RESEÑA: Sigfrido y El ocaso de los dioses, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser reseña el Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola, parte del ciclo del Anillo de Wagner en el Hackney Empire.

El Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola en el Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Siegfried y Götterdämmerung

Hackney Empire

6 de agosto de 2022

5 estrellas

El Arcola Theatre inició su ciclo del Anillo antes de la pandemia, y ahora ha llegado a una conclusión triunfal: una reivindicación no solo para el equipo de producción, sino también para la versión abreviada de El Anillo creada por Graham Vick y Jonathan Dove. Nadie intentaría en serio montar las versiones completas de las dos últimas óperas en un solo día, pero con la duración reducida a dos horas y a dos horas y cuarenta y cinco minutos, respectivamente, resulta más que asumible. De pronto puedes apreciar toda la amplitud de la vida de Siegfried. La eliminación de las secciones de resumen retrospectivo de la trama —que Wagner introdujo partiendo de la idea de que el público no estaría familiarizado con las otras partes— libera a todos los que están en escena para actuar y cantar en el presente. Se recupera el impulso dramático de la historia sin pérdida alguna de profundidad en la caracterización.

El Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola en el Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Los mismos resultados positivos se aplican a la música. Con menos de veinte intérpretes en el foso, uno empieza pensando que esto no puede funcionar. Pero, en cuanto te acostumbras al sonido, el resultado es una delicia. Se restablece el equilibrio entre instrumentistas y cantantes, lo que permite auténticos momentos de intimidad distendida, además de reducir el esfuerzo vocal de los solistas. Sí, falta ese brillo interno de las cuerdas que Wagner construyó con todas esas líneas de viola, pero, a cambio, afloran todo tipo de solos instrumentales que normalmente quedan sepultados en la sopa orquestal general. A veces, los cortes entre escenas son demasiado bruscos para mi gusto: me habría gustado que se conservaran más transiciones orquestales, no solo porque el arte de la transición era precisamente uno de los terrenos en los que el compositor sobresalía, de un modo casi cinematográfico. Pero la esencia se mantiene, gracias a la pericia de la Orpheus Sinfonia y de su sutil director, Peter Selwyn.

El Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola en el Hackney Empire. Foto: Alex Brenner La pompa y el brillo ajados del propio Hackney Empire son emblemáticos de la dudosa grandiosidad del Valhalla, así que no hacía falta literalidad en la puesta en escena. En su lugar, y recurriendo al decorado de la anterior Walküre, contamos con una estructura de andamios con numerosas plataformas situadas a distintos niveles. Esto tiene la ventaja de facilitar entradas y salidas prolongadas, siempre una constante en las óperas de Wagner, además de ofrecer a los personajes múltiples puntos de apoyo desde los que cantar. En Siegfried, el espacio aparecía sembrado de los restos de la cueva de Mime, y unas cajas de cartón hacían las veces del oro amontonado en la cueva de Fafner. Un mobiliario desvencijado aportaba un escenario burgués apropiado para los ambiciosos Gibichung. Los efectos especiales fueron más irregulares: en algunos momentos descendían desde la parrilla tiras de luz vertical para sugerir la localización —verde para el bosque, rojo para el fuego mágico y una variedad de colores para el fin del mundo—. Fue un recurso económico y eficaz. Del mismo modo, Fafner, el dragón, se presentaba aquí como una figura central con toda una gama de avatares. Sin embargo, la forja de la espada —siempre difícil de resolver incluso en producciones con presupuestos holgados— parecía más bien como asar castañas en un brasero.

El Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola en el Hackney Empire. Foto: Alex Brenner A veces se describe El Anillo como una sinfonía en cuatro movimientos, con Siegfried como el scherzo. Esta es la primera producción en la que he encontrado verosímil la comparación. Tenemos la energía y el dinamismo de la juventud, la exquisita evocación del bosque cobrando vida, la derrota tanto del dragón como de Wotan y, por último, la conquista del fuego mágico y el despertar de Brünnhilde. Todo avanzó con una naturalidad total, sin aplicar el freno dramático: fue una experiencia electrizante de la que formar parte. Por supuesto, nada de esto funcionaría sin las dotes vocales y actorales del reparto: en el papel protagonista, Neal Cooper mantuvo su energía e inocencia ardiendo hasta el final, encontrando más matices de lo habitual en este rol. Colin Judson cantó de verdad el papel de Mime y nos hizo sentir tanto sus frustraciones legítimas como su astucia rastrera. En las secciones centrales, la suntuosa voz de Paul Carey Jones transmitió la gravedad del propósito del Caminante, pero también su menos admirable deseo de manipular y divertirse a costa de los demás personajes. Así se entiende perfectamente por qué Siegfried lo aparta con impaciencia, algo que no siempre queda claro en escena. Freddie Tong, en el papel de Alberich en ambas óperas, fue incisivo y amenazante, y Elizabeth Karani revoloteó con seguridad por la compleja escritura melismática del Pájaro del Bosque. Simon Wilding encontró sensibilidad y pesar en las últimas palabras de Fafner, y Mae Heydorn, abriéndose paso entre metros de tul color melocotón, plantó cara con elocuencia al Caminante en su enfrentamiento clave, que determina el desenlace del drama. Fue el momento más intenso y concentrado de la ópera, y con razón.

El Siegfried y el Götterdämmerung de Arcola en el Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Lamentablemente —aunque inevitablemente— sin las Nornas, Götterdämmerung se centró sobre todo en la traición de Siegfried a Brünnhilde y en su acercamiento interesado al clan de los Gibichung. Tuvimos un nuevo Siegfried —Mark le Brocq— que era —con acierto— más mayor y más curtido desde el principio, y, de manera crucial, vocalmente fresco para las exigencias que venían. Lee Bisset, como Brünnhilde, forzó demasiado el tono en las escenas iniciales, pero después se asentó en el papel para ofrecer una interpretación dominante y a la vez íntima de la escena final de la inmolación. Simon Wilding regresó para brindar una actuación soberbia como Hagen, llena de una amenaza sutil y sinuosa. Simon Thorpe proyectó con gran eficacia la fanfarronería obtusa de Gunther, y Lucy Anderson sacó más partido de lo habitual a la parte, algo deslucida en la escritura, de Gutrune. Quizá mi escena favorita, absolutamente absorbente de principio a fin, fue el enfrentamiento entre Brünnhilde y Waltraute, donde Angharad Lyddon aprovechó al máximo la última oportunidad de desviar el desenlace catastrófico: aquí se pusieron en juego todos los temas de El Anillo, desde la práctica del engaño hasta la posibilidad de redención.

La directora Julia Burbach y su equipo creativo merecen un enorme reconocimiento por conducir este complejo proyecto hasta una conclusión exitosa. Realmente han rendido por encima de su presupuesto de una forma totalmente memorable, y han reivindicado esta versión escénica de un modo que —cabe esperar— conduzca a muchas más producciones, algo que solo puede ser positivo para la apreciación y comprensión de Wagner, digan lo que digan los puristas.