INTERVISTA: Alexandra Spencer-Jones, Direttrice Artistica

Ewan Stuart parla con la direttrice artistica della compagnia Action to the Word Theatre Company. Alexandra Spencer-Jones ha già lavorato a Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, con cui ha vinto il premio MTM:UK come Miglior Artista Emergente, e a A Clockwork Orange, che ha ormai intrapreso una tournée mondiale. Il suo spettacolo attuale, The Oresteia: Part 3 Eumenides, debutta al Camden People’s Theatre. The Oresteia: Part 3 Eumenides è l’ultima parte di una trilogia di spettacoli su cui lavori da tempo. Di cosa parla? In sostanza, le tre parti sono un percorso di lotta dall’oscurità verso la luce: bisogna attraversare tutto il fango per arrivare alla salvezza. È la versione degli Antichi Greci della storia di Cristo e la nascita della democrazia nel senso più puro del termine. Questa terza parte, quindi, riguarda il rimettere insieme i pezzi e fare i conti non solo con i crimini delle tre parti precedenti, ma anche con quelli delle generazioni che le hanno precedute. Tutto ricade sulle spalle di un solo uomo, che ha ucciso sua madre, ma in quell’atto si assume la responsabilità degli errori – orribili, davvero orribili – di generazione dopo generazione della sua famiglia. È come Amleto, ma molto di più, perché risponde anche delle colpe di tutti quelli venuti prima di lui. Sembra un’impresa bella impegnativa: per te è filato tutto liscio? È stato un incubo quando siamo arrivati alla terza parte la prima volta! Ho perso l’attore che interpretava Oreste nella seconda, perché ha ottenuto un posto in una tournée internazionale: il suo sogno che si avverava, e ovviamente il nostro contratto era così breve. Ed era difficile per lui dire di no a un giro del mondo, così ho rimandato. Non volevo farlo senza di lui. È parte dello spettacolo quanto me. È l’attore protagonista della trilogia, Tom Christian. Lavora in repertorio con me da qualche anno, è un attore straordinario: mi ha dato Titus, era in A Clockwork Orange fin dall’inizio; con lui ho un ottimo rapporto di lavoro. Sembra che molte persone abbiano un interesse diretto in questa produzione: cosa ti ha spinto a farla? L’ho studiata in greco antico per cominciare e mi sono innamorata della storia anni e anni fa. L’idea di collocare la prima parte nel contesto del 1945 mi è sembrata chiarissima. È qualcosa che avevo sperimentato all’università, e lì ho realizzato un workshop di Agamennone con un coro di ragazze della RAF. Poi ho potuto esplorare quel tema molto più a fondo e avere un coro di land girls quando l’abbiamo fatto nel 2010. Il coro di tutti e tre gli spettacoli è collegato a modo suo. Ma ognuno ha un proprio carattere, un proprio retroterra e un proprio contributo alla storia. La mia grande ambizione era portare nella trama qualcosa di vicino alla nostra storia recente, così da riconoscere lo sforzo della guerra: la guerra di Troia diventa la nostra Seconda guerra mondiale. Arrivare alla fine di una trilogia per tutti voi dev’essere un momento importante, ma per te, con tutto il lavoro extra che comporta, è la fine di qualcosa di più grande? Per me è enorme, perché abbiamo iniziato con Agamennone nel 2010, quindi per me è davvero un traguardo. E in contrasto con la fine di questa trilogia, la tua vita con Action to the Word sta diventando molto più intensa, vero? Avete A Clockwork Orange in tournée mondiale; e il vostro lavoro sta iniziando a farsi notare. In che modo questo ha cambiato la compagnia? È appena tornato da Hong Kong la settimana scorsa, e io ero con lo spettacolo. In sostanza, Clockwork è un po’ il nostro… voglio dire, noi siamo davvero una compagnia shakespeariana. Tutto è nato da Shakespeare e ancora oggi tutto nasce da Shakespeare. Clockwork… nel 2011 abbiamo portato una stagione al Fringe: quell’anno avevamo tre spettacoli, Titus Andronicus, che era il nostro Shakespeare, Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams e A Clockwork Orange. Ho portato al Fringe probabilmente 26 interpreti, e ognuno faceva