CRITIQUE : Wildefire, Théâtre de Hampstead ✭✭

Fraser James et Ricky Champ. Photo : Ellie Kurttz Wildefire

Hampstead Theatre

10 novembre 2014

2 étoiles

Le dramaturge Roy Williams dit de sa nouvelle pièce, Wildefire, qui a maintenant sa première représentation dans une production de Maria Aberg pour le Hampstead Theatre, que :

"J'ai ressenti instinctivement qu'une femme (agent de police) serait beaucoup plus intéressante car elle aurait plus à prouver dans ce monde. Il était également important que mon personnage central et sa lutte soient la métaphore de là où la Met se voit peut-être aujourd'hui. Et en faire un personnage féminin ajoute une tension supplémentaire."

Bien qu'il ne soit pas possible de savoir "où la Met se voit peut-être aujourd'hui", je soupçonne, au-delà de tout doute, qu'elle ne se voit pas comme Williams l'a dépeinte ici. Corrompue, stupide, follement loyale envers elle-même et envers les criminels - non, je doute que la Met se voie de cette manière.

De même, il est difficile de comprendre pourquoi il est nécessaire qu'une femme officier ait "plus à prouver dans ce monde" ou que faire d'un personnage central féminin "ajoute une tension". Pourquoi ? Peut-être, comme dans tant d'autres domaines de la vie, les femmes sont-elles contraintes de prouver leur valeur là où les hommes ne le sont pas, mais ce n'est pas quelque chose de confiné à la Met et la pièce ne présente aucune preuve en ce sens.

Il n'y a rien de nouveau - absolument rien - dans ce que Williams a écrit ici. "The Bill" et "Prime Suspect" ont couvert tout ce terrain, et de manière bien plus convaincante.

Gail est une femme officier récemment transférée dans un poste de police à Londres. À son arrivée, elle propose des conseils sur la meilleure façon de nettoyer le vomi. Oui. Elle le fait. Elle a un mari et une fille, et alors qu'elle se consacre à son travail et s'efforce d'être acceptée par ses collègues officiers, sa famille la voit de moins en moins. Son partenaire de police, Spence, lui montre les ficelles du métier et lui présente les réalités de son type de police - il paie les informateurs pour obtenir des informations contrairement aux règles officielles.

Elle a des difficultés avec cela, mais après que Spence soit sauvagement assassiné sous ses yeux (un acte qu'elle ne fait rien pour empêcher, ce qui la hante par la suite), elle essaie de se modeler à son image, pour devenir une policière plus dure et plus impitoyable. Tout va terriblement mal et elle est renvoyée de la force, suite à une dépendance à la drogue, à la violence domestique et à des erreurs de jugement professionnel (y compris avoir averti un gangster d'une descente imminente).

Plutôt que d'être poursuivie pour ses nombreux crimes, la scène finale de la pièce la montre tentant, autant qu'elle le peut, de faire quelque chose pour l'une des victimes de son mauvais jugement professionnel et de sa boussole morale perdue.

Il n'est pas clair quel point Williams essaie de faire valoir. Il y a beaucoup d'angoisse, de cris, de violence, de vulgarité et de références sexuelles fortes - mais l'ensemble n'est ni cohérent ni révélateur. Aucun aperçu particulier des difficultés de la police moderne, pour les hommes ou les femmes, n'est donné.

Le réalisateur Maria Aberg confronte certainement les défis que Wildefire propose de front. Il y a une violence étonnamment réaliste - le meurtre de Spence et ses conséquences sont particulièrement puissants. Les scènes de chaos, d'émeutes et de violence domestique sont bruyantes, confrontantes et gravées de douleur. En effet, c'est presque certainement une meilleure production que ce que la pièce mérite.

Mais une grande partie des dialogues est inaudible et la plupart de ce qui peut être entendu est soit crié soit mal livré. Cela rend très difficile de s'engager ou de ressentir de l'empathie pour l'un des personnages. Les trois principales exceptions sont le Vince de Cian Barry (une belle caractérisation d'un homme bon dans une situation difficile), le Spence de Ricky Champ (le bobby archétypal, prêt à prendre un risque pour le bien commun même si cela signifie franchir une ligne) et la Maxine de Sharlene Whyte (elle a magistralement géré la scène impossible à écrire suivant les funérailles de son mari).

Dans le rôle central, Lorraine Stanley semble à la fois mal choisie et perdue. Beaucoup est fait de l'aspect sexuel du personnage, mais la Gail de Stanley semble presque anti-sexuelle; également, le rôle nécessite du détail, de l'attention et de la nuance, mais Stanley semble tout bruit blanc dans sa caractérisation. Plutôt que de faire de la destruction complexe du personnage de Gail une aventure douloureuse mais compréhensible, Stanley est criarde et large, un stéréotype, pas une personne réelle.

Tara Hodge joue Kristal, une femme avec un partenaire violent. La Gail de Stanley essaie de l'encourager à dénoncer la violence de son partenaire, mais elle refuse à plusieurs reprises. Puis, quand elle est prête à le faire, Gail, à cause de ses propres problèmes, refuse de l'aider et Kristal, à la suite, est battue brutalement et avec une extrême violence. Elle est paralysée, peut-être de manière permanente, sa mâchoire broyée; la douleur sera sa compagne pour la vie. Le meilleur moment de Stanley vient dans la scène finale touchante où elle apporte un dessin fait par l'un des enfants de Kristal à cette dernière et fait face aux dommages qu'elle (Gail) a permis de se produire.

Il y a un bon travail de la part de Danny Dalton (le mari de Gail, Sean) et Fraser John comme Don, l'officier supérieur de l'équipe. Mais aucune partie n'est particulièrement bien écrite, donc il y a peu de place pour un excellent travail. Et dans le cas de John, son articulation, surtout dans les scènes de foule bruyantes, laisse beaucoup à désirer.

Naomi Dawson propose un décor intrigant et efficace - c'est un design assez transformateur pour l'espace du Hampstead et permet à la fois l'intimité et la distance, un exploit rare. James Farncombe éclaire bien le tout même s'il y a trop d'utilisation de machines à fumée de la part de Dawson pour créer de "l'ambiance".

Les scènes de combat sont excellemment mises en scène (Kate Waters) et le mouvement est bon (Ayse Tashkiran) bien que parfois le mouvement distrait plutôt qu'il n'améliore l'ambiance ou l'effet. Il y a un curieux et distrayant tremblement de groupe à un moment donné, peut-être censé être atmosphérique.

La police moderne est un métier difficile - sans aucun doute. Les officiers non caucasiens et féminins peuvent très bien avoir un temps plus dur que leurs frères blancs et masculins. Mais cette pièce n'illumine guère ce problème, préfèrant irradier le cliché et le long de chemins bien usés. Il y a plusieurs moments d'horreur viscérale, un aperçu occasionnel d'une véritable tragédie et quelques dialogues et situations percutants.

C'est une nouvelle pièce sans rien de nouveau à dire. C'est une occasion manquée d'examiner correctement des sujets d'une réelle importance : les neuf principes de la police de Sir Robert Peel, les principes conçus pour créer une force de police éthique, s'appliquent-ils encore aujourd'hui ? Et s'ils le font, sont-ils appliqués ?

Williams commence cette pièce avec une articulation des neuf principes de Peel mais ne parvient pas ensuite à les examiner de quelque manière cohérente que ce soit. Le programme contient un excellent essai de Lord Paddick, ancien Commissaire adjoint de la police métropolitaine. Une pièce examinant les questions soulevées par Paddick là... cela serait quelque chose.