INTERVJU: Alexandra Spencer-Jones, konstnärlig ledare

Ewan Stuart samtalar med konstnärliga ledaren för teatersällskapet Action to the Word. Alexandra Spencer-Jones har tidigare arbetat med Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, för vilken hon vann MTM:UK-priset för bästa nya artist, samt A Clockwork Orange som nu har begett sig ut på en världsturné. Hennes aktuella föreställning The Oresteia: Part 3 Eumenides har premiär på Camden People’s Theatre. The Oresteia: Part 3 Eumenides är den sista delen i en trilogi som du har arbetat med länge. Vad handlar den om? I grund och botten är de tre delarna en kamp från mörker till ljus; man måste ta sig igenom allt lidande för att nå försoning. Det är antikens Greklands version av berättelsen om Kristus, och skapandet av demokrati i ordets renaste bemärkelse. Denna tredje del handlar om att ställa allt till rätta och inte bara belysa de brott som begåtts i de senaste tre delarna, utan även de tidigare generationernas synder. Allt vilar på axlarna av denne ende man som har mördat sin mor, men genom den handlingen tar han på sig ansvaret för generationer av familjens oförrätter, vilka är helt fruktansvärda. Det är som Hamlet, fast med ännu tyngre börda eftersom han står till svars för alla andras felsteg före honom. Det låter som ett rejält åtagande, har allt flutit på smidigt för dig? Det var en mardröm när vi kom till den tredje delen första gången! Jag förlorade skådespelaren som spelade Orestes i de två första delarna eftersom han fick en plats på en internationell turné – det var hans stora dröm som gick i uppfyllelse, och vårt kontrakt var förstås väldigt kort. Det var svårt för honom att tacka nej till en världsturné, så jag sköt upp projektet. Jag ville inte göra det utan honom; han är en lika stor del av detta som jag. Det är trilogins huvudrollsinnehavare, Tom Christian. Han har arbetat i ensemblen med mig i flera år, han är en fantastisk skådespelare, han gav mig Titus, han var med i A Clockwork Orange när den startade – jag har en väldigt bra arbetsrelation med honom. Det verkade finnas ett stort engagemang i produktionen, vad var det som fick dig att vilja sätta upp just detta? Jag studerade pjäsen på klassisk grekiska från början och blev förälskad i historien för många, många år sedan. Idén att använda 1945 som kontext för den första delen kändes helt självklar för mig. Det var något jag experimenterade med redan på universitetet, där jag gjorde en workshop-uppsättning av Agamemnon med en kör av flickor från flygvapnet. Jag kunde utforska det temat mycket mer ingående och använda en kör av ”land girls” när vi satte upp den 2010. Körerna i alla tre föreställningarna är sammankopplade på sitt eget sätt, men de har alla sin egen karaktär, bakgrund och bidrag till sagan. Min stora ambition var att föra handlingen närmare vår egen tid så att vi känner igen krigets ansträngningar – så att det trojanska kriget blir vårt andra världskrig. Att nå slutet på en trilogi måste kännas stort för er alla, men för dig med allt extra arbete, känns det som slutet på något ännu större? Det är en enorm grej för mig, eftersom vi började med Agamemnon redan 2010, så det betyder verkligen mycket. Och i kontrast till att denna trilogi tar slut så har livet med Action to the Word blivit alltmer hektiskt, eller hur? Ni har A Clockwork Orange på världsturné och ditt arbete börjar verkligen uppmärksammas. Hur har det förändrat teatersällskapet? Den kom precis tillbaka från Hong Kong förra veckan, och jag var där med dem. I grund och botten är Clockwork vår… jag menar, vi är egentligen ett Shakespeare-sällskap. Allt utgick från Shakespeare och allt härrör fortfarande från Shakespeare. Med Clockwork… vi tog med oss en säsong till Edinburgh Fringe 2011, det året hade vi tre föreställningar: Titus Andronicus, som var vår Shakespeare, Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, och A Clockwork Orange. Jag tog med mig runt 26 skådespelare