REZENSION: Der Kaufmann von Venedig, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭✭✭

Der Kaufmann von Venedig

Royal Shakespeare Theatre

20. Juni 2015

5 Sterne

Der Jude hat das Messer. Der Vertrag ist geprüft worden; der ehrenwerte Rechtsbeistand hat ihm sein Pfund Fleisch zugestanden – die Strafe, vereinbart damals, als die dreitausend Dukaten geliehen wurden. Der große, attraktive Mann, die Liebe im Leben des Kaufmanns, ist da: entsetzt, verängstigt, verzweifelt, aber außerstande zu helfen. Er hat Geld angeboten, seine eigene Brust für das Messer – doch der Jude hat abgelehnt. Er will seinen Vertrag.

Der Kaufmann schöpft Kraft aus der Gegenwart seines Geliebten. Er ist da; das ist alles, was für den Kaufmann zählt. Er bringt die Menge zum Schweigen, zieht sein Hemd aus. Plötzlich wird es still, das Publikum erstarrt angesichts des sich entfaltenden Grauens. Als ihn der Gerichtsdiener an den Stuhl fesselt, wimmert der Kaufmann – wissend, dass sein Tod unmittelbar bevorsteht. Aber der attraktive Mann ist da. Darin findet er für einen Moment Trost. Der Jude wendet sich, das Messer glitzert im Licht. Der Kaufmann beginnt zu hyperventilieren; die Angst und Unausweichlichkeit der Trennung vom Leben – und vom attraktiven Mann – überwältigt ihn. Es ist schmerzhaft anzusehen, beinahe Folter. Nein, es ist Folter. Der Kaufmann würgt, vom Schrecken des Augenblicks gepackt. Es sieht aus, als könnte er einen Herzinfarkt bekommen, noch bevor das Messer des Juden ihn berührt.

Der attraktive Mann ist verzweifelt, untröstlich, die Verkörperung zerbrochener Liebe. Der Jude ist entschlossen; er sieht im Kaufmann die Verkörperung all der Qualen, mit denen das Christentum ihn geplagt hat. Der Kaufmann ist jenseits des Erträglichen, nahezu wahnsinnig vor Angst. Erst dann – wenn die drei Männer, die ihr Leben heimgesucht haben, wirklich entlarvt sind – handelt die frischgebackene Ehefrau des attraktiven Mannes und hält den Juden davon ab, das Messer zu führen.

Das ist Polly Findlays faszinierende und aufschlussreiche Erkundung der dunkelsten Winkel von Shakespeares Der Kaufmann von Venedig, jetzt auf der Hauptbühne der RSC zu sehen. Es ist die dritte große Inszenierung dieses Shakespeare-„Problemstücks“ innerhalb eines Jahres: Rupert Goolds opulente Almeida-Version (die 2011 auf derselben Bühne begann, auf der Findlays Fassung entstand) und Jonathan Munbys scharfsinnige, zutiefst witzige Version am Globe haben den Weg bereitet.

Mit einigem Abstand ist Findlays Produktion die Gewinnerin. In ihren Händen wirkt das Stück überhaupt nicht problematisch.

Es gibt allerdings einen großen Vorbehalt: die Kostüme – wenn man sie so nennen kann. Eine zusammengewürfelte Sammlung unpassender, greller, schlecht sitzender Teile, eher Flohmarkt als bewusst gestaltete Ästhetik, ist entsetzlich. Absolut entsetzlich. Annette Guthers Arbeit tut hier ihr Bestes, Findlays Vision aus der Spur zu bringen – doch die Klarheit der Regie und das starke Ensemble erheben sich über Fetzen und Flickwerk, die die Bühne beschmutzen.

Johannes Schütz liefert dagegen ein großartiges Bühnenbild. Es ist schlicht, aber außerordentlich wirkungsvoll. Da ist eine einzige, beeindruckende Wand, die – in Peter Mumfords brillantem Licht – wie eine riesige Spiegeloberfläche erscheinen kann und den Eindruck erzeugt, das Publikum werde in den Vorgängen auf der Bühne mitreflektiert; oder wie ein Stapel goldener Barren, der die geschäftsmäßigen Aktivitäten der Kaufleute und die Macht des Reichtums im Stück als ständige, aber unaufdringliche Erinnerung präsent hält.

