REZENSION: Wildefire, Hampstead Theatre ✭✭

Fraser James und Ricky Champ. Foto: Ellie Kurttz Wildefire

Hampstead Theatre

10. November 2014

2 Sterne

Der Dramatiker Roy Williams sagt über sein neues Stück Wildefire, das nun in einer Inszenierung von Maria Aberg am Hampstead Theatre seine Premiere feiert, Folgendes:

„Ich hatte instinktiv das Gefühl, dass eine weibliche (Polizei-)Beamtin viel interessanter wäre, weil sie sich in dieser Welt stärker beweisen müsste. Außerdem war es mir wichtig, dass meine Hauptfigur und ihr Ringen zur Metapher dafür werden, wo sich die Met heute womöglich selbst sieht. Und dass sie eine Frau ist, erhöht zusätzlich die Spannung.“

Auch wenn sich nicht wissen lässt, „wo sich die Met heute womöglich selbst sieht“, vermute ich doch, dass sie sich ganz sicher nicht so sieht, wie Williams sie hier zeichnet. Korrupt, dumm, töricht loyal zueinander und selbst kriminell – nein, ich bezweifle, dass die Met sich so wahrnimmt.

Genauso ist schwer nachzuvollziehen, warum es zwangsläufig so sein soll, dass eine Polizistin „in dieser Welt mehr zu beweisen“ habe oder dass eine weibliche Hauptfigur „zusätzliche Spannung“ erzeuge. Warum? Vielleicht müssen sich Frauen – wie in so vielen anderen Bereichen – tatsächlich dort beweisen, wo Männer es nicht müssen; doch das ist nichts, was speziell auf die Met beschränkt wäre, und das Stück liefert dafür keinen Beleg.

An dem, was Williams hier zu Papier gebracht hat, ist nichts neu – überhaupt nichts. The Bill und Prime Suspect haben all dieses Terrain längst abgedeckt – und weit überzeugender.

Gail ist eine Polizistin, die frisch auf eine Londoner Wache versetzt wird. Gleich bei ihrer Ankunft gibt sie Tipps, wie man Erbrochenes am besten wegputzt. Ja. Tut sie wirklich. Sie hat einen Ehemann und eine Tochter, und während sie sich in die Arbeit stürzt und darum kämpft, von den Kolleginnen und Kollegen akzeptiert zu werden, sieht ihre Familie sie immer seltener. Ihr Streifenpartner Spence zeigt ihr, wie der Hase läuft, und führt sie in die Realität seiner Art von Polizeiarbeit ein – er bezahlt Informanten für Informationen, entgegen den offiziellen Regeln.

Damit tut sie sich schwer, doch nachdem Spence vor ihren Augen brutal ermordet wird (eine Tat, die sie nicht verhindert – etwas, das sie danach verfolgt), versucht sie, sich nach seinem Vorbild zu formen: eine härtere, rücksichtslosere Polizistin zu werden. Das geht furchtbar schief, und sie wird aus dem Dienst entlassen – nach Drogenabhängigkeit, häuslicher Gewalt und beruflichen Fehlentscheidungen (unter anderem warnt sie einen Gangster vor einer bevorstehenden Razzia).

Statt für ihre zahlreichen Vergehen zur Rechenschaft gezogen zu werden, zeigt die letzte Szene des Stücks, wie sie – so gut sie kann – versucht, für eines der Opfer ihrer professionellen Fehleinschätzung und ihres verlorenen moralischen Kompasses etwas zu tun.

Es ist alles andere als klar, welchen Punkt Williams machen will. Es gibt viel Angst, Geschrei, Gewalt, Flüche und deutliche sexuelle Anspielungen – doch als Ganzes ist das weder stimmig noch erhellend. Einen besonderen Einblick in die Schwierigkeiten moderner Polizeiarbeit, für Männer oder Frauen, gibt es nicht.

Regisseurin Maria Aberg stellt sich den Herausforderungen, die Wildefire bietet, jedenfalls entschlossen. Es gibt einige erschreckend realistische Gewaltszenen – der Mord an Spence und sein Nachhall sind besonders eindrucksvoll. Szenen von Chaos, Ausschreitungen und häuslicher Gewalt sind laut, konfrontativ und von Schmerz durchdrungen. Tatsächlich ist dies ziemlich sicher eine bessere Inszenierung, als das Stück verdient.

