CRÍTICA: Siegfried & Götterdämmerung, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser analisa o Siegfried & Götterdämmerung da Arcola, parte do Ciclo do Anel de Wagner, no Hackney Empire.

Siegfried & Götterdämmerung da Arcola no Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Siegfried & Götterdämmerung

Hackney Empire

6 de agosto de 2022

5 estrelas

A Arcola Theatre iniciou o seu ciclo do Anel antes da pandemia e chegou agora a uma conclusão triunfal — uma justificação não só para a equipa de produção, mas também para a versão abreviada de O Anel, criada por Graham Vick e Jonathan Dove. Ninguém tentaria seriamente montar as versões completas das duas últimas óperas num único dia, mas, com a duração reduzida para duas horas e duas horas e quarenta e cinco minutos, respetivamente, torna-se mais do que viável. De repente, é possível apreciar o arco completo da vida de Siegfried. A eliminação das secções de resumo retrospetivo da intriga — que Wagner introduziu partindo do princípio de que o público não estaria familiarizado com as outras partes — liberta todos em palco para agir e cantar no momento. O impulso dramático regressa à narrativa sem qualquer perda de profundidade na caracterização.

Siegfried & Götterdämmerung da Arcola no Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Os mesmos resultados positivos aplicam-se à música. Com menos de vinte músicos no fosso, a primeira reação é pensar que isto simplesmente não pode funcionar. Mas, assim que nos habituamos ao som, o resultado é uma alegria. O equilíbrio entre instrumentistas e cantores é restabelecido, o que permite verdadeiros momentos de intimidade descontraída — além de reduzir o esforço vocal dos protagonistas. Sim, falta aquele brilho interno das cordas que Wagner criou com todas aquelas linhas de viola, mas, em contrapartida, ouvem-se todo o tipo de solos instrumentais a vir à superfície, que normalmente ficam soterrados na “sopa” orquestral geral. Por vezes, os cortes entre cenas são demasiado bruscos para o meu gosto — teria preferido que se preservassem mais transições orquestrais, até porque a arte da transição era algo em que o compositor verdadeiramente se destacava, de uma forma proto-cinematográfica. Ainda assim, a essência mantém-se, graças à competência da Orpheus Sinfonia e do seu maestro subtil, Peter Selwyn.

Siegfried & Götterdämmerung da Arcola no Hackney Empire. Foto: Alex Brenner A pompa e o brilho já desbotados do próprio Hackney Empire são emblemáticos da grandiosidade duvidosa de Valhala, pelo que não havia necessidade de literalismo na encenação. Em vez disso, e recorrendo ao cenário do Walküre anterior, temos uma estrutura de andaimes com várias plataformas colocadas a diferentes níveis. Isto tem a vantagem de facilitar entradas e saídas prolongadas — sempre uma característica nas óperas de Wagner — ao mesmo tempo que dá às personagens múltiplos pontos de vista para cantar. Em Siegfried, o cenário estava coberto de detritos da caverna de Mime, e caixas de cartão serviam para o ouro empilhado na gruta de Fafner. Mobiliário gasto fornecia um enquadramento burguês apropriado para os ambiciosos Gibichungs. Os efeitos especiais foram mais irregulares — em certos momentos, descia das varas uma iluminação em tiras verticais para sugerir o local: verde para a floresta, vermelho para o fogo mágico e uma variedade de cores para o fim do mundo. Foi económico e eficaz. Do mesmo modo, Fafner, o dragão, surge aqui como uma figura central com um conjunto de avatares. No entanto, a forja da espada — sempre difícil de concretizar, mesmo em produções com orçamentos generosos — parecia mais aquecer castanhas num braseiro.

Siegfried & Götterdämmerung da Arcola no Hackney Empire. Foto: Alex Brenner O Anel é por vezes descrito como uma sinfonia em quatro andamentos, com Siegfried a funcionar como o scherzo. Esta é a primeira produção em que achei essa comparação plausível. Temos a energia e o dinamismo da juventude, a evocação requintada da floresta a ganhar vida, a derrota tanto do dragão como de Wotan e, por fim, a conquista do fogo mágico e o despertar de Brünnhilde. Tudo avançou com naturalidade, sem travões dramáticos, sendo uma experiência eletrizante de presenciar. Claro que nada disto funcionaria sem as capacidades vocais e de interpretação do elenco: no papel-título, Neal Cooper manteve a sua energia e inocência a arder até ao fim, encontrando mais camadas do que é habitual neste papel. Colin Judson cantou verdadeiramente o papel de Mime e fez-nos sentir as suas frustrações legítimas tanto quanto a sua astúcia rasteira. Nas secções centrais, a voz opulenta de Paul Carey Jones transmitiu a gravidade do propósito do Wanderer, mas também o seu desejo menos admirável de manipular e de se divertir à custa das outras personagens. Assim, compreende-se plenamente por que razão Siegfried o despacha com impaciência — algo que nem sempre se percebe tão bem em cena. Freddie Tong, como Alberich em ambas as óperas, foi incisivo e ameaçador, e Elizabeth Karani esvoaçou com segurança pela escrita melismática exigente do Pássaro da Floresta. Simon Wilding encontrou sensibilidade e arrependimento nas últimas palavras de Fafner, e Mae Heydorn, a lutar através de metros de tule em tom pêssego, enfrentou o Wanderer com eloquência no confronto decisivo que determina o desfecho do drama. Foi o momento mais intenso e concentrado da ópera — e ainda bem.

Siegfried & Götterdämmerung da Arcola no Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Infelizmente — mas inevitavelmente — sem as Nornas, Götterdämmerung centrou-se sobretudo na traição de Siegfried a Brünnhilde e na sua aproximação interesseira ao clã Gibichung. Tivemos um novo Siegfried — Mark le Brocq — que era, justamente, mais velho e mais experiente desde o início e, crucialmente, vocalmente fresco para as exigências que se seguiam. Lee Bisset, como Brünnhilde, forçou demasiado o timbre nas cenas iniciais, mas depois assentou no papel e ofereceu uma interpretação imponente e, ao mesmo tempo, íntima, na cena culminante da imolação. Simon Wilding regressou para uma atuação soberba como Hagen, cheia de uma ameaça subtil e insinuante. Simon Thorpe projetou muito eficazmente a fanfarronice obtusa de Gunther, e Lucy Anderson fez mais do que o habitual com o papel pouco desenvolvido de Gutrune. Talvez a minha cena preferida — totalmente absorvente do princípio ao fim — tenha sido o confronto entre Brünnhilde e Waltraute, em que Angharad Lyddon aproveitou ao máximo a última oportunidade de desviar o desfecho catastrófico: todos os temas de O Anel, desde a prática do engano até à possibilidade de redenção, foram aqui encenados.

A encenadora Julia Burbach e a sua equipa criativa merecem enorme reconhecimento por conduzirem este projeto complexo até uma conclusão bem-sucedida. Verdadeiramente, fizeram muito mais do que o orçamento permitiria, de forma inesquecível, e defenderam esta versão performativa de um modo que — espera-se — leve a muitas outras produções, o que só pode ser positivo para a apreciação e compreensão de Wagner, diga o que disserem os puristas.