VORSCHAU: Der Zauberlehrling, Ambassadors Theatre

Julian Eaves besuchte eine Preview-Präsentation des neuen Musicals The Sorcerer's Apprentice von Ben Frost und Richard Hough.

Das hochbegabte Songwriting-Duo Ben Frost (Musik) und Richard Hough (Liedtexte) arbeitet sich in der Welt des Musicaltheaters stetig die Leiter der neuen Talente hinauf – und landet mit diesem, ihrem jüngsten Projekt, eine Reihe wichtiger Treffer. Nur zweimal zu sehen, in Workshop-„Konzert“-Aufführungen (auch wenn Ryan McBrydes Regie uns – zumindest was die sechs Hauptrollen und den Erzähler, also die hier verfügbaren Kräfte, betraf – fast eine vollständige Produktion bot), zuerst in Letchworth und dann im Ambassador’s vor einem stark branchengeprägten Publikum, war dies ein faszinierender Einblick in die Entwicklung eines neuen Musical-Abends.

Im Auftrag von James Seabright haben die beiden ihr eigenes Libretto entworfen und ausgearbeitet – inspiriert von, nicht basierend auf, der kurzen, herrlich derben und sehr komischen poetischen Skizze von Goethe (die wir alle aus Disneys punktgenauer Dramatisierung kennen, mit Micky Maus als schelmischem Möchtegern-Zauberer, in dem Animationsfilm von 1940, „Fantasia“). Los geht es grandios mit einer glanzvollen Eröffnungs-Solonummer für Tenor: Hier waren Neil McDermotts überwältigende stimmliche Mittel und seine Bühnenkunst zur Stelle, um „There's magic in the air“ in die Playlists jedes Musicalfans rund um den Globus zu katapultieren. Allein auf Basis dieser Nummer – erst recht in einer so großartigen Interpretation – weiss man: Das wird ein Abend voller Zauber und Nervenkitzel. Frosts Musik ist melodisch und emotional kraftvoll, und Houghs Textideen entfalten sich zu einer ganzen Welt und bereiten uns darauf vor, gemeinsam mit ihnen auf eine grosse Gefühlsreise zu gehen. Uns erwartet eine Erkundung der Spannungen zwischen persönlichem Empfinden und Wissenschaft, zwischen Glauben und Wahrheit. Goethe, eine Leitfigur der deutschen Romantik, hätte daran seine Freude.

Danach folgt eine Ereignisfolge mit einer Handvoll Figuren, die in der Vorlage nicht vorkommen. Bald zeigt sich, dass wir nicht die Worte des titelgebenden Helden hören, sondern die des Vaters des Zauberers, Johan Gottel – und der tollpatschige Umgang mit Magie liegt, in einer modernen Wendung, weder bei einem Jungen noch bei einer Maus, sondern bei seiner Tochter: Naomi Petersens wunderbar klingende Eva Gottel. Petersen tut alles, um Evas Energie und Menschlichkeit herauszustellen, und am überzeugendsten ist sie in ihren Songs, die sie mit aufregend klarer Attacke und präziser Phrasierung vorträgt. Frau Gottel ist nicht mehr im Bild; sie erlag einem bizarren Leiden, das sie in einen Schatten verwandelte. Auch hat der gesellschaftlich gut platzierte Herr Gottel danach keine Wiederverheiratung in Betracht gezogen (was, wie wir wissen, in Musicals, die im deutschsprachigen Europa spielen, durchaus vorkommt). Weitere Kinder gibt es nicht.

Früh im Stück jedoch hat Eva einen Unfall, als sie mit dem Fahrrad stürzt (was uns frühestens ins späte 19. Jahrhundert verortet – also eine Modernisierung von Goethes pseudo-mittelalterlichem Spass). Zeuge dieses Missgeschicks ist Blair Gibsons sympathischer Leutnant Erik. Währenddessen, in einem anderen Teil des Königreichs, siecht die regierende Monarchin Queen Larmia dahin (ein Name, der die Zuschauerinnen und Zuschauer vielleicht – oder auch nicht – an ein anderes Land erinnert, in dem Magisches zum Alltag gehört) und fällt ebenfalls dem noch unheilbaren Schattenvirus zum Opfer. In Tracie Bennett findet Larmia eine Darstellerin, die die Bühne mit grossem Können beherrscht und ihren Szenen lebendige Klarheit verleiht – selbst wenn sie mit sehr kühnen Wendungen im Glücks- und Unglücksstand ihrer Figur zurechtkommen muss. Wie es hierzulande offenbar Standard ist, ist auch sie alleinerziehend und hat nur ein Kind. Dieses entpuppt sich als Bösewicht des Abends: Jos Slovicks ölig-soziopathischer Prinz Fabian. Slovick darf dabei einige ziemlich umwerfende Musik singen und nutzt sein feines Oberregister mit angenehm leichter Hand. Schliesslich versucht der verlässliche Kanzler Breel – Nigel Richards in Bestform – den Schaden durch den Thronfolger zu begrenzen und meistert einige der markantesten Tonwechsel des Buchs mit Nonchalance. Ein Bestandteil des Showcases, der es uns erlaubte, ohne Bühnenbild von Ort zu Ort zu springen, war die einnehmende Erzählstimme der stets gut gelaunten Jan Ravens.

