REZENSION: Zurückdrehen der Uhr, St. James Theatre ✭✭✭✭

Die Zeit zurückdrehen – Lieder und Monologe

St James Studio

9. Juni 2015

4 Sterne

‘Eine dieser wunderbaren britischen „Battleaxe“-Frauen, die wissen, wie man Kuchen backt und Eindringlinge mit der Kraft der Aussprache in die Flucht schlägt’  (James Phillips, ‘Carousel’ in City Stories)

Diese Zeile aus einem der hervorragenden Kurzstücke der vergangenen Woche im St James Studio schlich sich mir wieder in den Kopf, als ich an denselben Ort zurückkehrte, um zu sehen, wie Cheryl Knight eine Folge von Joyce Grenfells Monologen und Liedern vortrug. Während sie sich einen Hut, der wie ein großes rosa Blancmange wirkte, fest aufsetzte und mit jener berühmten verschmitzten, vage anzüglichen Satire auf die etwas schrullige Sparsamkeit des WI – „Useful and Acceptable Gifts“ – loslegte, fragte ich mich, wie gut Grenfells Humor heute noch standhält, oder ob sie mittlerweile einfach nicht mehr unterscheidbar wäre von den munteren „Battleaxes“, die sie so oft porträtierte.

Grenfell war in den unmittelbaren Nachkriegsjahren auf dem Höhepunkt – eine Ära, die uns, zumindest in ihrem Humor, manchmal ferner erscheint als so manches frühere Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Würden der heitere Optimismus trotz der Fakten, die Stoik und die Scheu vor emotionaler Offenheit, die Selbstverständlichkeit sozialer Hierarchien und die wissende Zweideutigkeit – zugleich lüstern und prüde –, die damals als sexueller Witz durchging, diese Monologe unwiderruflich veraltet wirken lassen?

Umso erfreulicher, dass diese Sorgen durch die Tiefe und bisweilen verzweifelte Eindringlichkeit, die Cheryl Knight diesem Material entlockte, hinweggefegt wurden – und durch die souveräne Musikalität, die sie und ihr Pianist Paul Knight in die bittersüßen Liedtexte einbrachten, die ursprünglich von Richard Addinsell und Bill Blezard vertont wurden.

Als Nichte von Nancy Astor in privilegierte Verhältnisse geboren und in jungen Jahren oft in Cliveden anzutreffen, wurde Grenfell als Charakterdarstellerin bekannt – und als Cabaret-Künstlerin, deren verbindende Moderationen nach und nach gewichtiger und ausgearbeiteter wurden als ihre Lieder. Sie kannte in ihrem eigenen Leben mehr als nur einen Hauch von Enttäuschung und Traurigkeit, und gerade dies – zusammen mit ihrer scharfen sozialen Beobachtung der fein austarierten Schräglagen englischer Sitten – verleiht ihrem Werk bleibenden Wert.

Vordergründig stellt die Lust an der Sprache und an ihren Ausdrucksmöglichkeiten als Ironie sie neben Noël Coward. Doch wenn er Henry James ist, dann ist sie eher Edith Wharton: Am Ende hat sie mehr Herz als burschikose, spröde Raffinesse – und dieses Herz reicht hinaus zu den traurigen, blassen, vertanen Leben der Vorstadtfrauen, deren Hoffnungen starben, die aber dennoch weitermachen mussten. Auch die Musik trifft ins Schwarze: Für sich genommen könnten Addinsells bittersüße, harmonisch konventionelle, aber melodische Betrachtungen geschniegelt wirken; vor dem Hintergrund jeder dieser kleinen Szenen jedoch werden sie zu einem Unterstrom von Pathos und zu einer Klage über den Verlust von Möglichkeiten, die wirklich berührt.

Es gibt noch eine skeptische Frage anderer Art, die man ansprechen muss. Noch gar nicht so lange ist es her, dass Maureen Lipman mit Re:Joyce einen triumphalen Erfolg feierte. Lässt sich eine Wiederbelebung dieses Materials so bald in den Händen einer anderen rechtfertigen? Auch hier kann ich mit Freude sagen, dass Knight diese Bedenken früh zerstreute. Sie ist eine ganz andere Art von Performerin als Lipman – und es gibt genug Raum für beide.

