ENTREVISTA: Alexandra Spencer-Jones, Diretora Artística

Ewan Stuart conversa com a diretora artística da companhia Action to the Word Theatre Company. Alexandra Spencer-Jones já trabalhou em Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, pelo qual venceu o prémio MTM:UK de Melhor Artista Emergente, e em A Clockwork Orange, que entretanto partiu em digressão mundial. O seu espetáculo atual, The Oresteia: Part 3 Eumenides, estreia no Camden People’s Theatre. The Oresteia: Part 3 Eumenides é a última parte de uma trilogia de peças em que tem estado a trabalhar. De que se trata, afinal? Essencialmente, as três partes são uma luta das trevas para a luz — é preciso atravessar toda a moagem para chegar à salvação; é a versão dos Antigos Gregos da história de Cristo e a criação da democracia no sentido mais puro da palavra. Assim, esta terceira parte é sobretudo sobre fechar muitas pontas soltas e pôr em causa não só os crimes das três partes anteriores, mas também os crimes das gerações que vieram antes. Tudo recai sobre os ombros de um único homem, que matou a própria mãe, mas nesse ato assume a responsabilidade pelos erros — horríveis, completamente horríveis — de geração após geração da sua família. É como Hamlet, mas muito mais, porque ele tem de prestar contas pelos erros de todos os que o antecederam. Isso parece uma empreitada e tanto — correu tudo de forma tranquila? Foi um pesadelo quando chegámos à terceira parte da primeira vez! Perdi o ator que fazia de Orestes na segunda parte, porque conseguiu um lugar numa digressão internacional — o sonho dele — e, claro, o nosso contrato era tão curto. E era difícil ele recusar uma digressão mundial, por isso adiei. Não queria fazê-la sem ele. Ele é tão parte disto como eu. Ele é o protagonista da trilogia, Tom Christian. Trabalhou comigo em repertório durante alguns anos; é um ator extraordinário. Deu-me o Titus; esteve em A Clockwork Orange desde o início; temos uma ótima relação de trabalho. Parece haver muita gente investida nesta produção. O que a levou a fazê-la? Para começar, estudei-a em grego antigo e apaixonei-me pela história há muitos e muitos anos. A ideia de lhe dar um contexto de 1945 para a primeira parte pareceu-me cristalina. Foi algo que experimentei na universidade e cheguei a fazer lá uma produção-oficina de Agamemnon com um coro de raparigas da RAF. Depois pude explorar esse tema muito mais a fundo e ter um coro de “land girls” quando o fizemos em 2010. Os coros dos três espetáculos estão ligados à sua maneira. Mas cada um tem o seu próprio caráter, o seu próprio passado e a sua própria contribuição para a história. A minha grande ambição era trazer algo da história recente para junto do enredo, para que reconhecêssemos o esforço de guerra — assim, a Guerra de Troia torna-se a nossa Segunda Guerra Mundial. Chegar ao fim de uma trilogia deve ser um momento enorme para todos — mas para si, com todo o trabalho extra que implica, é o fim de algo maior? É uma coisa gigantesca para mim, porque começámos com Agamemnon em 2010, por isso tem um peso enorme. E, em contraste com o fim desta trilogia, a sua vida com a Action to the Word está a ficar muito mais atarefada, não está? Tem A Clockwork Orange em digressão mundial; e o vosso trabalho começa a ser notado. Como é que isso mudou a companhia? Voltou de Hong Kong na semana passada, e eu estive com o espetáculo. Essencialmente, Clockwork é meio que o nosso… quer dizer, nós somos mesmo uma companhia de Shakespeare. Tudo veio de Shakespeare e, ainda hoje, tudo continua a vir de Shakespeare. Clockwork… levámos uma temporada ao Fringe em 2011; nesse ano tínhamos três espetáculos: Titus Andronicus, que era o nosso Shakespeare, Constance & Sinestra and the Cabinet of Screams, e A Clockwork Orange. Levei provavelmente 26 pessoas do elenco ao Fringe, e toda a gente fazia dois dos três espetáculos. À sorte. Acho que pagámos a renda