Durch das Ganze hindurch spielten Seann Alderking am ziemlich imposanten Flügel und Ed Scull am Schlagwerk Simon Nathans makellose Arrangements und entwickelten sie weiter – sie realisierten die Musik mit theatralischer Verve und liessen uns oft glauben, wir hörten eine komplette Theaterband. Das sagt, finde ich, einiges über die Qualität des musikalischen Teams.

Dieses Setup ist fantasievoll und ziemlich klar und sollte eine „kohärente und fesselnde Erzählung“ ermöglichen – das erklärte Ziel der Autor:innen. Und wie gleich zu Beginn gesagt: Das Opening ist ein verheerend wirksamer Moment, der zeigt, dass sie das Handwerk besitzen, das durchzuziehen und brillante Ergebnisse zu erzielen. Was aus diesem Anfang herauswächst, ist voller interessanter Möglichkeiten und wirft eine Reihe faszinierender Fragen auf. Zum Beispiel: Wenn dies Evas Geschichte ist, warum bekommt Johan dann die ersten drei Nummern der Show (die dritte wird allmählich zu einer Art Duett mit seiner Tochter, aber – dennoch – wirkt seine dominierende Position etwas ungewöhnlich)? Eine weitere Frage wäre: Wenn Eva die Handlung mit ihrem Wunsch antreibt, Zauberin zu werden, warum scheint sie dann so wenig Handlungsmacht zu besitzen und wird meist von den Männern um sie herum eher passiv „behandelt“ als selbst zu handeln?

Was die „Partitur“ betrifft, gibt es ein paar Anmerkungen – keine davon, da bin ich sicher, ist dem Kreativteam nicht schon selbst gekommen. Was wir hier haben, sind fast ausschliesslich einzelne Songs; es gibt ein paar Duette, darunter eines, in dem die diametral entgegengesetzte Queen und der Prince exakt dieselbe Musik singen (was, wie wir inzwischen merken, dramaturgisch überhaupt keinen Sinn ergibt). Merkwürdigerweise gibt es nur eine Ensemble-Nummer: Sie ist ein sehr komplexer und wunderbarer polyphoner Moment in der Show, wirft aber umso stärker das Fehlen miteinander verwobener vokaler Texturen an anderer Stelle ins grelle Licht. Und recht viele Nummern sind eher langsam, mit reichlich dunkleren, mollgeprägten Klangfarben. Musikalisch lässt das das Tempo der Handlung im Verlauf der Geschichte langsamer erscheinen.

Einige im Publikum fragten: Wenn das hier weiterentwickelt wird – womit soll es dann konkurrieren? Die naheliegende Antwort lautet: „Wicked“. Und der Vergleich ist, so lässt sich argumentieren, lehrreich. Stephen Schwartz hat nicht nur eine enorme Menge Material verarbeitet und unzählige Umarbeitungen am Buch durchlaufen, bevor er zu der Gewinnkombination kam, die die finale Show ist; er stellte auch die Beziehungen, die Elphaba hat, ins Zentrum der Geschichte und machte ihre berufliche Option zu einer vergleichsweise zweitrangigen Angelegenheit. In Bezug darauf, wie sehr das Publikum die Hauptfigur ins Herz schliessen und sich eng mit ihr identifizieren kann, war das offenbar ein sehr kluger Schritt. In Frost und Houghs postmodernisierter Version eines alten Märchens könnten sie, während sie das Projekt vorantreiben, sehr gut bereits darüber nachdenken, wie sie dieser besonderen Herausforderung weiter begegnen. Ich denke, sie besitzen Talent und Fantasie im Überfluss, um sie zu meistern – und Ergebnisse zu erzielen, die noch wunderbarer sein werden als das, was wir bei dieser ersten öffentlichen Präsentation einer grossartigen neuen Show gehört haben.

Bevor es so weit ist, werden wir das Vergnügen haben zu sehen, was sie mit der Geschichte von „Billy The Kid“ für das National Youth Music Theatre in ihrer Sommer-Spielzeit im Leicester Curve anstellen. Also: dranbleiben! Da stehen definitiv ein paar neue Namen in den Startlöchern. Und herzlichen Glückwunsch an James Seabright, der die Weitsicht hatte, dieses spannende Projekt anzustossen und konsequent weiterzuverfolgen – und eine so schöne Arbeit auf die Bühne zu bringen.

Dies war eine Workshop-Konzertaufführung, und wie üblich werden für solche Veranstaltungen keine Sterne vergeben.

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