리뷰: 지크프리트 & 그림자 전쟁, 해크니 엠파이어 ✭✭✭✭✭

팀 호흐슈트라서가 해크니 엠파이어에서 선보인, 바그너 ‘니벨룽의 반지’(Ring Cycle) 중 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼을 리뷰한다.

해크니 엠파이어에서 열린 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼. 사진: 알렉스 브레너 지크프리트 & 신들의 황혼

해크니 엠파이어

2022년 8월 6일

별 5개

아르콜라 극장은 팬데믹 이전에 ‘반지’ 사이클을 시작했고, 이번에 마침내 통쾌한 대단원을 맞았다. 이는 제작진뿐 아니라 그레이엄 빅과 조너선 도브가 만든 축약판 반지의 타당성까지 입증한 결실이다. 마지막 두 편의 오페라를 원전 그대로 하루에 올리려는 시도는 누구도 진지하게 생각하지 않을 것이다. 하지만 러닝타임이 각각 2시간, 2시간 45분으로 줄어든 지금은 충분히 감당할 만하다. 덕분에 지크프리트의 삶을 가로지르는 큰 호흡이 한눈에 들어온다. 관객이 다른 편을 잘 모를 것이라는 전제 아래 바그너가 넣어둔 회상형 줄거리 설명 대목들이 빠지면서, 무대 위 모두가 ‘지금 이 순간’에 더 집중해 연기하고 노래할 수 있게 됐다. 인물의 깊이를 잃지 않으면서도 이야기의 극적 추진력이 되살아난다.

해크니 엠파이어에서 열린 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼. 사진: 알렉스 브레너 음악에서도 같은 긍정적 효과가 나타난다. 오케스트라 피트에 20명도 안 되는 연주자가 앉아 있는 모습을 보면 처음엔 ‘이게 과연 되나’ 싶다. 하지만 소리에 익숙해지고 나면 결과는 유쾌할 정도로 생동한다. 연주자와 성악가 사이의 균형이 회복되면서, 선율의 친밀함이 한결 느긋하게 피어오르는 순간들이 생긴다. 무엇보다 주역 성악가들의 성대 부담도 줄어든다. 물론 바그너가 수많은 비올라 라인으로 만들어낸 그 내밀한 현악의 윤기 어린 떨림은 덜하다. 대신 대규모 오케스트라의 ‘수프’ 속에 묻히기 쉬운 갖가지 악기 솔로가 수면 위로 보글보글 떠오르는 것을 듣게 된다. 장면 사이 편집이 때로는 내 취향엔 너무 칼같이 끊겨서, 전환을 잇는 관현악 부분이 조금 더 남아 있었으면 했다. 특히 전환의 예술은 작곡가가 ‘원시 영화적’ 감각으로 탁월하게 해내던 영역이기 때문이다. 그럼에도 본질은 보존된다. 오르페우스 신포니아와, 섬세한 지휘자 피터 셀윈의 역량 덕분이다.

해크니 엠파이어에서 열린 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼. 사진: 알렉스 브레너 해크니 엠파이어 자체가 지닌 바랜 호화로움과 번쩍임은 발할라의 의심스러운 장엄함을 상징하기에, 무대가 굳이 문자 그대로의 사실주의를 택할 필요가 없었다. 대신 앞선 발퀴레의 세트를 바탕으로, 여러 높이의 플랫폼이 촘촘히 얽힌 비계(스캐폴딩) 구조가 등장한다. 이는 바그너 오페라의 특징인 길고 느린 입퇴장을 자연스럽게 처리하게 해줄 뿐 아니라, 인물들이 다양한 지점에서 노래할 수 있는 ‘전망’도 제공한다. 지크프리트에서는 미메의 동굴에서 나온 잡동사니가 무대를 어질러 놓고, 파프너의 동굴에 쌓인 금은 골판지 상자가 대신했다. 허름한 가구들은 출세 지향적인 기비훙 가문에게 어울리는 속물적 부르주아 분위기를 만들어낸다. 특수효과는 호불호가 갈렸다. 천장 쪽(플라이)에서 수직 스트립 조명이 내려오며 장소감을 부여하는데, 숲은 초록, 마법의 불은 빨강, 세계의 끝은 다양한 색으로 처리했다. 경제적이면서도 효과적이었다. 마찬가지로 용 파프너는 여기서 여러 아바타를 거느린 중심 인물로 제시된다. 다만 검을 단련하는 장면은—충분한 예산을 가진 프로덕션에서도 늘 어렵지만—숯불 화로에 군밤을 굽는 듯한 느낌에 더 가까웠다.