till Fringe-festivalen, och alla medverkade i två av de tre föreställningarna. Det var en chansning. Vi betalade väl deras hyra, tror jag. Vi jobbade alla på våra vanliga jobb på dagarna och gick sedan hem till mig och repeterade på fritiden. Vi jobbade bokstavligen 40–50 timmar i veckan utöver våra heltidsjobb, vi var så passionerade och så unga. Vi åkte dit i hopp om att föreställningarna skulle bli uppmärksammade. Och det blev de, vilket var fantastiskt eftersom det innebar att vi blev ett professionellt sällskap. Vi har kunnat betala våra skådespelare och vi är nu i en position där de som var med på den satsningen har turnerat världen runt. Jag är så stolt över var Clockwork befinner sig, för det har tagit lång tid att nå hit. Vi hade den där workshop-föreställningen på Proud Galleries i Camden, i de gamla häststallen, som pågick i tre nätter – väldigt rock’n’roll, väldigt mycket ”pop-up”, inga kostymer, ingen scenografi, ingenting… bara skådespeleri. A Clockwork Orange ses ofta som ett ganska våldsamt verk. Att döma av pressbilderna för Agamemnon och Titus Andronicus ser även de ganska blodiga ut. Dras du till det makabra? Jag gillar egentligen dramatiska verk, det är först i år som jag har börjat göra mer jordnära saker privat. Jag har två roller så att säga; jag arbetar som assisterande och biträdande regissör vid sidan av mitt arbete med Action to the Word. Jag ska arbeta med en pjäs av Caryl Churchill efter nyår i Birmingham, Cloud Nine. Jag har en förkärlek för drama och storslagna känslor. En riktig utmaning för mig skulle vara att sätta upp Ibsen eller något mer realistiskt. Något utan blod i? Det finns ordentligt med blod i allt, egentligen. Du tycks lyckas få ihop väldigt uthålliga team. Engagemanget från din Edinburgh-ensemble var extraordinärt, och den nuvarande ensemblen har arbetat med dig i fyra år på denna trilogi. De personer man arbetar med i en föreställning tenderar att bli som en familj, i den meningen att man lever och andas tillsammans. På turné var det jag och tio killar i tre månader. Sedan min biträdande regissör som är kvinna (tack och lov) – vi åkte båda till Hong Kong med tio grabbar, så man bor verkligen tätt inpå varandra. Och i Edinburgh delar man rum med så många man bara kan trycka in! Så vi blir varandras förtrogna, vänner, bröder och systrar. Det skiljer agnarna från vetet; man lär sig vem man älskar att leva med. Men det viktigaste är att alla älskar arbetet, de älskar jobbet och… jag tenderar att inte casta ”dumhuvuden” direkt. Jag har folk omkring mig som verkligen vill vara där. Det har blivit allt viktigare för mig att även arbeta med människor från olika länder, vilket är nytt och spännande. Det är det internationella arbetet som har lett till det; jag reser till olika länder och folk säger ”Åh, jag blir inspirerad av ditt arbete, kan jag få jobba för dig?”. Vi slussar in dem långsamt, en eller två per år, och de blir en del av oss… folk går förstås vidare ibland, men ofta kommer de tillbaka – de är borta en sväng och inser sedan hur mycket kärlek det finns i våra repetitionslokaler. De kommer tillbaka och känner sig verkligen välkomna och, hoppas jag, betydelsefulla. Och hur är stämningen i replokalen inför premiären? Det har varit fint, för nu i den sista spurten får jag spendera mer tid med huvudrollsinnehavarna. Men det är lite hjärtskärande om jag ska vara ärlig. Det är en mycket sorglig historia. Just det här verket är särskilt intressant eftersom det handlar om kärlek. Det är därför 60-talet är en perfekt miljö; all skit som hänt tidigare måste rensas bort. Det enda sättet att göra det är inte att glömma det eller ignorera att det har hänt, utan att möta det ansikte mot ansikte och besegra det med kärlekens kraft. Det var vad 60-talet egentligen handlade om – att utrota krigets umbäranden och 50-talets åtstramningar. 60-talet sa bara: ”Det här är musik, kom över det!”, ”här är lite hallucinogener! Hantera det!”. www.actiontotheword.com