurde arrangiert, und schnell war man sich einig. Seitdem – nachdem weitere Produzenten an Bord kamen, um die nicht unbeträchtlichen Summen für dieses Unternehmen aufzubringen – wurde ein herausragendes Kreativteam um das Projekt versammelt, und das gemeinsame Ergebnis ihrer Arbeit ist nun eine Produktion, die zu den bemerkenswertesten Leistungen der letzten Jahre gehört.

Die Show beginnt rückwärts, mit einer Einführung durch die brillante Erzählerfigur Jojo (John Addison), der den Ton eines schonungslos offenen, von jeder beschönigenden Euphemistik befreiten Abends setzt, während er die Schicksale der Figuren katalogisiert, denen wir gleich begegnen werden. Statt der Handlung jede Überraschung zu nehmen, füllt uns dieser Ansatz mit fasziniertem Interesse: Die schäbigen, wenig bewundernswerten Gestalten, die hier ausgestellt werden, würden normalerweise kaum unser Mitgefühl gewinnen – aber da wir ihre allzu menschlichen Bestimmungen im Voraus kennen, beginnen wir, ihnen näherzukommen. Es ist einer von sehr, sehr vielen originellen Geniestrichen, die das Buch durchziehen.

Jonathan Addison, Jo Jo Omari, Thomas Kidd, Matthew Kaputo, in The Life

Dann stolpern wir zurück in der Zeit, lernen sie alle richtig kennen und sehen selbst, was geschah – und wie. Die Figurenliste dieser Geschichte folgt sehr konkreten Vorgaben im Text zu Alter, Körperform, Ethnizität und Geschlecht, die auch zentral dafür sind, dass diese Show die Grenzen dessen verschiebt, was das Genre leisten kann, und sich konsequent weigert, der Konvention zu folgen. Blakemore bekam bei der Besetzung ausnahmslos seine erste Wahl – und das Ensemble ist atemberaubend. Sharon D. Clarke liefert als Grande Dame der Strassen-Hustlerinnen, Sonya, eine glanzvolle Leistung: In jedem noch so fein beobachteten und perfekt kontrollierten Moment strahlt sie unangefochtene Autorität aus – und vokal ist das von elektrisierender Wucht. Ihre schwesterliche Zuneigung gilt vor allem dem Versuch, T’Shan Williams’ honig- und stahlstimmiger Newcomerin aus Georgia, Queen, zu helfen; deren traumatisierter Vietnamveteran-Freund-und-Zuhälter Fleetwood (David Albury) ist der Motor, der beide in ihre finale Krise treibt. Ihre zentrale Chemie ist wunderschön – und wir beginnen, uns immer mehr um sie zu sorgen, besonders um Queen: Wir schätzen ihre Stärke und betrauern seine tragische Schwäche.

Gezeichnet von Drogensucht und dem Druck geschlechtlicher Erwartungen, greift Fleetwood sich eine scheinbare Unschuld vom Strassenstrich: Joanna Woodwards grossäugige Mary, die sich rasch in den Dienst eines örtlichen Stripclubs stellt und dann – in einer Szene, die in ein paar Minuten grossteils die Handlung von „Gypsy“ verdichtet – als heisseste neue Stripperin am Times Square einschlägt. Das wirft sie in die Arme des lokalen Finanzhais Theodore (Jonathan Tweedie), der Mary zackig zu „Angel“ befördert, sie zur Königin des Hustlers’ Ball krönen lässt und sie dann aus der Stadt und in Richtung der relativen Respektabilität der neu entstehenden Pornoindustrie in L.A. bugsieren lässt. In dieser Welt gibt es Gewinner ebenso wie Verlierer – und das Buch zeigt uns beides, mit liebevoller Objektivität.

TShan Williams und David Albury In The Life

Damit ist der Weg frei für Cornell S. Johns erschreckend grossartigen Platzhirsch-Zuhälter Memphis (ein Name, der – wie alle Bezeichnungen der Figuren in dieser Show – sorgfältig wegen seiner mythischen und symbolischen Resonanzen gewählt ist), um sich an die verletzliche Queen heranzumachen (als Mädchen hiess sie Princess, aber Fleetwood hat sie „befördert“). Während Fleetwood sie im Gefängnis schmachten lässt, vermittelt Sonja bei Memphis, um sie gegen Kaution herauszuholen – ein Entgegenkommen, das er gewährt, allerdings nicht ohne beträchtliche Bedingungen. Und damit ist die Bühne bereitet für das unvermeidliche Showdown zwischen diesen beiden Rivalen um die emotionale und ökonomische Kontrolle über Queen. Sexualpolitik ist hier das täglich Brot – und dieses Entertainment liefert davon stets reichlich.

