评论：齐格弗里德与诸神的黄昏，哈克尼帝国 ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser 点评 Arcola 剧团在哈克尼帝国剧院上演的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》，这是瓦格纳《指环》四部曲的一部分。

Arcola 的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》于哈克尼帝国剧院上演。摄影：Alex Brenner 《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》

哈克尼帝国剧院

2022年8月6日

五星

Arcola Theatre 在疫情前就启动了他们的《指环》计划，如今终于凯旋收官——这不仅是对制作团队的有力肯定，也证明了 Graham Vick 与 Jonathan Dove 打造的《指环》精简版《指环》同样站得住脚。没有人会认真尝试在一天之内上演最后两部歌剧的完整版；但当演出时长分别压缩到两小时与两小时四十五分钟后，就变得完全可行。你会突然得以纵览齐格弗里德一生的完整弧线。删去那些“回顾式”的剧情复述段落——瓦格纳当初加入这些，是基于观众可能不熟悉其他篇章的假设——让台上的每个人都能把精力用在当下的表演与歌唱上。戏剧推进力回到了故事本身，而且人物刻画的深度丝毫未减。

Arcola 的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》于哈克尼帝国剧院上演。摄影：Alex Brenner 同样的积极效果也体现在音乐上。乐池里不到二十位乐手，起初你会觉得这怎么可能行得通；但当耳朵适应了声音尺度后，成果令人愉悦。乐手与歌者之间的平衡被重新拉回，这不仅带来一些从容、亲密的真实时刻，也显著减轻了主角们的声乐负担。没错，瓦格纳用大量中提琴声部营造的那种“弦乐内在闪光”不见了；取而代之的，是你能听见许多器乐独奏从表面冒出来——它们在庞大的管弦“浓汤”里通常会被埋没。有时场景之间的删接对我来说偏生硬——我更希望保留更多管弦过门，尤其因为“转场”之艺术，正是作曲家以一种近乎电影化的方式真正擅长的领域。但作品的精髓依然被牢牢保住，这要归功于Orpheus Sinfonia的功力，以及他们细腻的指挥 Peter Selwyn。

Arcola 的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》于哈克尼帝国剧院上演。摄影：Alex Brenner 哈克尼帝国剧院本身褪色的富丽与陈旧的闪耀，恰好象征着瓦尔哈拉那种可疑的宏伟，因此舞台并不需要写实地“照搬”。相反，沿用上一部《女武神》的布景，我们看到的是一座带多层平台的脚手架结构。这既方便瓦格纳歌剧一贯的“长进长出”式出入场，也让角色能在不同高度上找到多重“歌唱视角”。在《齐格弗里德》里，舞台散落着弥梅洞穴的残骸杂物；法夫纳洞中的金银财宝则由纸板箱代劳。破旧家具为想要跻身上流的吉比雄家族提供了恰如其分的资产阶级场景。特效则有些参差：几处从吊杆垂下的竖向灯带用来提示地点——森林用绿色、魔火用红色，世界终结则用多种色彩。这种处理省钱又有效。同样地，巨龙法夫纳在这里被呈现为一个“中心形象”，并配以多种化身。不过，铸剑一场即便在预算充足的制作里也很难做得漂亮，这次看起来更像是在火盆上烤栗子。

Arcola 的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》于哈克尼帝国剧院上演。摄影：Alex Brenner 《指环》有时被形容为“四乐章交响曲”，其中《齐格弗里德》相当于诙谐曲（scherzo）。这是我第一次觉得这个比喻可信：我们有青春的能量与冲劲，有森林苏醒的精妙描绘，有战胜巨龙与沃坦，最后是跨越魔火、唤醒布伦希尔德。整个过程毫不费力地向前推进，没有任何“戏剧刹车”的生硬操作，作为观众置身其中令人振奋。当然，这一切离不开演员们的演唱与表演功底：担纲主角的 Neal Cooper 从头到尾都保持着炽热的能量与天真的光芒，并在这一常见“单线条”的角色里挖出了更多层次。Colin Judson 真的把弥梅“唱活了”，让我们既感受到他合情合理的挫败，也感受到他卑微的狡黠。中段里，Paul Carey Jones 华美的嗓音传达出“流浪者”意图的沉重，同时也显露出他不那么可取的一面——操控他人、并以他人代价取乐的欲望。因此你会完全理解为何齐格弗里德不耐烦地把他晾在一边；这一点在舞台呈现中并不总能讲清。Freddie Tong 在两部歌剧中都饰演阿尔贝里希，表现犀利而带威胁感；Elizabeth Karani 则自信轻盈地穿过林鸟那段棘手的花腔旋律。Simon Wilding 在法夫纳临终之言里找到了敏感与悔意；而 Mae Heydorn 挣扎穿行在成码的蜜桃色薄纱之中，在那场决定戏剧走向的关键对峙里，雄辩地顶住了“流浪者”。那是整部歌剧最紧绷、最凝缩的一刻——也理应如此。

Arcola 的《齐格弗里德》与《诸神的黄昏》于哈克尼帝国剧院上演。摄影：Alex Brenner 遗憾但也在情理之中的是，在不可避免地删去了诺恩女神之后，《诸神的黄昏》把重点放在齐格弗里德对布伦希尔德的背叛，以及他对吉比雄家族的讨好与投靠上。我们迎来了一位新的齐格弗里德——Mark le Brocq——从一开始就（也的确应该）显得更成熟、更懂世故，并且关键是：在声乐上保持了足够的新鲜与余裕，以应对接下来的高强度要求。饰演布伦希尔德的 Lee Bisset 在前几场里用力过猛，但随后逐渐放松，最终在结尾的自焚场景里呈现出既有统摄力、又不失亲密质地的精彩诠释。Simon Wilding 回归饰演哈根，表现出色，充满细微而渗透性的威胁感。Simon Thorpe 非常有效地投射出贡特尔那种愚钝却虚张声势的气势；Lucy Anderson 也把原本写得偏单薄的古特鲁妮一角演出了更丰富的存在感。或许我最喜欢、从头到尾都扣人心弦的一场，是布伦希尔德与瓦尔特劳特的对峙：Angharad Lyddon 把这最后一次试图扭转灾难性结局的机会发挥到极致——《指环》的所有主题，从欺骗的实践到救赎的可能，都在此被完整地“演”出来了。

导演 Julia Burbach 及其创作团队理应获得极高赞誉：他们成功驾驭了这个复杂工程，并把它稳稳带向圆满收官。他们确实在预算之上打出了远超身价的一拳，留下了完全令人难忘的成果，也以一种足以服众的方式证明了这一演出版的价值——人们不妨希望，这会促成更多后续制作；无论纯粹主义者怎么说，这对瓦格纳的欣赏与理解都只会是好事。