Findlay scheint ihre Inspiration aus dem Text selbst gezogen zu haben – und insbesondere aus diesem bekannten Abschnitt:

Nicht alles, was glänzt, ist Gold,

oft hast du das schon gehört;

mancher Mann hat sein Leben verkauft,

nur um mein Äußeres zu erblicken.

Vergoldete Gräber umschließen Würmer.

Wärest du so weise wie kühn,

jung an Gliedern, alt im Urteil,

deine Antwort stünde nicht eingeschrieben:

Leb wohl – dein Werben ist kalt.

Diese Worte sind der Schlüssel zu allen zentralen Beziehungen in Findlays Inszenierung. Antonio, der titelgebende Kaufmann, verkauft seine Seele (na ja: das Pfund Fleisch nahe seinem Herzen) an Shylock für Bassanio, in den er sich verzehrend verliebt hat. Jessica verkauft ihre Seele (ihr Erbe, ihren Vater) für das Versprechen der Liebe mit Lorenzo – doch sobald er ihren Reichtum und Besitz hat, zeigt er ihr kaltes Desinteresse. Bassanio verkauft seine Seele, indem er seinen Geliebten Antonio verrät und ihn benutzt, um sich eine Braut und ein Vermögen zu sichern; dann verrät er seine Frau – und wird sie weiter verraten, denn das Opfer, zu dem Antonio für ihn bereit war, lässt ihn erkennen, wo seine Liebe wirklich liegt.

Auch Portia hat ihre Seele verkauft. Sie verfällt dem glitzernden Äußeren Bassanios und verrät die Wünsche ihres Vaters. Sie betrügt ganz bewusst bei der Frage, welches Kästchen Bassanio wählen soll – und genau das wird ihr letztlich zum Verhängnis. Hätte man es dem Schicksal überlassen, hätte Bassanio womöglich nicht das richtige Kästchen gewählt. Doch sie wählt ihr Gold – und entdeckt schnell, dass Bassanios wahres Interesse woanders liegt. Das verändert sie.

Das Gift, mit dem sie die Zeile „Wer ist hier der Kaufmann, und wer der Jude?“ ausspuckt, zeigt die Realität. Diese Portia kommt nicht vor Gericht, um Gerechtigkeit zu sehen, sondern um das Trio zu zerstören, das – in ihrem Kopf – gemeinsame Sache gemacht hat, sie zu täuschen und in die Falle zu locken: Bassanio, der über seine Sexualität und Absichten gelogen hat; Antonio, die eigentliche Liebe im Leben ihres Mannes, und derjenige, der die Finanzierung arrangierte, die Bassanio nach Belmont brachte – für die Farce, die in ihrer Ehe endete; und Shylock, der Jude, der Bassanio das Geld lieh.

Die Gerichtsszene ist hier elektrisierend intensiv, roh und packend – sie handelt nicht von Antisemitismus oder Gerechtigkeit oder Cleverness: Es geht um Rache. Portias Rache. Sie könnte Shylock retten, aber sie tut es nicht. Sie könnte Antonios Qualen beenden, aber sie tut es nicht. Sie könnte dafür sorgen, dass Bassanio nicht leidet, aber sie tut es nicht. Sie weiß, ihr Leben mit Bassanio wird voller Schmerz und Doppelzüngigkeit sein – also ergreift sie die Chance, als sie sich bietet.

Die Handlung nach der Gerichtsszene kann schwer zu spielen sein; scheinbar ist es eine einfache, auf den Kopf gestellte romantische Komödie. Manche Produktionen bekommen das hin, manche nicht. Hier werden diese Szenen weder als Romance noch als Komödie gespielt. Nein. Findlay zeigt das Auseinanderbrechen der bereits getroffenen schlechten Entscheidungen: Jessica bereut, ihren Glauben und ihren Vater für einen kalten, harten, lieblosen Mann verlassen zu haben; Antonio bereut, Bassanio finanziert zu haben, denn nun muss er ihn mit Portia teilen; Bassanio bereut, entlarvt worden zu sein – als das, was er wirklich ist.

