KRITIK: Der Widerspenstigen Zähmung, RSC im Barbican Centre ✭✭✭✭

Sophie Adnitt rezensiert William Shakespeares Der Widerspenstigen Zähmung, präsentiert von der Royal Shakespeare Company im Barbican Theatre London.

Claire Price als Petruchia in Der Widerspenstigen Zähmung. Foto: Ikin Yum Der Widerspenstigen Zähmung

Barbican Centre

Vier Sterne

In Theaterkreisen wird seit Langem darüber diskutiert, ob wir Der Widerspenstigen Zähmung weiterhin auf die Bühne bringen sollten. Propellers Inszenierung von 2006 erzählte diese Geschichte von ehelichem Missbrauch mit ausschließlich männlicher Besetzung und machte die Gewalt des Stücks mit erschütternder Konsequenz sichtbar. In dieser Version der Royal Shakespeare Company unter der Regie von Justin Audibert wird erneut mit Geschlechterrollen gespielt. Diesmal ist Padua eine matriarchale Gesellschaft, in der Frauen mit an den Gürteln getragenen Schwertern durch die Straßen gehen und Mütter ihre aufsässigen Söhne an den Meistbietenden verschachern. Baptista Minola (Amanda Harris, großartig) weigert sich, seinen Jüngsten Bianco (der urkomische und sträflich unterbeschäftigte James Cooney) einen seiner zahlreichen Verehrer heiraten zu lassen, solange nicht zuerst die Älteste, die „lästige“ Katherine (Joseph Arkley), unter die Haube gebracht ist. Auftritt Petruchia (Claire Price), die mit nur einem Ziel nach Padua gekommen ist – reich zu heiraten. Als sie von Minolas Vermögen hört, ist Petruchia überzeugt, die willensstarke Katherine zähmen zu können – mit allen nötigen Mitteln.

Claire Price und Joseph Arkley. Foto: Ikin Tum

Claire Prices Petruchia ist ein Vergnügen zu beobachten – zunächst pure, ungebremste Selbstgewissheit, hemmungslos raumgreifend und ohne sich je zu zügeln. Dann beginnt der Missbrauch, und man erkennt: Petruchia gehört zu diesen unangenehmen Typen, die charmant wirken, bis sie im nächsten Moment umschlagen und ihre erschreckend wahren Farben zeigen.

Trotz all seines Dröhnens und Tobens spielt Arkley Kate mit enormer Würde. Von Anfang an ist er allein, wird übersehen, ständig zugunsten von Bianco beiseitegeschoben – und für einen Moment fragt man sich, ob die „Widerspenstigkeit“ vielleicht eigentlich Schüchternheit ist; ein Introvertierter in einer Welt großer Persönlichkeiten (und die sind wirklich groß – Subtilität ist hier kaum zu finden). Während Bianco und die anderen Männer mit unpraktisch wallenden Mähnen ausgestattet sind, ist Kates Haar dicht am Kopf geschnitten – wieder ist er von den anderen abgesetzt, ungewöhnlich, eine Ausnahme.

Emily Johnstone und Laura Elsworthy. Foto: Ikin Yum Dann treffen Kate und Petruchio aufeinander, und eine unaufhaltsame Kraft prallt auf ein unbewegliches Objekt; für einen Moment scheinen sie wie füreinander gemacht. Kate kommt von oben herein und wirkt fast wie erstarrt, als er Petruchia entdeckt. Einen Augenblick lang halten sie Blickkontakt, bevor sie sich abwendet und – fast zu sich selbst – mit den Fingerspitzen an ihr Herz tippt: oh nein, der ist heiß. Es ist ein seltener, verblüffend zarter Moment in einer Inszenierung, die ansonsten eher auf forsche Lautstärke setzt. Man spürt, dass Petruchia ihren widerspenstigen Jungen tatsächlich liebt, und wenn sie ihn am Ende zu sich ruft, um seinen Gehorsam zu prüfen, wirkt es, als würde sie ihn vor dem Spott der anderen in Schutz nehmen. In einem anderen Leben könnten sie ein gutes Paar sein – aber nicht in dieser Welt.

