PRÓXIMAMENTE: El Aprendiz de Brujo, Teatro Ambassadors

Julian Eaves asistió a una presentación previa del nuevo musical The Sorcerer's Apprentice, de Ben Frost y Richard Hough.

El magníficamente dotado tándem de composición formado por Ben Frost (música) y Richard Hough (letras) va subiendo con paso firme en la escala de nuevos talentos del teatro musical y, con este —su proyecto más reciente—, suma varios aciertos importantes. Visto solo en dos ocasiones, en funciones tipo “concierto” de taller (aunque la dirección de Ryan McBryde nos ofreció casi un montaje completo, al menos en lo que respecta a los seis protagonistas y el narrador —las fuerzas disponibles aquí—), primero en Letchworth y después en The Ambassador’s ante un público cargado de profesionales del sector, fue una mirada fascinante al desarrollo de un nuevo entretenimiento musical.

Por encargo de James Seabright, la pareja ha ideado y desarrollado su propio libreto, inspirado —más que basado— en el breve y desternillante esbozo poético de Goethe (el que todos conocemos por la precisa dramatización de Disney, con Mickey Mouse como el travieso aspirante a mago, en la animación de 1940, Fantasia). Arranca de forma magnífica con un deslumbrante número solista de apertura para tenor: aquí, el impresionante caudal vocal y el arte escénico de Neil McDermott bastaron para colocar “There's magic in the air” en las listas de reproducción de cualquier aficionado a los musicales en todo el mundo. Solo por ese número —y más aún con una interpretación tan espléndida—, sabes que te espera una velada de hechizo y emoción. La música de Frost es lírica y poderosa, y las ideas de Hough en las letras se despliegan para crear un mundo entero, preparándonos para acompañarles en un gran viaje emocional. Nos espera una exploración de las tensiones entre los sentimientos personales y la ciencia, entre la creencia y la verdad. Goethe, figura clave del romanticismo alemán, estaría encantado con esto.

Lo que sigue es una sucesión de acontecimientos que involucra a un ramillete de personajes no mencionados en la fuente. Pronto queda claro que no escuchamos las palabras del héroe epónimo, sino las del padre del hechicero, Johan Gottel; y el torpe manejador de la magia —en un giro contemporáneo— no es ni un niño ni un ratón, sino su hija, Eva Gottel, con la hermosa voz de Naomi Petersen. Petersen hace todo lo posible por subrayar la energía y la humanidad de Eva, y resulta más convincente en sus canciones, que entrega con un ataque y un fraseo emocionante y cristalinos. Frau Gottel no aparece, tras sucumbir a una extraña dolencia que la convirtió en sombra; tampoco el socialmente bien situado Herr Gottel ha considerado después volver a casarse (algo que, como sabemos, puede y suele ocurrir en los musicales ambientados en la Europa de habla alemana). No hay más hijos.

Al principio, sin embargo, Eva sufre un accidente al caerse de la bicicleta (lo que nos sitúa, como pronto, a finales del siglo XIX: una modernización del juego seudomedieval de Goethe). Testigo del percance es el simpático teniente Erik, interpretado por Blair Gibson. Mientras tanto, en otra parte del reino, la monarca reinante, la reina Larmia (un nombre que puede o no recordar al público a otra tierra donde lo mágico es el pan de cada día), se va apagando, también víctima del todavía intratable virus de la sombra. En Tracie Bennett, Larmia encuentra una intérprete que domina el escenario con gran habilidad, dando un sentido vívido a sus escenas, incluso cuando tiene que lidiar con cambios muy audaces en el rumbo de su fortuna. Como parece habitual en este país, es otra madre soltera con un solo hijo. Ese vástago resulta ser el villano de la función: el príncipe Fabian, un Jos Slovick untuosamente sociópata. Slovick llega a cantar música realmente asombrosa, explotando su fino registro agudo con una facilidad muy atractiva. Por último, el fiable canciller Breel —Nigel Richards, en estado de gracia— intenta limitar cualquier daño por parte del heredero y transita con desenvoltura algunos de los cambios de tono más destacados del texto. Un ingrediente aportado para este pase, que nos permitió cambiar de lugar sin escenografía, fue la narración tan amena como siempre de la inagotablemente buenhumorada Jan Ravens.

