ENTREVISTA: Alexandra Spencer-Jones, Directora Artística

Ewan Stuart charla con la directora artística de la compañía Action to the Word Theatre Company. Alexandra Spencer-Jones ha trabajado anteriormente en Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, por la que ganó el premio MTM:UK a Mejor Artista Emergente, y en A Clockwork Orange, que ahora se ha embarcado en una gira mundial. Su espectáculo actual The Oresteia: Part 3 Eumenides se estrena en Camden People’s Theatre. The Oresteia: Part 3 Eumenides es la parte final de una trilogía de obras en la que has estado trabajando. ¿De qué va todo esto? En esencia, las tres partes son una lucha de la oscuridad hacia la luz; tienes que atravesar todo el fango para llegar a la salvación. Es la versión de los antiguos griegos del relato de Cristo y la creación de la democracia en el sentido más puro de la palabra. Así que esta tercera parte trata de atar muchos cabos sueltos y de poner en cuestión no solo los crímenes de las tres partes anteriores, sino también los crímenes de las generaciones previas. Todo recae sobre los hombros de un solo hombre, que ha matado a su madre, pero con ese acto asume la responsabilidad de generación tras generación de los agravios de su familia, que son horribles, totalmente horribles. Como Hamlet, pero muchísimo más, porque él rinde cuentas por los errores de todos los que vinieron antes. Suena a un reto considerable; ¿ha encajado todo sin demasiados sobresaltos? ¡Fue una pesadilla cuando llegamos a la tercera parte la primera vez! Perdí al actor que interpretaba a Orestes en la segunda, porque consiguió un puesto en una gira internacional, que era su sueño hecho realidad, y, claro, el nuestro era un contrato tan corto… Y era difícil que rechazara una gira mundial, así que lo pospuse. No quería hacerlo sin él. Él es tan parte de esto como yo. Es el actor principal de la trilogía, Tom Christian. Ha trabajado conmigo en repertorio durante unos años, es un actor increíble; me dio Titus, estuvo en A Clockwork Orange cuando empezó… tengo una muy buena relación de trabajo con él. Parece que hay mucha gente implicada en la producción. ¿Qué fue lo que te impulsó a hacerla? Para empezar, la estudié en griego antiguo y me enamoré de la historia hace muchísimos años. La idea de situar la primera parte en un contexto de 1945 me pareció cristalina. Es algo que experimenté en la universidad, e hice allí una producción-taller de Agamemnon con un coro de chicas de la RAF. Pude explorar ese tema mucho más a fondo y contar con un coro de Land Girls cuando lo hicimos en 2010. Los coros de los tres espectáculos están conectados a su manera. Pero cada uno tiene su propio carácter, su propio trasfondo y su propia contribución a la historia. Mi gran ambición era incorporar a la trama algo de la historia reciente, de modo que reconociéramos el esfuerzo de la guerra: así, la Guerra de Troya se convierte en nuestra Segunda Guerra Mundial. Llegar al final de una trilogía debe de sentirse enorme para todos, pero para ti, con todo el trabajo extra que conlleva, ¿es el final de algo aún mayor? Para mí es algo gigantesco, porque empezamos con Agamemnon en 2010, así que para mí tiene muchísimo peso. Y, en contraste con el cierre de esta trilogía, tu vida con Action to the Word empieza a estar mucho más ajetreada, ¿no? Tenéis A Clockwork Orange de gira mundial; y vuestro trabajo está empezando a llamar la atención. ¿Cómo ha cambiado eso a la compañía? Volvió de Hong Kong la semana pasada, y yo estuve con el montaje. En esencia, Clockwork es como nuestro… quiero decir, en realidad somos una compañía shakespeariana. Todo nació de Shakespeare y todavía todo nace de Shakespeare. Clockwork… llevamos una temporada al Fringe en 2011; ese año teníamos tres espectáculos: Titus Andronicus, que era nuestro Shakespeare, Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, y A Clockwork Orange. Llevé a unos 26 intérpretes al Fringe, y todo el mundo hacía dos de los tres espectáculos. A la