REZENSION: Die Möwe, Lyric Hammersmith ✭✭✭✭✭

Das Ensemble von Die Möwe am Lyric Hammersmith Die Möwe

Lyric Hammersmith

12. Oktober 2018

Fünf Sterne

Tickets für Die Möwe buchen Anton Tschechows Die Möwe dient seit Langem als akademischer Text – und diese neue Fassung am Lyric Hammersmith eröffnet einen anderen Blick auf einen Klassiker. Der pensionierte Anwalt Peter beklagt, dass er sein Stadtleben aufgegeben hat, um auf sein Landgut zu ziehen – fest entschlossen, weiterhin luxuriös zu leben, während seine Gesundheit zunehmend nachlässt. Bei ihm wohnt sein von Selbstzweifeln geplagter Neffe Konstantin, ein Dramatiker, der die Nachbarin Nina, eine verträumte Idealistin, anhimmelt. Eines Sommers kehrt Peters Schauspielschwester Irina zu Besuch zurück – im Schlepptau ihr neuester Liebhaber, der Schriftsteller Boris Trigorin. Damit beginnt der Zerfall der Gruppe, ausgelöst durch unerwiderte Sehnsüchte und idealisierte Bilder voneinander.

Brian Vernel (Konstantin) und Lesley Sharp (Irina)

Diese neue Version von Simon Stephens ist eher eine behutsame Auffrischung als eine radikale Adaption – doch in Sachen Zugänglichkeit ist er heute eine einladendere Wahl als der seit Langem verstorbene Russe. In den ersten Szenen müssen alle, die Tschechow nicht gut kennen, erst einmal nachholen, wer wer ist; sobald das Stück jedoch in der Geschichte ankommt, wird es hochgradig fesselnd.

Auch wenn Stephens den Text zweifellos modernisiert hat (zum Glück ohne bemüht Social Media zu erwähnen), besitzt der Dialog beinahe eine lyrische Qualität: die gewichtigen Monologe und erklärenden Passagen verneigen sich vor dem klassischeren Ton des Originals. Zugleich wirkt alles zeitlos; indem Stephens Ortsnamen, Datumsmarken oder überhaupt einen einheitlichen Akzent innerhalb der wunderbar diversen Besetzung vermeidet, deutet er an, dass dies an jedem See der Welt passieren könnte. Es bleibt scharf und witzig, mit einer Leichtigkeit im ersten Akt. Mit einigen überraschenden Laut-aufgelacht-Momenten gibt es reichlich Humor, bevor das Stück in deutlich härteres Terrain abbiegt – und die Unbeschwertheit der ersten Hälfte ist in der zweiten weitgehend verschwunden.

Dazu kommt eine gewisse Selbstreflexivität: mehrere Seitenblicke ans Publikum (oft amüsanterweise von anderen Figuren mitgehört) und viele Verweise auf das Schauspielern und „das Theater!“ – begleitet von deutenden Gesten Richtung Zuschauerraum. Ein überlanger Monolog über die Unsicherheiten von Schriftstellern aus dem Mund von Boris mag für die Handlung eine gewisse Relevanz haben; aus der Feder eines bereits gefeierten Autors wie Stephens wirkt es jedoch ein klein wenig selbstbespiegelnd. Am stärksten ist der Text, wenn er – wie Tschechows Original – über Dinge spricht, die außerhalb der Bühne geschehen sind, mit einem unnachgiebigen, darunterliegenden Gefühl von Wehmut über das Vergangene. Nicht nur die Worte sind voller Subtext – auch die Art, wie sie gesprochen werden.

Lesley Sharp (Irina)

Diese Produktion kann mit einer starken Besetzung aufwarten. Lesley Sharp ist als Irina, eine Schauspielerin, die an ihrer verblassenden Jugend festhält, in Bestform. Jede Bewegung, jedes Wort ist innerhalb der Stückwelt eine Performance: Irina verlangt ständig nach Aufmerksamkeit und lebt, als würde sie ununterbrochen beobachtet. Alles ist leicht gekünstelt – ein Spiel, ein Monolog, ein Melodram. Doch Sharp verleiht dieser leicht zu stereotypisierenden Figur enorme Tiefe, kippt von unangenehmer Kindlichkeit in echte Grausamkeit und findet zurück zu dem Charme und Humor, mit dem ihre Irina vermutlich einst berühmt wurde. In den Szenen mit ihrem Sohn Konstantin (Brian Vernel, der meisterhaft einen Großteil der emotionalen Last des Stücks trägt) blitzt eine erschütternde Verletzlichkeit auf, die Irina viel zu schnell wieder unterdrückt. Sharp ist absolut magnetisch und eine Meisterin der subtilen Nuancen – genau das, was dieses Stück braucht.

Brian Vernel (Konstantin), Nicolas Tennant (Peter) und Raphael Sowole (Simeon)

Nicholas Tennant ist als kränkelnder Patriarch Peter erquicklich unprätentiös, und sein körperlicher Verfall wird mit beunruhigender Konsequenz und spürbarer Physis gezeigt. Er spricht seine Reue offener aus als die anderen, was zunächst wie die Klagen eines Sterbenden wirkt. Doch je mehr wir über die übrigen erfahren, desto klarer wird: Er ist der ehrlichste von allen.

Cherrelle Skeete (Marcia)

Cherelle Skeete spielt Marcia mit jugendlicher Schwermut und einer stillen, schmerzhaften Ergebenheit in ihr Los, und ihre zurückgenommene Traurigkeit zu beobachten, berührt. Am anderen Ende der Skala ist Lloyd Hutchinson als ihr Vater, der Gutsverwalter, urkomisch, wenn er Schnurren erzählt, die bei seinen Gegenübern ins Leere laufen. Paul Higgins als Hugo beherrscht die melancholische Entfremdung, die ihn zu einer der sympathischsten Figuren des Stücks macht. Er kommt aus der ganzen Angelegenheit am wenigsten beschädigt heraus – und doch trifft er die Niedergeschlagenheit eines Menschen, der zusieht, wie Freunde ihr Leben ruinieren, und machtlos bleibt, es zu verhindern.

Mit knapp drei Stunden ist das kein kurzer Abend – und doch vergeht die Zeit wie im Flug. Das Problem der Mehrakt-Struktur wird mit erfinderischen Übergängen gelöst, und musikalische Motive überdecken jede Gefahr peinlicher Stille. Hyemi Shins vielfältige Bühnenbilder sind für sich genommen beeindruckend, lassen aber die Darbietungen im Zentrum stehen und verstärken so das Gefühl von Zeitlosigkeit. Eine seltene Produktion, die sowohl Stil als auch Substanz besitzt: Stephens und Tschechow ergeben ein starkes Match.

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