Das alles ist erfrischend und faszinierend. Findlay haucht Shakespeares Stück Komplexität und Sicherheit ein, indem sie Sex und Gier in den Fokus rückt. Doch an Hass mangelt es ebenfalls nicht.

Shylock wird als alter Mann gespielt – ein gerissener, aber hart arbeitender Jude, der allein wegen seines Glaubens von den christlichen Kaufleuten am Rialto misshandelt und erniedrigt wurde. So daran gewöhnt, bespuckt zu werden, zuckt er nicht einmal mehr, wenn es geschieht, und er wischt den ausgeworfenen Dreck nur langsam weg, weil die Erfahrung zeigt, dass gleich noch mehr folgen wird. Das ist ein Shylock, der es gewohnt ist, gedemütigt und verachtet zu werden, nur weil er anders betet, kein Schweinefleisch isst und sein Vermögen sowie seine unternehmerischen Tätigkeiten schätzt.

Als ihm die Tochter genommen wird und sie auch noch einen Teil seines Geldes und Schmucks mitnimmt, zerbricht er – das lange Leben bitterer Misshandlungen ist zu viel, und er sieht eine Chance auf Rache darin, den Vertrag gegen Antonio durchzusetzen, einen Kollegen Lorenzos, des Mannes, der ihm die Tochter genommen hat. Dieser Shylock ist keine Karikatur; er ist ein gebrochener Vater, über die Grenzen des Erträglichen hinaus getrieben. Keiner der beiden Rächer – weder Shylock noch Portia – gewinnt durch den Wunsch nach Vergeltung: Beide werden dadurch kleiner. Unglück und der Verlust von Reichtum, Liebe und Ansehen haben sie gemeinsam.

So gesehen, wie Findlay es sieht, ist Der Kaufmann von Venedig ein zeitgenössisches, mitreißendes Drama. Es gibt ein paar gute Lacher dank Gobbo (der inspirierte Tim Samuels) und Brian Protheros gealtertem Grandseigneur Aragon (in jeder Hinsicht prächtig) – doch ansonsten ist es vor allem eine Achterbahnfahrt aus Angst, Sex, Gier und Verrat. Nichts daran wirkt problematisch: Es ist eine kühne, anregende Inszenierung eines Stücks, von dem alle glauben, es zu kennen. Findlay erfindet Shakespeare hier nicht neu; sie lässt Shakespeare unerschrocken, bösartig und zeitlos sprechen.

Kleine Details sorgen für aussagekräftige Nuancen. Die Kästchen hängen von der Decke wie verbotene Früchte. Eine riesige silberne Kugel – vielleicht ein Pendel, das die Zeit herunterzählt, vielleicht ein Symbol des Pfandleihers – schwingt unerbittlich und suggeriert Unausweichlichkeit: Sie wird von Portia in Gang gesetzt und spiegelt den Sog wider, der ihren Handlungen folgt. Bassanio fuchtelt mit Kokain herum und verspricht es Gratiano für die Reise nach Belmont – braucht er die Droge, um seine „Balz“ durchzustehen? Bassanio, voller ohnmächtiger Wut, kippt die sechstausend Dukaten, die er vor Gericht mitgebracht hat, um Shylock auszuzahlen, im ganzen Saal aus – sie prasseln überall hin, eine nutzlose Decke aus Papiergeld an einem Ort, an dem nur Worte zählen.

Findlay hat das Stück makellos besetzt – was immer hilft. Makram J. Khoury ist großartig als Shylock. Das ist keine große „Star“-Leistung; sie ist weder laut noch hässlich oder auf Aufmerksamkeit aus. Die große „Hat nicht ein Jude“-Rede wird sanft gesprochen – und gerade deshalb umso eindringlicher. Khoury spielt Shylock sehr zurückgenommen, macht ihn älter und körperlich schwächer, zermürbt von Unterdrückung und Hass, aber fähig zu schnellem Witz und festem Entschluss. Die ständigen Demütigungen, die er erleidet, machen seine unmenschliche Haltung im Gericht verständlich, und sein letztes Schlurfen von der Bühne – in die Dunkelheit von Armut und Taufe – war herzzerreißend. Ein Jude, der viel ertragen musste; ein Opfer im Cardigan, dessen Hauptvergehen das ist, was die anderen Hauptfiguren nicht einmal zu versuchen scheinen: sich selbst und seinen Überzeugungen treu zu sein.

