PRÓXIMOS: O Aprendiz de Feiticeiro, Teatro Ambassadors

Julian Eaves assistiu a uma apresentação de antevisão do novo musical The Sorcerer's Apprentice, de Ben Frost e Richard Hough.

A extraordinariamente talentosa dupla de compositores Ben Frost (música) e Richard Hough (letras) tem vindo a subir, de forma consistente, na hierarquia dos novos nomes do teatro musical e, com este — o seu projecto mais recente — alcança vários êxitos importantes. Visto apenas duas vezes, em apresentações de workshop em formato de “concerto” (embora a encenação de Ryan McBryde nos tenha dado quase um espectáculo completo, pelo menos no que respeita aos seis intérpretes principais e ao narrador — as forças disponíveis aqui), primeiro em Letchworth e depois no The Ambassador’s, perante uma plateia recheada de profissionais do sector, foi uma visão fascinante sobre o desenvolvimento de um novo entretenimento musical.

Encomendado por James Seabright, o duo concebeu e desenvolveu o seu próprio libreto, inspirado — mais do que baseado — no breve e deliciosamente cómico esboço poético de Goethe (aquele que todos conhecemos pela dramatização rigorosa da Disney, com o Mickey Mouse como o travesso aspirante a feiticeiro, na animação de 1940, ‘Fantasia’). Começa de forma magnífica com um número de abertura glorioso, a solo, para tenor: aqui, o impressionante poder vocal e a arte de palco de Neil McDermott estiveram ao serviço de pôr “There's magic in the air” directamente nas playlists de qualquer fã de musicais, em qualquer parte do mundo. Só por esse número — sobretudo com uma interpretação tão esplendorosa — percebe-se que estamos perante uma noite de encanto e emoção. A música de Frost é de um lirismo poderoso e as ideias de Hough nas letras desdobram-se para criar um mundo inteiro, preparando-nos para os acompanhar numa grande viagem emocional. Vem aí uma exploração das tensões entre sentimentos pessoais e ciência, entre crença e verdade. Goethe, figura maior do romantismo alemão, ficaria encantado com isto.

O que se segue é uma sequência de acontecimentos que envolve um conjunto de personagens não mencionadas na fonte. Depressa se percebe que não estamos a ouvir as palavras do herói homónimo, mas do pai do feiticeiro, Johan Gottel, e que o desastrado utilizador de magia — numa reviravolta moderna — não é nem rapaz nem rato, mas sim a sua filha, a Eva Gottel de Naomi Petersen, maravilhosamente cantada. Petersen faz tudo para sublinhar a energia e a humanidade de Eva e é mais convincente nas canções, entregues com uma clareza de ataque e de fraseado entusiasmante. A Frau Gottel não entra no quadro: sucumbiu a uma doença bizarra que a transformou numa sombra; e Herr Gottel, socialmente bem colocado, não ponderou voltar a casar (o que, como sabemos, pode mesmo acontecer em musicais ambientados na Europa de língua alemã). Não há outros filhos.

Logo no início, porém, Eva sofre um acidente ao cair da bicicleta (o que nos coloca, no mínimo, no final do século XIX: portanto, uma modernização da divertida pseudo-medievalidade de Goethe). Testemunha desse incidente é o simpático Tenente Erik, interpretado por Blair Gibson. Entretanto, noutra parte do reino, a monarca sénior, Rainha Larmia (um nome que pode ou não fazer lembrar aos espectadores outra terra onde a magia é o pão-nosso de cada dia), está a definhar, também vítima do ainda incurável vírus das sombras. Em Tracie Bennett, Larmia encontra uma intérprete que domina o palco com grande mestria, dando sentido e vivacidade às suas cenas, mesmo tendo de lidar com mudanças muito arrojadas no rumo da sua sorte. Como parece ser norma por cá, é mais uma mãe solteira com apenas um filho. A sua prole revela-se o vilão da história: o untuoso e sociopata Príncipe Fabian, de Jos Slovick. Slovick tem oportunidade de cantar música verdadeiramente notável, explorando o seu excelente registo agudo com uma facilidade cativante. Por fim, o fiel Chanceler Breel — Nigel Richards, em grande forma — tenta limitar os estragos do herdeiro aparente e navega com descontração por algumas das mudanças de tom mais marcantes do texto. Um ingrediente fornecido para esta apresentação, permitindo-nos passar de um lugar para outro sem o apoio de cenários, foi a narração cativante da sempre bem-disposta Jan Ravens.

