PROSSIMAMENTE: L'apprendista stregone, Teatro degli Ambasciatori

Julian Eaves ha assistito a una presentazione in anteprima del nuovo musical The Sorcerer's Apprentice di Ben Frost e Richard Hough.

Il meravigliosamente dotato team di autori composto da Ben Frost (musica) e Richard Hough (testi) sta salendo con costanza i gradini della nuova scena del musical, e con questo – il loro progetto più recente – centra una serie di importanti risultati. Visto soltanto due volte, in esecuzioni “da workshop” in forma di concerto (anche se la regia di Ryan McBryde ci ha regalato quasi uno spettacolo completo, almeno per quanto riguarda i sei interpreti principali e il narratore – cioè le forze disponibili in questa occasione), prima a Letchworth e poi all’Ambassador’s davanti a una platea ricca di addetti ai lavori, è stato uno sguardo davvero affascinante sullo sviluppo di un nuovo intrattenimento musicale.

Su commissione di James Seabright, i due hanno ideato e sviluppato un libretto originale, ispirato – più che basato – al breve e spassosissimo bozzetto poetico di Goethe (quello che tutti conosciamo grazie alla trasposizione estremamente fedele della Disney, con Topolino nei panni dell’aspirante mago birichino, nel film d’animazione del 1940, ‘Fantasia’). L’inizio è magnifico: uno splendido numero solista d’apertura per tenore. Qui le straordinarie doti vocali e l’arte scenica di Neil McDermott hanno tutto quello che serve per far finire “There's magic in the air” nelle playlist di ogni appassionato di musical, anche nel Regno Unito e oltre. Già solo con quel brano – soprattutto in un’esecuzione così smagliante – capisci che ti aspetta una serata di incanto e brividi. La musica di Frost è di una forza lirica notevole e le idee di Hough nei testi si dispiegano creando un mondo intero, preparandoci a seguirli in un grande viaggio emotivo. Ci aspetta un’esplorazione delle tensioni tra sentimenti personali e scienza, tra fede e verità. Goethe, figura di spicco del romanticismo tedesco, ne sarebbe entusiasta.

Da lì in poi si sussegue una sequenza di eventi che coinvolge un gruppo di personaggi non presenti nella fonte. Ben presto scopriamo che non stiamo ascoltando le parole dell’eroe eponimo, bensì quelle del padre del mago, Johan Gottel, e che l’impacciata maneggiatrice della magia – con una svolta moderna – non è né un ragazzo né un topo, ma sua figlia, l’Eva Gottel di Naomi Petersen, dalla voce splendida. Petersen fa di tutto per mettere in risalto l’energia e l’umanità di Eva ed è al massimo della persuasione nelle canzoni, consegnate con un attacco e un fraseggio entusiasmanti per chiarezza. Frau Gottel non è in scena: è soccorsa a una bizzarra malattia che l’ha trasformata in un’ombra; e Herr Gottel, socialmente ben posizionato, non ha poi preso in considerazione l’idea di risposarsi (cosa che, come sappiamo, nei musical ambientati nell’Europa di lingua tedesca può accadere eccome). Non ci sono altri figli.

All’inizio, però, Eva ha un incidente cadendo dalla bicicletta (il che ci colloca, al più presto, nella tarda epoca vittoriana: dunque una modernizzazione della scorribanda pseudo-medievale di Goethe). Testimone dell’accaduto è il simpatico Tenente Erik interpretato da Blair Gibson. Nel frattempo, in un’altra parte del regno, l’anziana sovrana, la Regina Larmia (un nome che può ricordare o meno a qualcuno un’altra terra dove le cose magiche sono all’ordine del giorno), sta spegnendosi, anche lei vittima del virus-ombra, ancora incurabile. In Tracie Bennett, Larmia trova un’interprete che domina la scena con grande maestria, dando un senso vivido alle sue sequenze anche quando deve affrontare cambiamenti molto audaci nella sorte del personaggio. Come spesso sembra accadere da queste parti, anche lei è una madre single con un solo figlio. Che, guarda caso, è il cattivo della storia: il Principe Fabian, interpretato da Jos Slovick, untuoso e sociopatico quanto basta. Slovick può contare su musica davvero notevole, sfruttando con naturalezza e fascino il suo bel registro acuto. Infine, il fidato Cancelliere Breel – Nigel Richards, in gran forma – cerca di contenere i danni dell’erede al trono e affronta con disinvoltura alcuni dei più marcati cambi di tono della drammaturgia. Un ingrediente prezioso di questa vetrina, che ci ha permesso di spostarci da un luogo all’altro senza l’aiuto di scenografie, è stata l’accattivante narrazione della sempre sorridente Jan Ravens.