aventura. Creo que les pagamos el alquiler. Y todos trabajábamos en nuestro empleo diario y luego nos pasábamos por mi casa y ensayábamos en el tiempo libre. Literalmente trabajábamos 40–50 horas a la semana además de nuestras 30–40 horas semanales en los trabajos de día, y estábamos tan entregados y éramos tan jóvenes. Subimos con la esperanza de que los espectáculos llamaran la atención. Y lo hicieron, lo cual es increíble porque significa que nos hemos convertido en una compañía profesional: hemos podido pagar a nuestros actores y ahora estamos en una posición en la que las personas que hicieron aquella inversión han salido a girar por todo el mundo. Y estoy tan orgullosa de dónde está Clockwork, porque se hizo esperar, ¿sabes? Hicimos aquella función-taller en Proud Galleries en Camden, en las caballerizas, durante tres noches: muy rock star, muy pop-up, sin vestuario, sin escenografía, sin nada… solo interpretación. A Clockwork Orange suele considerarse una obra bastante violenta. Al ver las fotos de prensa de Agamemnon y Titus Andronicus, también parecen bastante sangrientas. ¿Tienes gusto por el trabajo sediento de sangre? Me gusta el teatro dramático, en realidad; solo este año he empezado a hacer cosas más naturalistas, en mi propia vida. Llevo dos sombreros, por así decirlo: hago de directora asociada y de ayudante de dirección, además de mi trabajo con Action to the Word. Voy a trabajar en una pieza de Caryl Churchill el año que viene en Birmingham. Cloud Nine. Me gusta el drama y el drama de alto voltaje. Un verdadero desafío para mí sería hacer un Ibsen, o algo un poco más terrenal. ¿Algo sin sangre? En realidad, todo tiene sangre. Debes de conseguir formar equipos de gente bastante resistente. El compromiso de tu reparto en Edimburgo es extraordinario, y el reparto con el que trabajas ahora lleva contigo 4 años en esta trilogía. Las personas con las que trabajas en un espectáculo tienden a convertirse en tu familia, en el sentido de que vives y respiras con ellas. De gira éramos yo y 10 chicos, durante tres meses. Y luego mi asociada, que es mujer (menos mal), las dos nos fuimos a Hong Kong con 10 chicos, así que vives metido en el bolsillo de los demás; y en Edimburgo estáis compartiendo, con los que sean, ¡a todos los que quepan apretujados en una habitación! Así que nos convertimos en confidentes, amigos, hermanos, hermanas. Separa a los hombres de los niños; descubres con quién te encanta convivir. Pero lo primero es que a todos les encanta el trabajo, les encanta el trabajo y… yo tiendo a no elegir a ‘gilipollas’, la verdad. Suelo rodearme de gente que de verdad quiere estar allí. Para mí también está siendo cada vez más importante trabajar con gente de distintos países, lo cual es nuevo, y me entusiasma. Ha sido el trabajo internacional lo que nos ha llevado a eso: yo yendo a distintos países y la gente diciendo: “Oh, me inspira tu trabajo. ¿Puedo ir a trabajar contigo?”. Los incorporamos poco a poco, uno o dos al año, pasan a formar parte y… la gente se marcha, claro, pero muchas veces vuelven; se van para volver y apreciar lo acogedora que es nuestra sala. Vuelven al espacio y se sienten muy bien recibidos y, espero, una parte integral. ¿Y cómo es la sala de ensayos a medida que se acerca la noche del estreno? Ha sido… agradable, porque ahora, en el empujón final, puedo pasar más tiempo con los protagonistas trabajando cosas y es, para serte sincera, un poco desgarrador. Es una historia muy triste. De hecho, esta pieza es particularmente interesante por eso, porque va sobre el amor. Por eso los 60 son el marco perfecto: toda la mierda anterior hay que limpiarla. La única manera de hacerlo no es olvidarlo o fingir que nunca pasó; es mirarlo de frente y conquistarlo con el poder del amor. De eso iban los 60, en realidad: erradicar las penurias de la guerra y la austeridad de los 50. Los 60 simplemente dijeron: “Esto es música, ¡supéralo!”, “¡aquí tienes unos alucinógenos! ¡Apañatelas!” www.actiontotheword.com