Doch ein großer Teil der Dialoge ist kaum zu verstehen, und das meiste, was man hört, wird entweder geschrien oder schlecht gesprochen. Das macht es sehr schwierig, sich einzulassen oder Empathie für irgendeine Figur zu entwickeln. Die drei großen Ausnahmen sind Cian Barrys Vince (eine gelungene Zeichnung eines guten Mannes in einer schwierigen Lage), Ricky Champs Spence (der archetypische „Bobby“, der fürs größere Ganze ein Risiko eingeht, auch wenn er dafür eine Grenze überschreiten muss) und Sharlene Whytes Maxine (sie meisterte die unmöglich geschriebene Szene nach der Beerdigung ihres Mannes ganz außergewöhnlich).

In der zentralen Rolle wirkt Lorraine Stanley sowohl fehlbesetzt als auch unsicher. Viel wird aus der sexuellen Seite der Figur gemacht, doch Stanleys Gail erscheint beinahe asexuell; zugleich verlangt die Rolle Genauigkeit, Sorgfalt und Nuancen, aber Stanley bleibt in ihrer Darstellung ein einziges Rauschen. Statt Gails vielschichtige Zerstörung als schmerzhafte, aber nachvollziehbare Reise zu zeigen, ist Stanley schrill und grob, eine Karikatur, keine echte Person.

Tara Hodge spielt Kristal, eine Frau mit einem gewalttätigen Partner. Stanleys Gail versucht, sie zu ermutigen, die Gewalt anzuzeigen, doch Kristal weigert sich immer wieder. Als sie schließlich dazu bereit ist, verweigert Gail – wegen ihrer eigenen Probleme – die Hilfe, und Kristal wird daraufhin mit extremer Brutalität bewusstlos geschlagen. Sie bleibt verkrüppelt, vielleicht dauerhaft, ihr Kiefer ist zertrümmert; Schmerz wird ihr lebenslanger Begleiter sein. Stanleys bester Moment kommt in der berührenden Schlussszene, in der sie Kristal eine Zeichnung bringt, die eines von Kristals Kindern gemacht hat, und sich dem Schaden stellt, den sie (Gail) hat geschehen lassen.

Gute Arbeit leisten auch Danny Dalton (Gails Ehemann Sean) und Fraser John als Don, der ranghöhere Beamte im Team. Aber keine der beiden Rollen ist besonders gut geschrieben, daher bleibt wenig Spielraum für Großes. Und bei John lässt die Artikulation, besonders in lauten Massenszenen, einiges zu wünschen übrig.

Naomi Dawson liefert ein faszinierendes und wirkungsvolles Bühnenbild – ein ziemlich transformierendes Design für den Hampstead-Raum, das sowohl Intimität als auch Distanz ermöglicht, eine seltene Leistung. James Farncombe beleuchtet alles sehr gut, auch wenn Dawson die Nebelmaschinen etwas zu häufig einsetzt, um „Stimmung“ zu erzeugen.

Die Kampfszenen sind hervorragend choreografiert (Kate Waters), und die Bewegung ist gelungen (Ayse Tashkiran), auch wenn sie gelegentlich die Stimmung oder Wirkung eher stört als verstärkt. An einer Stelle gibt es ein merkwürdiges, ablenkendes Gruppenschütteln, möglicherweise als atmosphärischer Effekt gedacht.

Moderne Polizeiarbeit ist ein schwieriges Geschäft – ohne Frage. Nicht-weiße und weibliche Beamtinnen und Beamte haben es womöglich schwerer als ihre weißen, männlichen Kollegen. Doch dieses Stück trägt wenig dazu bei, das zu erhellen; stattdessen strahlt es Klischees aus und schlendert über ausgetretene Pfade. Es gibt mehrere Momente von unmittelbarem Grauen, gelegentlich einen Blick auf echte Tragik sowie einige sehr direkte Dialoge und Situationen.

Dies ist ein neues Stück, das nichts Neues zu sagen hat. Es ist eine verpasste Chance, Themen von wirklicher Bedeutung ernsthaft zu untersuchen: Gelten Sir Robert Peels neun Grundsätze der Polizeiarbeit – die Prinzipien, die eine ethische Polizei schaffen sollten – heute noch? Und wenn ja, werden sie angewandt?

Williams eröffnet das Stück mit einer Darlegung von Peels neun Grundsätzen, versäumt es dann jedoch, sie in irgendeiner stimmigen Weise weiterzudenken. Das Programmheft enthält einen ausgezeichneten Essay von Lord Paddick, dem früheren Deputy Assistant Commissioner der Metropolitan Police. Ein Stück, das die Fragen untersucht, die Paddick dort aufwirft … das wäre etwas.