CRITIQUE : Siegfried & Götterdämmerung, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser évalue Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola, partie du Cycle de l'Anneau de Wagner au Hackney Empire.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Siegfried & Götterdämmerung

Hackney Empire

6 août 2022

5 Étoiles

Le Théâtre Arcola a commencé son cycle de l'Anneau avant la pandémie, et il est maintenant arrivé à une conclusion triomphante, une justification non seulement pour l'équipe de production mais aussi pour la version abrégée de L'Anneau créée par Graham Vick et Jonathan Dove. Personne ne tenterait sérieusement de mettre en scène les versions complètes des deux derniers opéras en une seule journée, mais avec le temps de représentation réduit respectivement à deux heures et deux heures quarante-cinq minutes, c'est plus que faisable. Soudain, vous pouvez apprécier toute l'ampleur de la vie de Siegfried. La suppression des sections de récapitulation de l'intrigue, que Wagner avait introduites en supposant que le public ne serait pas familier avec les autres parties, libère tout le monde sur scène pour agir et chanter dans l'instant. L'élan dramatique est restitué à l'histoire sans aucune perte de profondeur dans la caractérisation.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Les mêmes résultats positifs s'appliquent à la musique. Avec moins de vingt musiciens dans la fosse, on commence par penser que cela ne peut vraiment pas fonctionner. Mais une fois que vous vous habituez au son, les résultats sont joyeux. L'équilibre entre les musiciens et les chanteurs est restauré, ce qui permet de véritables moments d'intimité détendue, en plus de réduire la contrainte vocale sur les chanteurs principaux. Oui, cette lueur intérieure des cordes que Wagner créait avec toutes ces lignes d'alto manque, mais à la place, vous entendez toutes sortes de solos instrumentaux surgir à la surface, généralement enfouis dans le pot-pourri orchestral. Parfois, les coupures entre les scènes sont trop nettes à mon goût – j'aurais aimé que plus de transitions orchestrales soient préservées, notamment parce que l'art de la transition était un domaine dans lequel le compositeur excellait vraiment d'une manière proto-cinématographique. Mais l'essence est préservée, grâce aux compétences de l'Orpheus Sinfonia et de leur subtil chef d'orchestre, Peter Selwyn.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Le faste fané et le bling du Hackney Empire lui-même sont emblématiques de la grandeur douteuse du Valhalla, donc il n'y avait pas besoin de littéralisme dans la mise en scène. À la place, et en s'appuyant sur le décor de la Walkyrie précédente, nous avons une structure d'échafaudage avec de nombreuses plateformes à différents niveaux. Cela a l'avantage de faciliter les entrées et sorties prolongées, toujours une caractéristique des opéras de Wagner, tout en permettant aux personnages de multiples points de vue pour chanter. Dans Siegfried, le décor était jonché des débris de la grotte de Mime, et des boîtes en carton servaient pour l'or empilé dans la grotte de Fafner. Des meubles délabrés fournissaient un cadre bourgeois approprié pour les Gibichungs aspirants. Les effets spéciaux étaient plus ou moins réussis – des éclairages en bande verticale descendaient des cintres pour donner un sens du lieu – vert pour la forêt, rouge pour le feu magique et une variété de couleurs pour la fin du monde. C'était économique et efficace. De même, Fafner, le dragon, était ici présenté comme une figure centrale avec une gamme d'avatars. Cependant, le forgeron de l'épée, toujours difficile à réaliser même dans les productions avec de gros budgets, ressemblait plus à des marrons chauffés sur un brasero.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner L'Anneau est parfois décrit comme une symphonie en quatre mouvements avec Siegfried en tant que scherzo. C'est la première production où j'ai trouvé cette comparaison plausible. Nous avons l'énergie et le dynamisme de la jeunesse, l'évocation exquise de la forêt prenant vie, la défaite du dragon et de Wotan et enfin la conquête du feu magique et le réveil de Brünnhilde. Tout cela avançait sans effort avec aucune application des freins dramatiques, une expérience exaltante à vivre. Bien sûr, rien de tout cela ne fonctionnerait sans les compétences vocales et d'acteur de la distribution : dans le rôle titre, Neal Cooper a gardé son énergie et son innocence flamboyante jusqu'à la fin, trouvant plus de nuances que d'habitude dans ce rôle. Colin Judson chantait véritablement le rôle de Mime et nous faisait ressentir ses frustrations légitimes autant que sa ruse sournoise. Dans les sections centrales, la voix somptueuse de Paul Carey Jones transmettait la solennité du but du Voyageur mais aussi son désir moins admirable de manipuler et de s'amuser aux dépens des autres personnages. Vous pouvez donc comprendre pleinement pourquoi Siegfried le balaie avec impatience, ce qui ne se passe pas toujours bien à la scène. Freddie Tong, jouant Alberich dans les deux opéras, était incisif et menaçant, et Elizabeth Karani planait avec assurance à travers l'écriture mélismatique délicate de l'Oiseau-Le-Des-Bois. Simon Wilding trouvait sensibilité et regret dans les derniers mots de Fafner, et Mae Heydorn, se battant à travers des mètres de gaze pêche, a superbement affronté le Voyageur dans leur confrontation clé qui détermine l'issue du drame. C'était le moment le plus intense et concentré de l'opéra, et à juste titre.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Malheureusement, mais inévitablement élagué des Nornes, Götterdämmerung se concentrait considérablement sur la trahison de Brünnhilde par Siegfried et l'intégration avec le clan des Gibichung. Nous avons eu un nouveau Siegfried – Mark le Brocq – qui était – à juste titre – plus âgé et plus mondain dès le départ, et surtout vocalement frais pour les exigences à venir. Lee Bisset, en tant que Brünnhilde, a forcé son ton trop fort dans les premières scènes mais s'est détendue dans le rôle pour donner une interprétation convaincante mais aussi intime de la scène d'immolation culminante. Simon Wilding est revenu pour donner une performance superbe en tant que Hagen, pleine de menace insinuante et subtile. Simon Thorpe a projeté très efficacement le fanfaronnement borné de Gunther, et Lucy Anderson a donné plus de relief à la partie sous-écrite de Gutrune qu'à l'habitude. Peut-être que ma scène préférée, totalement captivante du début à la fin, était la confrontation entre Brünnhilde et Waltraute, où Angharad Lyddon a profité de la dernière occasion pour détourner le dénouement catastrophique – tous les thèmes de L'Anneau, de la pratique de la tromperie à la perspective de rédemption, étaient joués ici.

La réalisatrice Julia Burbach et son équipe créative méritent d'énormes éloges pour avoir mené ce projet complexe à une conclusion réussie. Ils ont véritablement surpassé leur budget de manière totalement mémorable et ont justifié cette version exécutée d'une manière qui devrait, on l'espère, mener à de nombreuses autres productions, ce qui ne peut qu'être bon pour l'appréciation et la compréhension de Wagner, quoi que les puristes puissent dire.