Ao longo de tudo, Seann Alderking, num piano de cauda bastante imponente, e Ed Scull, na percussão, tocaram e expandiram os arranjos impecáveis de Simon Nathan, concretizando a música com uma elegância teatral: muitas vezes convencendo-nos de que estávamos a ouvir uma banda completa de fosso, o que diz muito — julgo eu — sobre a qualidade da equipa musical.

Esta premissa é imaginativa e bastante clara e deverá permitir uma “narrativa coerente e envolvente”, que é o objectivo assumido dos autores. E, como foi dito desde o início, a abertura é um momento de eficácia devastadora, sinal de que têm unhas para levar isto até ao fim e obter resultados brilhantes. O que cresce a partir dessa abertura está cheio de potencial e levanta várias questões fascinantes. Por exemplo: se esta é a história de Eva, porque é que Johan tem os três primeiros números do espectáculo (o terceiro transforma-se gradualmente numa espécie de dueto com a filha, mas — ainda assim — a sua posição dominante parece um pouco invulgar). Outra questão: se Eva impulsiona a história com o desejo de se tornar feiticeira, porque é que aparentemente tem tão pouca agência e, na maior parte do tempo, é tratada de forma passiva por todos os homens à sua volta.

Quanto à “partitura”, há alguns comentários a fazer — nenhum dos quais, estou certo, ainda não tenha ocorrido à equipa criativa. O que temos aqui são quase todas canções individuais; há dois ou três duetos, incluindo um em que a Rainha e o Príncipe, diametralmente opostos, cantam exactamente a mesma música (o que, como agora percebemos, não faz qualquer sentido dramático). Estranhamente, existe apenas um número de conjunto: é um momento polifónico muito complexo e maravilhoso no espectáculo, mas acaba por evidenciar, em forte contraste, a ausência de texturas vocais interligadas noutros pontos. E bastantes dos números são mais lentos, com abundância de tonalidades mais escuras, em modos menores. Musicalmente, isso faz com que o ritmo da acção pareça abrandar à medida que a história avança.

Alguns membros do público perguntavam: se isto está a ser desenvolvido, então com o que é que vai competir? A resposta óbvia é “Wicked”. E a comparação é, discutivelmente, instrutiva. Stephen Schwartz não só processou uma quantidade imensa de material e passou por intermináveis reescritas do texto antes de chegar à combinação vencedora que é o espectáculo final, como colocou as relações de Elphaba no centro da história, deixando a sua opção de carreira num plano relativamente secundário. Para conquistar a capacidade do público de se afeiçoar à personagem central e se identificar intimamente com ela, essa parece ter sido uma escolha muito sensata. Na pós-modernização de um velho conto de fadas por Frost e Hough, à medida que avançam com o projecto, é bem possível que já estejam a pensar em como continuar a enfrentar esse desafio específico. Creio que possuem em abundância o talento e a imaginação para o fazer — e para produzir resultados ainda mais maravilhosos do que aquilo que ouvimos nesta primeira apresentação pública de um excelente novo espectáculo.

Antes disso, teremos o prazer de ver o que fazem com a história de “Billy The Kid” para o National Youth Music Theatre, na temporada deste verão no Leicester Curve. Portanto, fiquem atentos! Há, sem dúvida, dois novos nomes a aparecer. E muitos parabéns a James Seabright, que teve a visão de dar início e levar por diante este projecto entusiasmante, trazendo um trabalho tão bonito para o palco.

Tratou-se de uma apresentação de workshop em formato de concerto e, de acordo com a prática habitual, não são atribuídas estrelas a este tipo de eventos.

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