Derweil, unten in Lacy’s Oasis, punktiert der grossartige Gastgeber Jo Servi das Geschehen mit exquisit vorgetragenen, gereimten Zweizeilern voller Weisheit und messerscharfer Beobachtung, während sein Laden als Hauptquartier des lokalen Sexgewerbes dient – bevölkert von Zuhältern und ihren Mädchen. Seit der „Dreigroschenoper“ ist diese Unterwelt im Musicaltheater nicht mehr so liebevoll – und zugleich so erbarmungslos – dargestellt worden. Die Mädchen sind Jalisa Andrews, Charlotte Beavey, Aisha Jawando und Lucinda Shaw, ihre Zuhälter Matthew Caputo, Lawrence Carmichael (der auch die erschreckend glaubwürdigen Kampfarrangements beisteuert), Omari Douglas und Thomas-Lee Kidd. Sie bilden einen formidablem Chor und leisten einen Grossteil der Arbeit, um Tom Jackson Greaves’ sensationell einfallsreiche und pointiert charakterisierte Choreografie wunderschön zum Leben zu erwecken.

T’Shan Willliams

Die gesamte Produktion ist ausgestattet und inszeniert mit der köstlichen Sensibilität von Justin Nardella, der auch die Originalkleider für den Hustler’s Ball entworfen hat: Bei der Wiedererschaffung des schmierigen Ambientes der Schattenseite von Mayor Kochs New York setzt er keinen Fuss falsch. Auf sein überzeugend urbanes Bühnenbild spielen Nina Dunns aufwändige und meisterlich austarierte Videoprojektionen, die perfekt mit David Howes mal theatralisch flamboyantem, mal rau filmischem Licht verschmelzen. Sebastian Frost schafft den klaren Sound, der jede Silbe von Gasmans blitzgescheiten Songtexten funkeln lässt, und verstärkt die Partitur mit Feingefühl und Sicherheit.

Und was für eine Partitur das ist. Unter den Händen der meisterlichen Musical Director Tamara Saringer hören wir die komplette originale Broadway-Partitur – in den schlicht fantastischen Arrangements, die Coleman selbst schrieb und deren Orchestrierung er niemand anderem anvertraute. Ihr 11-köpfiges Orchester ist vom Allerfeinsten. Neben ihr gehören dazu: Zach Flis, AMD 2nd keys; Dan Giles, Bass; Felix Stickland, Gitarre; Danny Newell, Schlagzeug; Alice Angliss, Percussion; Joe Atkin Reeves, Elaine Booth und Matt Davies, Holzbläser; Annette Brown und Lewis West, Trompeten. Ganz ehrlich: Allein ihr Spiel rechtfertigt schon, dass man hier ist.

Was Coleman und seine Mitstreiter geleistet haben – und nur sehr wenige sind auch nur in die Nähe dieses Erfolgs gekommen –, ist, auf einer anderen Art von Tradition aufzubauen: einer, die sich andere theatrale Ambitionen setzt als jene, die im Musicaltheater üblich sind. Sie haben den Staffelstab von Werken wie Gershwins „Blue Monday Blues“ und „Porgy and Bess“, Kurt Weills „Street Scene“ und Bernsteins „West Side Story“ aufgenommen – und sind noch eine Meile weitergelaufen. Das ist eine besondere Art von Musiktheater, die nicht zum „Standardmodell“ gehört. Man sollte sie nicht mit dem verwechseln, was sie nicht ist und auch nicht sein will. Aber in dieser Show steckt mehr Wahrheit als in zehn anderen Produktionen, die derzeit in London laufen; und wenn Ihnen das Leben etwas bedeutet, wenn Sie es sehen wollen, wie es ist – nicht so, wie eine eskapistische Fantasie es gern hätte –, dann gibt es kaum ein grösseres Vergnügen, als ein paar Stunden in der Gesellschaft dieser wunderbaren Menschen zu verbringen, die nach zwanzig Jahren dieses erstaunliche, aussergewöhnliche Ereignis auf Londons Bühne gebracht haben.

Foto: Conrad Blakemore

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