Jamie Ballard ist in Hochform als gequälter, herzgebrochener Antonio. Seine Liebe zu Bassanio prägt alles, was er tut, und Ballard ist in jeder Hinsicht vollkommen überzeugend. Beide Akte beginnen mit seinem isolierten Antonio, überflutet von Kummer oder Angst, und das Schlussbild zeigt ihn sitzend, still allein, wartend auf ein Leben, zu dem er gehören wird, das er aber nicht will – Bassanio mit Portia zu teilen. In der Gerichtsszene ist Ballard erstaunlich roh und wirklich großartig.

Als Portia ist Patsy Ferran herausragend. Ihre Portia ist komplex und facettenreich, eine harte, wunderbare, großartige Frau. Ferran geht wunderschön mit der Sprache um – die „Barmherzigkeit“-Rede ist besonders gelungen – und sie vermittelt die Höhen und Tiefen der Reise ihrer Figur mit erhabener Leichtigkeit und verblüffender Genauigkeit. In ihrer von Rache getriebenen Darstellung in der Gerichtsszene wirkt Ferran beinahe wild, sie nutzt die innere Wut der Figur mit überwältigender Wirkung. Sie liefert eine wunderbar originelle Interpretation einer der beeindruckendsten Frauenfiguren Shakespeares.

Jacob Fortune-Lloyd hat das Aussehen, den Körperbau und den Swagger, um Bassanio, den goldenen Jungen des Stücks, magnetisch und zwingend zu machen. Er ist Gold, aber nicht immer glitzernd: Er legt Bassanios Dunkelheit, Schlichtheit und Verschlagenheit klug frei – lauter Lächeln, glühende Blicke und verführerische Augen. Fortune-Lloyds Bassanio ist die Definition des gewandten Redners: das flau machende Sahnetörtchen im Zentrum der Reichtumstafel, die Shakespeares Stück auftischt. Zusammen mit Ballard, Ferran und Khoury bildet Fortune-Lloyd das lebendige, fesselnde Herz dieser Produktion.

Hervorragend sind auch Scarlett Brookes (eine verängstigte, gezeichnete Jessica), James Corrigan (exzellent als gehässiger, gieriger Lorenzo), Nadia Albina (großartig als entzückende Nerissa) und Ken Nwosu (ein ahnungsloser, alles-ist-egal-Gratiano). Die Rollen von Solanio und Salerio werden oft verschenkt – hier nicht. Beide sind klar Teil der „Gay-Mafia“, die Bassanio und Antonio umgibt. Findlay zeigt Salerios Abscheu gegenüber Bassanios Ehe mit akribischer Campness, und gleich zu Beginn setzt Saighals wissendes, sexuell provozierendes Anschleichen/Gehen auf Antonio den Ton für die entscheidenden queeren Themen der Inszenierung.

Rina Mahoney reißt als Portias „mit aller gebotenen Eile“-Dienstbote das Haus ab und gibt später im Stück einen imposanten Herzog. Marc Tritschler steuert prächtige, atmosphärische Musik bei, die durchweg meisterhaft gespielt und gesungen wird – die Kinderchöre waren besonders erfreulich und überraschend.

Findlays Der Kaufmann von Venedig ist – wie alle großen Shakespeare-Inszenierungen – randvoll mit Ideen, spricht mit Sicherheit und Intelligenz und beleuchtet den Text klug und kraftvoll. Sie lässt dieses Stück wie frisch geprägt wirken, seine Ideen und Empfindungen so relevant für die heutige Gesellschaft wie um 1598, als Shakespeares Worte erstmals im Stationers’ Register verzeichnet wurden.

Der Kaufmann von Venedig läuft bis zum 21. Juli 2015 im Royal Shakespeare Theatre