RESEÑA: Las Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

The Flannelettes. Foto: Francis Loney The Flannelettes

King's Head Theatre

19 de mayo de 2015

5 estrellas

The Flannelettes llega al King’s Head Theatre como parte de las celebraciones de su 45º aniversario. La obra reúne de nuevo a Richard Cameron y Mike Bradwell, el tándem que cosechó un gran éxito en el Bush con The Glee Club (2002) y trabajos similares. Comparte muchas cualidades con su predecesora, que triunfó a nivel nacional: un escenario en una deprimida ciudad del Norte, poblada por mujeres duras o explotadas y hombres violentos o ineficaces; donde la música llena el enorme vacío entre las duras circunstancias de la vida cotidiana y las aspiraciones y anhelos del alma. Se alza el telón con un número tributo a Tamla Motown en un club social de mineros, que nos presenta a cinco de los seis personajes de la obra: Brenda (Suzan Sylvester), una viuda que dirige el refugio local para mujeres; su sobrina, Delie (Emma Hook), que tiene 22 años pero con una edad mental de una década menos; Roma (Holly Campbell), su amiga mayor y la muy maltratada novia de un líder de banda local; Jean (Celia Robertson), una mujer educada de los Home Counties, recién llegada al refugio; y George (Geoff Leesley), un prestamista local afable pero ya de capa caída, que se deja arrastrar con buen ánimo para completar el grupo. Más tarde se les une Jim (James Hornsby), un agente de policía comunitaria casado, que resulta estar teniendo un affaire con Brenda. El número de apertura forma parte de una actuación habitual, y su tono de aspiración romántica desbordante, unido a una sensación de decepción implacable e inevitable, marca el patrón de la obra en su conjunto. Los personajes hacen todo lo posible por escapar de un conjunto de aprietos que parecen predestinados y, después, ensayan o interpretan temas de Motown como comentario coral sobre la violencia y el abatimiento que amenaza con arrollarlos. Por si eso pareciera un planteamiento a la vez conocido y estático, diré enseguida que cada una de las muchas escenas está bellamente construida, de modo que la primera mitad establece una caracterización rica y profunda de la que emerge, en la segunda, un drama de potencia en carne viva. Son interpretaciones de gran detalle, donde muchos pequeños matices de texto, manierismo o gesto vuelven para golpearte con un significado nuevo cuando los ves y los captas por segunda vez. Hay un delicado equilibrio entre la comedia y el pathos que oscila y se desplaza constantemente, hasta un giro decididamente oscuro en las últimas escenas, interpretadas con enorme elegancia y destreza por todo el equipo. Aunque hay actuaciones sobresalientes que debo destacar en esta reseña, por encima de todo es un logro de conjunto: el autor se asegura, como un libretista de ópera, de que cada personaje tenga efectivos momentos a solas, y dúos de contraste antes de participar en conjuntos de auténtica energía, ingenio y —cuando hace falta— rabia. Todos los intérpretes son sólidos y distintivos; y, pese a la tristeza envolvente del final, se percibe como una producción muy gozosa que deja al público con la sensación de que se está afirmando la vida, además de realizar un examen forense de un abismo de abusos.

Parte de la razón de este sentido del equilibrio y del éxito global de la producción es que el foco recae muy claramente en el desarrollo individual de los personajes, más que en una atribución esquemática de culpas. Aquí no hay ninguna tesis dogmática: el deterioro socioeconómico de la ciudad minera se da por hecho, un telón de fondo sombrío, no una agenda política. No es que eso tuviera nada de malo en abstracto, pero convertiría la obra en algo muy distinto: un enfoque a lo David Hare no se fusionaría con el grito primario del alma que aquí se despliega con tanta emoción. Fundamental para la acción es la encarnación de Brenda por parte de Sylvester: agotada, sin ilusiones, infinitamente paciente y acogedora. Es el centro emocional sereno de la obra, alrededor del cual giran los demás personajes y al que regresan. Sería fácil convertirla en una caricatura de mujer norteña estoica e inquebrantable, pero ella no desaprovecha las oportunidades que se le brindan para revelar su propia decepción y su daño emocional. Hay momentos de vulnerabilidad conmovedora, especialmente en sus interacciones con los dos hombres del reparto, que resultan muy impactantes. A su lado, en el refugio, Robertson transmite con solvencia el recorrido de Jean: de esposa maltratada y traumatizada a una resistencia combativa y la recuperación, pese a la pérdida de su familia; en realidad, el único personaje que termina la obra en un lugar psicológico mejor que al comienzo. Los dos hombres —George y Jim— son más difíciles de resolver, por la constante y desgastante sensación de fracaso que atraviesa a sus personajes: George tiene las mejores intenciones, una amabilidad y empatía auténticas, pero le faltan energía y capacidad para llevar las cosas a término; Jim tiene energía, pero poca comprensión emocional, ya sea de sí mismo o de los demás. Ambos no alcanzan a comprender las consecuencias desastrosas de sus propios actos para las mujeres del refugio. El poder sigue residiendo en los hombres, ya sean débiles o (fuera de escena) matones y abusadores manipuladores. Ambos actores logran que estos hombres resulten simpáticos, aunque el tirón emocional y la deriva de la obra tienden a configurar un planto por y de las mujeres.

Pero las interpretaciones más destacadas recaen, sin duda, en Holly Campbell y Emma Hook. Durante la mayor parte de la acción, Campbell debe encarnar a una mujer a la que ya no le queda autoestima, que o bien se está recuperando de una agresión física o está a punto de recibir otra. Capta con gran economía y sin sentimentalismo la cualidad de mirada vacía y embotada de la víctima perpetua, a la vez que preserva una voz y una personalidad distintas para sus esperanzas de tener un hogar propio. En sus escenas con Hook, la recuperación mutua de un espacio para la esperanza resulta muy conmovedora. Delie, sin embargo, concentra la atención del público cada vez que está en escena. Interpreta a su personaje con inocencia, desde luego, pero también con muchas otras capas: la visión de túnel y la curiosidad implacable de una niña con energía desbordante pero confianza mal colocada se perciben con fuerza en la primera mitad; y en la segunda, a medida que la oscuridad se cierra a su alrededor, el desconcierto, el dolor incomprendido y el deseo desesperado de conservar algún tipo de ancla segura en el mundo adulto empiezan a imponerse, y se vislumbran los contornos de una interpretación de auténtica grandeza. Su monólogo en la sección final de la obra es uno de los dos o tres mejores momentos teatrales que he vivido este año; de esas ocasiones en las que el público está completamente en sintonía con la intérprete y se despoja de toda consideración ajena.

Esta obra es un homenaje digno de todo lo que representa el King’s Head. Intenten verla si pueden en sus últimos días, y solo puedo esperar que llegue muy pronto a otro escenario.

The Flannelettes estará en el Kings Head hasta el 6 de junio de 2015