In der Auswahl der Sketche (die eher ins Moll tendieren) und in einer oft sanften, zurückgenommenen Darbietung schafft Knight Distanz zur Bravour Lipmans. Bei Knight geschieht viel durch Verschiebungen in der Stimmfärbung oder durch einfache, symbolische Bewegungen auf der kleinen Bühne des St James Studio. Außerdem gibt sie dem Abend ein plausibles, ökonomisches biografisches Rückgrat, indem sie zwischen die Nummern Lesungen aus Grenfells Briefen an ihre Mutter und an ihre beste Freundin Virginia Graham streut. Ein Großteil dieses Materials ist erst seit Kurzem zugänglich und veröffentlicht.

Paul Knights Begleitungen und musikalische Untermalungen sind klar und gewandt; meist zurückgenommen und diskret, doch mit Verzierungen dort, wo die Dramaturgie sie verlangt. Zusammen erinnern sie uns daran, dass Grenfell vor allem eine Live-Künstlerin war, die häufig aus einem grundlegenden Kernmaterial heraus weitgehend improvisierte. Soll ihr Werk überleben, gehört es auf die Bühne – neu eingeführt von frischen Interpretinnen und Interpreten für jeweils neue Generationen von Zuschauerinnen, Zuschauern, Hörerinnen und Hörern.

Und was ist mit den Sketchen selbst? Die alten Favoriten wie „Ordinary Morning“ enttäuschen nicht und erinnern daran, wie geschickt Grenfell das Publikum dazu brachte, einen Großteil der Arbeit zu leisten, indem es die Vorstellungslücken füllte. Knights „Lumpy Latimer“ fängt die ganze grausige soziale Peinlichkeit des Klassentreffens ein und registriert zugleich den Sog enttäuschter Erwartungen, die als bürgerlicher Erfolg im mittleren Alter neu verpackt werden. Doch es gibt drei weniger bekannte kleine Szenen, die sich durch ihre Tiefe der Charakterzeichnung vom Rest abheben – hier von Knight vollständig vermittelt.

In „First Flight“ bewegt sich eine Frau, die zum ersten Mal fliegt und in die USA reist, von geschwätzig-oberflächlicher Nervosität zu einer tieferen Angst über die gemischtrassige Ehe ihrer Tochter – und darüber, wie verzweifelt sie den richtigen Weg finden möchte, Unterstützung anzubieten. In der Entschlossenheit der Figur, Wege aus dem konventionellen Rassismus ihrer Erziehung zu finden, ist das für die Zeit bemerkenswert vorausschauend. Dann gibt es „Telephone Call“, in dem sich eine Frau allmählich von ihrem Freund trennt, weil die Anforderungen der Pflege ihres Vaters überhandnehmen – dessen nörgelnde Ansprüche fortwährend von der Bühne her zu hören sind. Das ist ein unerbittlich trostloses, herzzerreißendes Stück, heute ebenso aktuell wie zum Zeitpunkt seiner Entstehung.

Schließlich liefert Knight in „Dear Francois“ ein dunkles, aber energisch trotzendes Plädoyer einer alleinerziehenden Mutter, das sie in unerwartetes Terrain führt – auch wenn es zu ihrer grundsätzlichen Behauptung passt, dass munteres Überleben in schwierigen Zeiten möglich ist. Alle drei Monologe könnten Alan Bennetts Talking Heads an Qualität psychologischer Einsicht und Autorität der Figur zur Seite stehen, und man fragt sich unweigerlich, wie sehr Bennett selbst in seinem späteren Arbeiten in diesem Genre tatsächlich von Grenfell beeinflusst war.

Bemerkenswert ist die Show auch, weil sie ein Lied wieder einführt, das 1967 für das Aldeburgh Festival als Tribut an Benjamin Britten geschrieben wurde. Das ist ein jazziges, sprachlich raffiniertes Stück opernhafter Parodie, das seitdem wahrscheinlich nie wieder aufgeführt worden ist. Es erinnert uns daran, dass Grenfell als Sängerin und Texterin zu weit mehr fähig war, als sie gewöhnlich auslotete.

Es bleibt ein leichtes Bedauern, dass sie – wie so viele englische Komikerinnen und Komiker ihrer Generation – nicht häufiger die Komfortzone verließ, in der sie sich ihren Ruf erfolgreich aufgebaut hatte. Umso dankbarer kann man den Knights sein, dass sie zeigen, wie hell ihr Erbe, komisch wie leise tragisch, noch immer leuchtet.

Turn Back The Clock läuft im St James Studio bis zum 14. Juni 2015