deles. E todos trabalhávamos no nosso emprego diurno e depois íamos para minha casa ensaiar no tempo livre. Chegámos literalmente a trabalhar 40–50 horas por semana, além das 30–40 horas do emprego, e éramos tão apaixonados e tão jovens. Fomos para lá na esperança de que os espetáculos fossem notados. E foram — o que é incrível, porque significa que nos tornámos uma companhia profissional: conseguimos pagar aos atores, e hoje estamos numa posição em que as pessoas que fizeram parte desse investimento já fizeram digressões pelo mundo. E eu tenho imenso orgulho no ponto a que Clockwork chegou, porque levou muito tempo, sabe? Fizemos aquela apresentação-oficina nas Proud Galleries em Camden, nos estábulos, durante três noites — muito “rock star”, muito pop-up — sem figurinos, sem cenografia, sem nada… só interpretação. A Clockwork Orange é muitas vezes visto como uma obra bastante violenta. Ao olhar para as fotos de imprensa de Agamemnon e Titus Andronicus, também parecem bastante sangrentas. Tem gosto por trabalhos sedentos de sangue? Eu gosto é de teatro dramático, na verdade; só este ano é que comecei a fazer coisas mais naturalistas, na minha vida. Tenho dois “chapéus”, por assim dizer: faço co-direção e faço assistência de encenação, a par do meu trabalho com a Action to the Word. Vou trabalhar numa peça da Caryl Churchill no novo ano, em Birmingham — Cloud Nine. Tenho gosto por drama e por grande drama. Um verdadeiro desafio para mim seria fazer um Ibsen, ou algo um pouco mais “pé no chão”. Uma coisa sem sangue? Na verdade, tudo tem sangue. Deve conseguir reunir equipas bastante resilientes. O compromisso do elenco que levou a Edimburgo é extraordinário, e o elenco atual com quem está a trabalhar já está consigo há 4 anos, nesta trilogia. As pessoas com quem trabalha num espetáculo tendem a tornar-se a sua família, no sentido em que se vive e respira com elas. Em digressão éramos eu e 10 rapazes, durante três meses. E depois a minha associada, que é mulher (ainda bem), fomos os dois para Hong Kong com 10 rapazes — e assim está-se sempre “uns em cima dos outros”; e em Edimburgo, toda a gente partilha o espaço com quantas pessoas conseguir enfiar num quarto! Por isso tornamo-nos confidentes, amigos, irmãos, irmãs. Separa os homens dos miúdos; percebe-se com quem se gosta de viver. Mas para nós — para toda a gente — o primeiro é amar o trabalho; eles amam o trabalho e… eu tento mesmo não escalar “idiotas”. Costumo ter à minha volta pessoas que querem genuinamente estar ali. Para mim, tem sido cada vez mais importante trabalhar também com pessoas de diferentes países, o que é novo, e isso entusiasma-me. Foi o trabalho internacional que nos trouxe isso: eu ir a outros países e as pessoas dizerem “Oh, o vosso trabalho inspira-me. Posso ir trabalhar convosco?” Vamos integrando devagar, um ou dois por ano; passam a fazer parte e… claro que as pessoas seguem caminho, mas muitas vezes voltam: vão para depois regressar e apreciar o quão acolhedora é a nossa sala. Reentram e sentem-se muito bem-vindas e, espero, parte integrante. E como é a sala de ensaios quando se aproximam da noite de estreia? Tem sido… tem sido bom, porque agora, neste empurrão final, consigo passar mais tempo com os protagonistas a trabalhar coisas e, para ser honesta, é um bocadinho de partir o coração. É uma história muito triste. Na verdade, esta peça é particularmente interessante por isso, porque é sobre o amor. É por isso que os anos 60 são o cenário perfeito: toda a porcaria que veio antes tem de ser limpa. A única forma de o fazer não é esquecer, nem fingir que nunca aconteceu; é encará-la de frente e vencê-la com o poder do amor. Era isso que os anos 60 eram, no fundo — erradicar as dificuldades da guerra e a austeridade dos anos 50 — os anos 60 simplesmente disseram: “Isto é música, ultrapassem!”, “aqui têm uns alucinogénios! Amanhem-se!” www.actiontotheword.com