A lo largo de todo, Seann Alderking al piano —de porte bastante grandioso— y Ed Scull en la percusión interpretaron y desarrollaron los impecables arreglos de Simon Nathan, materializando la música con una panache teatral: a menudo nos convencían de que estábamos escuchando una banda completa de teatro, lo cual dice mucho, creo, de la calidad del equipo musical.

El planteamiento es imaginativo y bastante claro, y debería permitir una “narrativa coherente y cautivadora”, que es el objetivo declarado de los autores. Y, como se ha dicho desde el primer momento, el arranque es un golpe de efecto devastadoramente eficaz que demuestra que tienen mimbres para llevar esto a buen puerto y lograr resultados brillantes. Lo que crece a partir de esa apertura está lleno de posibilidades interesantes y plantea varias preguntas fascinantes. Por ejemplo, si esta es la historia de Eva, ¿por qué Johan se lleva los tres primeros números del espectáculo (el tercero va convirtiéndose poco a poco en una especie de dúo con su hija, pero —aun así— su posición dominante resulta algo inusual)? Otra cuestión podría ser: si Eva impulsa la historia con su deseo de convertirse en hechicera, ¿por qué parece tener tan poca capacidad de acción y suele ser objeto pasivo de lo que hacen los hombres a su alrededor?

En cuanto a la “partitura”, hay algunos comentarios que hacer, ninguno de los cuales, estoy seguro, no se le haya ocurrido ya al equipo creativo. Lo que tenemos aquí son casi todas canciones individuales; hay un par de dúos, incluido uno en el que la reina y el príncipe, diametralmente opuestos, cantan exactamente la misma música (lo cual, como ahora comprendemos, no tiene ningún sentido dramático). Extrañamente, solo hay un número de conjunto: es un momento polifónico muy complejo y maravilloso del espectáculo, pero deja en evidencia la ausencia de texturas vocales entrelazadas en el resto. Y bastantes de los números tiran hacia lo lento, con abundancia de modos menores, más oscuros. Musicalmente, esto hace que el ritmo de la acción parezca desacelerarse a medida que avanza la historia.

Algunos miembros del público se preguntaban: si esto está en desarrollo, ¿con qué va a competir? La respuesta obvia es: “Wicked”. Y la comparación es, sin duda, instructiva. Stephen Schwartz no solo procesó una cantidad inmensa de material y pasó por interminables reescrituras del libreto antes de dar con la combinación ganadora que es el espectáculo final, sino que situó en el corazón de la historia las relaciones de Elphaba y dejó su opción profesional en un plano comparativamente secundario. De cara a conectar con la capacidad del público para tomar cariño a la protagonista e identificarse estrechamente con ella, fue una decisión muy acertada. En la posmodernización de Frost y Hough de un viejo cuento, a medida que avancen con el proyecto, es muy posible que ya estén pensando en cómo seguir afrontando ese reto en concreto. Creo que poseen de sobra el talento y la imaginación para abordarlo y ofrecer resultados aún más maravillosos que lo que escuchamos en esta primera muestra pública de un estupendo espectáculo nuevo.

Antes de que eso ocurra, tendremos el placer de ver qué hacen con la historia de Billy The Kid para el National Youth Music Theatre en su temporada de este verano en Leicester Curve. Así que, atentos. Sin duda, han llegado un par de nuevos talentos. Y enhorabuena a James Seabright, que ha tenido la visión de poner en marcha y llevar hasta el final este emocionante proyecto y de llevar un trabajo tan hermoso al escenario.

Esto fue un concierto de taller y, de acuerdo con la práctica habitual, no se asignan estrellas a este tipo de eventos.

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