Denn am Ende bleibt es ein Stück über eine missbräuchliche Beziehung, und in der zweiten Hälfte des Abends wird es ernsthaft unangenehm, wenn Petruchia Kates Widerstand langsam zermürbt und niemand es wagt einzugreifen. Arkley als Kate liefert eine packende Studie hoffnungslosen, einsamen Herzschmerzes. Während alle um ihn herum das Geschehen als Farce spielen und durch die vielen Türen in Stephen Brimson Lewis’ wunderschönem Bühnenbild ein- und ausrennen, spielt Arkley es als geradliniges Drama – ja, als Tragödie. Erst am Schluss des Stücks gibt er nach, lässt seine Hand unter dem Fuß seiner Frau mit einem übertriebenen Ruck fallen – was mehr Lacher auslöst, als sich angemessen anfühlt. Kate begreift endlich, in welchem Genre er gelandet ist – aber zu welchem Preis?

Amelia Donkor und James Cooney in Der Widerspenstigen Zähmung. Foto: Ikin Yum

An anderer Stelle ist in dieser bemerkenswerten Besetzung Sophie Stanton eine komische Wucht, die über die Bühne gleitet, als stünde sie auf Rollen, und Laura Elsworthys Spielfreude als listige Trania ist unwiderstehlich. Aber bringt dieser Geschlechtertausch diesem eher unangenehmen Stück wirklich etwas? Zum einen zeigt er, wie herablassend im Original über die Töchter gesprochen wird – wie über Besitz, den man tauscht. Und abgesehen von Kates berühmter Schlussrede und ein wenig Wortgefecht mit Petruchia bekommt er im Vergleich zu manchen anderen Shakespeare-Heldinnen gar nicht so viel zu sagen. Es ist irgendwie alarmierend, wie leicht eine Frau im Hintergrund stehen und keinerlei Einfluss auf das Gespräch haben kann – und wie viel weniger es auffällt als in diesem Fall, wenn ein Mann zum Schweigen gebracht wird; da denkt man irgendwann: „Hm. Also Kate und Bianco haben seit… einer ganzen Weile… überhaupt nichts mehr gesagt…“

„Widerspenstiges“ Verhalten wird in unserer Welt bei Männern eher akzeptiert – ein Mann kann ein „lästiger, raufender Zänker“ sein, und es wird ihm als „Jungs sind eben Jungs“ durchgehen gelassen. Wenn eine Frau sich so verhält, gilt sie automatisch als falsch und muss gezähmt werden. Umso spannender ist es, eine Welt zu sehen, in der „boys will be boys“ einfach nicht zieht. In dieser Gestalt wird Shrew zu einem Stück über zutiefst fehlerhafte, sehr kluge Frauen mit der Handlungsfreiheit und dem Selbstvertrauen von Männern; die unvollkommen sind, wirklich dumme Pläne schmieden – und trotzdem mit allem davonkommen.

Wenn ich einen Hauptmakel dieser Interpretation benennen müsste, dann Audiberts offenkundigen Mangel an Empathie für Kate. Im Bestreben, die Lacher zurück in diese Komödie zu holen (und das gelingt – es ist zugegeben sehr lustig, besonders in den Bianco-Szenen), bleibt Kate auf der Strecke. Dem Publikum wird kaum Zeit gelassen, über den Missbrauch nachzudenken, dem Kate ausgesetzt ist, bevor schon wieder die nächste Pointe sitzt – es wirkt ein wenig, als würde das zur Seite gewischt, damit wir schnell zurück zum Lachen können.

Müssen wir aufhören, Shrew zu spielen? Ich sage nein – aber wie Arkley in dieser ansonsten faszinierenden Inszenierung sollten wir anfangen, es als die Tragödie zu spielen, die es ist.

Noch bis 18. Januar 2020 im Barbican Theatre, London