ANMELDELSE: The Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

The Flannelettes. Foto: Francis Loney The Flannelettes

King's Head Theatre

19. mai 2015

5 stjerner

The Flannelettes kommer til King’s Head Theatre som en del av teatrets 45-årsjubileum. Stykket gjenforener Richard Cameron og Mike Bradwell, teamet som hadde stor suksess på The Bush med The Glee Club (2002) og lignende verk. Det deler mange kvaliteter med sin nasjonale suksess av en forgjenger: handlingen er lagt til en dyster industriby i Nord-England, befolket av tøffe eller utnyttede kvinner og voldelige eller udugelige menn; et sted hvor musikken fyller det enorme tomrommet mellom hverdagens råe omstendigheter og sjelens lengsler og ambisjoner. Teppet går opp for et Tamla Motown-nummer i en lokal arbeiderklubb, som introduserer oss for fem av stykkets seks karakterer – Brenda (Suzan Sylvester), en enke som driver det lokale krisesenteret for kvinner; niesen hennes Delie (Emma Hook), som er 22 år, men med et mentalt nivå ti år yngre; Roma (Holly Campbell), hennes eldre venninne og den mishandlede kjæresten til en lokal gjengleder; Jean (Celia Robertson), en velutdannet kvinne fra Sør-England som nylig har ankommet krisesenteret, og George (Geoff Leesley), en vennlig men avdanket lokal pantelåner, som sporty nok har kledd seg ut for å fylle rekkene. De får senere selskap av Jim (James Hornsby), en gift lokalpolitibetjent som det viser seg at har en affære med Brenda. Åpningsnummeret er en del av deres faste repertoar, og tonen av svevende romantiske drømmer koblet med en følelse av nådeløs og uunngåelig skuffelse, setter mønsteret for stykket som helhet. Karakterene gjør sitt ytterste for å unnslippe en tilsynelatende skjebnebestemt tilværelse, for så å øve på eller fremføre Motown-låter som en slags korisk kommentar til volden og mismotet som truer med å overvelde dem. I tilfelle dette virker som et velkjent eller statisk scenario, la meg med en gang si at hver av de mange scenene er vakkert utformet, slik at første akt etablerer en rik og dyp karaktertegning som baner vei for drama med rå kraft i andre akt. Dette er detaljerte prestasjoner hvor mange små poenger i teksten, fakter eller bevegelser kommer tilbake til deg med ny betydning ved andre øyekast. Det er en fin balanse mellom komedie og patos som hele tiden svinger og skifter, inntil en avgjørende mørk vending i de siste scenene, som spilles med stor verdighet og dyktighet av alle involverte. Selv om det er fremragende prestasjoner jeg må trekke frem spesielt, er dette først og fremst en ensemblesuksess. Dramatikeren sørger for, lik en operalibrettist, at hver karakter får effektive solopartier og kontrasterende duetter før de deltar i ensemblenumre fulle av energi, vidd og – der det trengs – harme. Samtlige skuespillere er sterke og særegne; og til tross for sluttenes omsluttende tristhet, fremstår det som en svært livsbejaende oppsetning som etterlater publikum med en følelse av livskraft i kombinasjon med en uredd granskning av overgrepets avgrunn.

Mye av grunnen til denne balanserte følelsen og produksjonens suksess, er at fokuset ligger på karakterenes individuelle utvikling heller enn en skjematisk plassering av skyld. Det er ingen dogmatisk tese som utforskes her: det sosioøkonomiske forfallet i gruvebyen er et faktum, et dystert bakteppe snarere enn en politisk agenda. Ikke at det ville vært noe galt med det i seg selv, men det ville gjort det til et helt annet stykke – en David Hare-tilnærming ville ikke passet sammen med det dype sjeleutbruddet vi ser her. Grunnleggende for handlingen er Sylvesters slitne, usminkede, uendelig tålmodige og aksepterende portrett av Brenda. Hun er stykkets rolige emosjonelle sentrum som de andre karakterene kretser rundt og vender tilbake til. Det ville vært lett å gjøre dette til en karikatur av en traust og stødig kvinne fra Nord-England, men hun lar ikke sjansene gå fra seg når hun får vise sin egen skuffelse og sine egne emosjonelle sår. Det er øyeblikk med rørende sårbarhet i hennes samspill med de to mennene spesielt. Ved siden av henne på krisesenteret formidler Robertson på en dyktig måte Jeans reise fra traumatisert, voldsutsatt kone til kampvilje og bedring til tross for tapet av familien – egentlig den eneste karakteren som ender stykket på et bedre sted psykologisk enn før. De to mennene – George og Jim – er vanskeligere å få til fordi karakterene deres preges av en konstant, lammende følelse av fiasko. George har de beste intensjoner, genuin godhet og empati, men mangler energi og evne til å gjennomføre ting. Jim har energi, men liten emosjonell forståelse, enten det gjelder ham selv eller andre. Begge mislykkes i å forstå de katastrofale konsekvensene egne handlinger har for kvinnene på senteret. Makten ligger fremdeles hos mennene, enten de er svake eller (utenfor scenen) bøllete og manipulerende voldelige. Begge skuespillerne klarer å gjøre disse mennene menneskelige, selv om stykkets emosjonelle kjerne er en klagesang for og om kvinner.

Men de mest enestående prestasjonene står utvilsomt Holly Campbell og Emma Hook for. Gjennom det meste av handlingen må Campbell spille en kvinne uten selvfølelse igjen, som enten henter seg inn etter eller er i ferd med å motta mer fysisk vold. Hun fanger den tomøyde, numne kvaliteten hos det evige offeret på en svært økonomisk måte uten sentimentalitet, samtidig som hun bevarer en annen stemme og personlighet for drømmene om et eget hjem. I scenene med Hook er deres felles gjenvinning av håp svært gripende. Delie er imidlertid publikums naturlige midtpunkt hver gang hun er på scenen. Hun spiller karakteren med en selvfølgelig uskyld, men også med mange andre lag: tunnelsynet og den utrettelige nysgjerrigheten til et barn med enorm energi, men feilplassert tillit, kommer kraftfullt frem i første akt. I andre akt, når mørket lukker seg rundt henne, tar forvirringen, den uforståelige smerten og det desperate ønske om et trygt anker overhånd, og man ser konturene av en prestasjon med virkelig storhet. Monologen hennes i stykkets siste del er et av de to-tre beste teaterøyeblikkene jeg har opplevd i år; en av de gangene hvor publikum er fullstendig i nuet sammen med skuespilleren og alt annet viskes ut.

Dette stykket er en verdig hyllest til alt King’s Head står for. Få det med deg hvis du kan i løpet av de siste dagene, og jeg kan bare håpe at det settes opp på en annen scene veldig snart.

The Flannelettes spilles på Kings Head frem til 6. juni 2015