Per tutta la serata, Seann Alderking a un pianoforte di tutto rispetto ed Ed Scull alle percussioni hanno eseguito e arricchito gli impeccabili arrangiamenti di Simon Nathan, realizzando la musica con verve teatrale: spesso ci hanno convinti di ascoltare una vera orchestra da musical, e questo dice molto, credo, sulla qualità del team musicale.

L’impianto è immaginifico e abbastanza chiaro, e dovrebbe consentire quella “narrazione coerente e avvincente” che gli autori dichiarano come obiettivo. E, come detto subito, l’apertura è un momento di una efficacia devastante, segno che hanno i numeri per portare il tutto a compimento e ottenere risultati brillanti. Ciò che nasce da quell’avvio è ricco di potenzialità interessanti e solleva diverse domande stimolanti. Per esempio: se questa è la storia di Eva, perché Johan ha i primi tre numeri dello spettacolo (il terzo diventa gradualmente una sorta di duetto con la figlia, ma – anche così – la sua posizione dominante appare un po’ insolita)? Un’altra domanda: se Eva muove la vicenda con il desiderio di diventare una maga, perché sembra avere così poca agency e, nella maggior parte dei casi, subisce passivamente le azioni di tutti gli uomini intorno a lei?

Quanto alla “partitura”, ci sono alcune osservazioni da fare, nessuna delle quali – ne sono certo – non sia già venuta in mente al team creativo. Qui abbiamo quasi esclusivamente canzoni autonome; ci sono un paio di duetti, compreso uno in cui la Regina e il Principe, diametralmente opposti, cantano esattamente la stessa musica (il che, come ormai ci rendiamo conto, non ha alcun senso drammaturgico). Stranamente, c’è un solo numero d’insieme: è un momento polifonico complesso e meraviglioso, ma finisce per mettere in risalto in modo netto l’assenza, altrove, di tessiture vocali intrecciate. Inoltre molti brani sono piuttosto lenti, con abbondanza di tonalità minori e colori più cupi. Musicalmente, questo fa percepire un rallentamento del ritmo d’azione man mano che la storia procede.

Alcuni spettatori si chiedevano: se lo stanno sviluppando, con che cosa dovrà competere? La risposta più ovvia è “Wicked”. E il paragone è, probabilmente, istruttivo. Stephen Schwartz non solo ha lavorato su una quantità enorme di materiale e ha affrontato infinite riscritture del copione prima di arrivare alla combinazione vincente che è lo spettacolo finale, ma ha anche messo al centro della storia le relazioni di Elphaba, rendendo la sua “carriera” una questione relativamente secondaria. Per permettere al pubblico di affezionarsi alla protagonista e identificarsi con lei da vicino, è stata una scelta davvero saggia. Nella post-modernizzazione di una vecchia fiaba firmata Frost e Hough, proseguendo con il progetto, è molto probabile che stiano già pensando a come continuare ad affrontare proprio quella sfida. Credo che abbiano in abbondanza talento e immaginazione per riuscirci e ottenere risultati ancora più straordinari di quelli ascoltati in questa prima presentazione pubblica di un nuovo spettacolo davvero notevole.

Prima che ciò accada, avremo il piacere di vedere cosa faranno con la storia di “Billy The Kid” per il National Youth Music Theatre, nella loro stagione estiva al Leicester Curve. Quindi, teneteli d’occhio! Due nuovi ragazzi sono decisamente arrivati sulla scena. E tantissimi complimenti a James Seabright, che ha avuto la visione di dare il via a questo progetto entusiasmante, portarlo avanti fino in fondo e far arrivare sul palcoscenico un lavoro così bello.

Si trattava di un workshop in forma di concerto e, come da prassi, a eventi di questo tipo non vengono assegnate stelle.

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