due spettacoli su tre. A scommessa. Credo che pagassimo l’affitto per loro. E tutti lavoravamo nel nostro impiego diurno e poi passavamo da casa mia, e provavamo nel tempo libero. Lavoravamo letteralmente 40–50 ore a settimana in più rispetto alle 30–40 ore dei nostri lavori, ed eravamo così appassionati e così giovani. Siamo saliti a Edimburgo sperando che gli spettacoli venissero notati. E così è stato, il che è incredibile, perché significa che siamo diventati una compagnia professionale: siamo stati in grado di pagare gli attori, e ora siamo in una posizione in cui le persone che avevano fatto quell’investimento hanno girato il mondo in tournée. E sono così orgogliosa di dove sia arrivato Clockwork, perché ci è voluto tanto tempo, capisci? Abbiamo fatto questa performance-laboratorio alle Proud Galleries di Camden, nelle scuderie, per tre serate: molto rockstar, molto pop-up, niente costumi, niente scenografia, niente di niente… solo recitazione. A Clockwork Orange è spesso considerato un lavoro piuttosto violento. Guardando le foto stampa di Agamennone e Titus Andronicus, anche quelle sembrano piuttosto sanguinolente. Hai un debole per i lavori cruenti? Mi piace il teatro drammatico, in realtà. Solo quest’anno ho iniziato a fare cose più naturali, nella mia vita. Ho, per così dire, due cappelli: sono regista associata e assistente alla regia, oltre al mio lavoro con Action to the Word. Nel nuovo anno lavorerò a Birmingham su un testo di Caryl Churchill, Cloud Nine. Ho un gusto per il dramma e l’alta tensione. Una vera sfida per me sarebbe fare Ibsen, o qualcosa di un po’ più terra terra. Qualcosa senza sangue? In realtà c’è sangue un po’ ovunque. Riesci a mettere insieme squadre di persone piuttosto resistenti. L’impegno del cast di Edimburgo è straordinario, e il cast con cui stai lavorando adesso è con te da 4 anni su questa trilogia. Le persone con cui lavori a uno spettacolo tendono a diventare la tua famiglia, nel senso che ci vivi e ci respiri insieme. In tournée eravamo io e 10 ragazzi, per tre mesi. E poi la mia associata, che è una donna (meno male), siamo andate entrambe a Hong Kong con 10 ragazzi: quindi vivi praticamente addosso agli altri; e a Edimburgo condividete tutto, con quante persone riuscite a stipare in una stanza! Così diventiamo i confidenti l’uno dell’altro: amici, fratelli, sorelle. È una cosa che separa gli uomini dai ragazzini; capisci con chi ti piace vivere. Ma la prima cosa è che tutti amano il lavoro, amano il lavoro e… io di solito non scritturo proprio degli “stronzi”. Tendo ad avere intorno a me persone che vogliono davvero esserci. Inoltre per me sta diventando sempre più importante lavorare anche con persone di paesi diversi, ed è una novità che mi entusiasma. È stato il lavoro internazionale a portarci lì: io che vado in paesi diversi e la gente che dice: “Oh, il tuo lavoro mi ispira. Posso venire a lavorare con te?” Li inseriamo lentamente, uno o due all’anno; entrano a far parte del gruppo e… ovviamente la gente va e viene, ma spesso tornano: vanno via per poi tornare e apprezzare quanto sia affettuoso il nostro spazio. Rientrano in sala prove e si sentono davvero benvenuti e, spero, parte integrante. E com’è la sala prove mentre vi avvicinate alla prima? È bello perché ora, nella spinta finale, riesco a passare più tempo con i protagonisti per lavorare su certe cose e, a essere sincera, è anche un po’ straziante. È una storia molto triste. Anzi, questo è un testo particolarmente interessante proprio per questo, perché parla d’amore. Ecco perché gli anni ’60 sono l’ambientazione perfetta: tutta la merda che è venuta prima deve essere ripulita. L’unico modo per farlo non è dimenticare o far finta che non sia mai successo; è affrontarla di petto e vincerla con la forza dell’amore. È questo, in fondo, che erano gli anni ’60: sradicare le difficoltà della guerra e l’austerità dei ’50. I ’60 hanno detto semplicemente: “Questa è musica, fattene una ragione!”, “Ecco un po’ di allucinogeni! Facci i conti!” www.actiontotheword.com