해크니 엠파이어에서 열린 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼. 사진: 알렉스 브레너 반지는 종종 4악장으로 된 교향곡에 비유되며, 그중 지크프리트가 스케르초라는 말이 있다. 이 비교가 설득력 있게 다가온 것은 이번이 처음이다. 젊음의 에너지와 역동성, 숲이 살아나는 섬세한 환기, 용과 보탄의 패배, 그리고 마법의 불을 돌파해 브륀힐데를 깨우는 정복까지. 이 모든 것이 극적 브레이크를 밟는 순간 없이 거침없이 전진하며 흘러가, 함께하는 것만으로 짜릿한 경험이 된다. 물론 이런 흐름은 출연진의 가창과 연기 역량 없이 성립할 수 없다. 타이틀 롤의 닐 쿠퍼는 끝까지 에너지와 순수함을 환하게 유지하며, 이 역할에서 흔히 기대하는 것보다 더 많은 층위를 찾아냈다. 콜린 저드슨은 미메를 ‘정말로’ 노래하며, 그의 정당한 좌절감과 비열한 교활함을 동시에 느끼게 했다. 중반부에서 폴 캐리 존스의 풍성한 목소리는 방랑자(보탄)의 목적이 지닌 중량감을 전달하는 동시에, 다른 인물들을 조종하고 그들의 희생 위에서 즐기려는 덜 고상한 욕망도 드러낸다. 그래서 지크프리트가 조급하게 그를 밀쳐내는 이유가 온전히 이해된다. 이 지점은 공연에서 늘 또렷하게 살아나지는 않기 때문이다. 두 오페라 모두에서 알베리히를 맡은 프레디 통은 날카롭고 위협적이었고, 엘리자베스 카라니는 숲새의 까다로운 멜리스마 선율을 자신감 있게 날아다녔다. 사이먼 와일딩은 파프너의 마지막 말에 섬세함과 후회를 담아냈고, 메이 헤이던은 복숭아빛 거즈 천이 겹겹이 늘어진 의상과 씨름하면서도, 드라마의 향방을 결정하는 핵심 대결에서 방랑자에 당당히 맞서며 웅변했다. 그 장면은 오페라 전체에서 가장 농밀하고 응축된 순간이었고, 마땅히 그래야 했다.

해크니 엠파이어에서 열린 아르콜라의 지크프리트 & 신들의 황혼. 사진: 알렉스 브레너 안타깝지만—또한 불가피하게도—노른(운명의 여신들) 장면이 덜려나가면서, 신들의 황혼은 지크프리트의 브륀힐데 배신과 기비훙 일가에 대한 아첨에 초점을 강하게 맞췄다. 지크프리트도 새로 캐스팅되었는데—마크 르 브록—처음부터 더 나이가 들고 세상물정에 밝아진 인물로(그리고 그게 옳게) 제시되며, 무엇보다 앞으로의 난관을 감당할 만큼 성악적으로 신선한 상태였다. 브륀힐데 역의 리 비세트는 초반 장면에서 음색을 다소 과하게 몰아붙였지만, 점차 역할에 편안히 안착해 마지막 화형(희생) 장면에서 지배적이면서도 친밀한 해석을 들려줬다. 사이먼 와일딩은 하겐으로 돌아와, 은근히 파고드는 위협으로 가득한 훌륭한 연기를 보여준다. 사이먼 소프는 군터의 우둔한 허세를 매우 효과적으로 투사했고, 루시 앤더슨은 상대적으로 서술이 빈약한 구트루네 역을 평소보다 훨씬 더 존재감 있게 만들었다. 아마도 내가 가장 좋아한 장면—처음부터 끝까지 완전히 몰입하게 만드는—은 브륀힐데와 발트라우테의 대치였다. 앙하라드 리든은 파국적 결말을 돌릴 마지막 기회를 최대한 활용했고, 기만의 관행부터 구원의 가능성에 이르기까지 반지의 모든 주제가 이곳에서 살아 움직였다.

연출가 줄리아 버바흐와 크리에이티브 팀은 이 복잡한 프로젝트를 성공적으로 마무리한 공로로 큰 찬사를 받아 마땅하다. 그들은 예산 이상의 성과를 진정으로 ‘뽑아냈고’, 전혀 잊기 힘든 방식으로 이번 공연판을 옹호했다. 순수주의자들이 뭐라고 하든, 이것이 바그너를 감상하고 이해하는 데 도움이 될 다음 프로덕션들로 이어지길—바라건대—기대하게 만든다.