RECENSIONE: Wildefire, Hampstead Theatre ✭✭

Fraser James e Ricky Champ. Foto: Ellie Kurttz Wildefire

Hampstead Theatre

10 novembre 2014

2 stelle

Il drammaturgo Roy Williams dice del suo nuovo testo, Wildefire, che debutta in prima assoluta in una produzione di Maria Aberg per l’Hampstead Theatre, quanto segue:

"Ho avuto l’istinto che un’agente (di polizia) donna sarebbe stata molto più interessante, perché in questo ambiente avrebbe avuto più da dimostrare. Era anche importante che la mia protagonista e la sua lotta fossero la metafora di come la Met forse vede se stessa oggi. E renderla un personaggio femminile aggiunge tensione."

Per quanto non sia possibile sapere "come la Met forse vede se stessa oggi", sospetto che, senza alcun dubbio, non si veda come Williams la dipinge qui. Corrotta, stupida, scioccamente leale fra colleghi e criminale essa stessa: no, dubito che la Met si descriva così.

Allo stesso modo, è difficile capire perché dovrebbe essere necessariamente vero che un’agente donna avrebbe "più da dimostrare in questo mondo" o che rendere femminile il personaggio centrale "aggiunge tensione". Perché? Forse, come in molti altri ambiti della vita, le donne sono costrette a dimostrare ciò che agli uomini non viene richiesto, ma non è qualcosa di esclusivo della Met e lo spettacolo non porta prove in tal senso.

Non c’è niente di nuovo — ma proprio niente — in ciò che Williams ha scritto qui. The Bill e Prime Suspect hanno già battuto questo terreno, e in modo molto più avvincente.

Gail è un’agente appena trasferita in una stazione di polizia londinese. Al suo arrivo, dà consigli su come pulire al meglio il vomito. Sì. Proprio così. Ha un marito e una figlia e, mentre si butta a capofitto nel lavoro e cerca di essere accettata dai colleghi, la sua famiglia la vede sempre meno. Il suo partner di pattuglia, Spence, le spiega come funzionano le cose e la introduce alle realtà del suo modo di fare polizia: paga informatori in cambio di informazioni, in contrasto con le regole ufficiali.

Lei fatica ad accettarlo, ma dopo che Spence viene brutalmente ucciso davanti ai suoi occhi (un atto che non fa nulla per impedire, e che da quel momento la tormenta) prova a modellarsi sulla sua immagine, per diventare una poliziotta più dura e spietata. Va tutto terribilmente storto e viene espulsa dal corpo, dopo dipendenza da droghe, violenza domestica ed errori di giudizio professionale (tra cui avvisare un gangster di un’imminente retata).

Invece di essere perseguita per i suoi numerosi reati, la scena finale la mostra mentre cerca, per quanto le riesca, di fare qualcosa per una delle vittime del suo cattivo giudizio professionale e della bussola morale ormai smarrita.

Non è affatto chiaro quale sia il punto che Williams voglia sostenere. C’è molta angoscia, urla, violenza, volgarità e forti riferimenti sessuali — ma il risultato complessivo non è né coerente né rivelatore. Non viene offerta alcuna particolare chiave di lettura sulle difficoltà della polizia di oggi, per uomini o donne.

La regista Maria Aberg affronta certamente di petto le sfide che Wildefire propone. C’è una violenza cruda e molto realistica: l’omicidio di Spence e ciò che segue è particolarmente potente. Le scene di caos, disordini e violenza domestica sono rumorose, aggressive e marchiate dal dolore. Anzi, quasi certamente questa è una produzione migliore di quanto il testo meriti.

Ma una buona parte dei dialoghi è inudibile e ciò che si riesce a sentire è per lo più urlato o recitato in modo poco efficace. Questo rende molto difficile coinvolgersi o provare empatia per qualunque personaggio. Le tre principali eccezioni sono Vince di Cian Barry (una bella caratterizzazione di un uomo perbene in una posizione difficile), Spence di Ricky Champ (l’archetipo del “bobby”, disposto a rischiare per il bene comune anche se questo significa oltrepassare il limite) e Maxine di Sharlene Whyte (gestisce in modo eccezionale l’impossibile scena dopo il funerale del marito).

Nel ruolo centrale, Lorraine Stanley sembra sia un casting sbagliato sia spaesata. Si insiste molto sul lato sessuale del personaggio, ma la Gail di Stanley appare quasi anti-sessuale; allo stesso modo, il ruolo richiede dettaglio, cura e sfumature, ma Stanley sembra solo rumore bianco nella sua caratterizzazione. Invece di rendere la distruzione complessa di Gail un percorso doloroso ma comprensibile, Stanley è stridula e grossolana, una caricatura, non una persona reale.

Tara Hodge interpreta Kristal, una donna con un partner violento. La Gail di Stanley cerca di incoraggiarla a denunciare la violenza del compagno, ma lei rifiuta ripetutamente. Poi, quando finalmente sarebbe disposta a farlo, Gail, per via dei propri problemi, rifiuta di aiutarla e Kristal, di conseguenza, viene picchiata fino a perdere i sensi con violenza estrema. Resta menomata, forse in modo permanente, con la mandibola frantumata; il dolore sarà la sua compagna per tutta la vita. Il momento migliore di Stanley arriva nella toccante scena finale, quando le porta un disegno fatto da uno dei figli di Kristal e fa i conti con i danni che lei (Gail) ha permesso che accadessero.

C’è un buon lavoro sia da parte di Danny Dalton (Sean, il marito di Gail) sia di Fraser John nel ruolo di Don, l’ufficiale più anziano della squadra. Ma nessuna delle due parti è scritta particolarmente bene, quindi c’è poco spazio per un grande risultato. E nel caso di John, la sua dizione, soprattutto nelle rumorose scene di folla, lascia molto a desiderare.

Naomi Dawson firma una scenografia intrigante ed efficace: un progetto davvero trasformativo per lo spazio dell’Hampstead e che permette sia intimità sia distanza, un’impresa rara. James Farncombe illumina tutto con efficacia, anche se Dawson fa un uso forse eccessivo delle macchine del fumo per creare “atmosfera”.

Le scene di lotta sono allestite in modo eccellente (Kate Waters) e il movimento è ben curato (Ayse Tashkiran), anche se a tratti il movimento distoglie più che aumentare l’atmosfera o l’effetto. A un certo punto c’è un curioso e distraente tremolio di gruppo, probabilmente pensato come elemento atmosferico.

La polizia moderna è un mestiere difficile — senza dubbio. Agenti non caucasici e donne possono benissimo avere vita più dura dei colleghi bianchi e maschi. Ma questo testo fa poco per illuminare la questione, preferendo irradiare cliché e passeggiare su sentieri ormai consumati. Ci sono diversi momenti di orrore viscerale, qualche sporadico barlume di vera tragedia e alcuni dialoghi e situazioni diretti e senza filtri.

È un nuovo testo che non ha nulla di nuovo da dire. È un’occasione mancata per esaminare davvero temi di grande importanza: i nove principi di polizia di Sir Robert Peel, concepiti per creare una forza dell’ordine etica, valgono ancora oggi? E se sì, vengono applicati?

Williams apre il testo enunciando i nove principi di Peel, ma poi non riesce a prenderli in considerazione in modo coerente. Il programma di sala contiene un eccellente saggio di Lord Paddick, ex Deputy Assistant Commissioner della Metropolitan Police. Uno spettacolo che affrontasse i temi che Paddick solleva lì… quello sì che sarebbe qualcosa.