CRÍTICA: The Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

The Flannelettes. Foto: Francis Loney The Flannelettes

King's Head Theatre

19 de maio de 2015

5 Estrelas

The Flannelettes chega ao King’s Head Theatre como parte das celebrações do seu 45.º aniversário. A peça volta a reunir Richard Cameron e Mike Bradwell, a equipa que obteve um grande sucesso no Bush com The Glee Club (2002) e outras obras semelhantes. Partilha muitas qualidades com esse antecessor de sucesso nacional: o cenário numa cidade do Norte em declínio, povoada por mulheres duras ou exploradas e homens violentos ou ineficazes; onde a música preenche o enorme fosso entre as circunstâncias ásperas do quotidiano e as aspirações e anseios da alma. A cortina abre com um número-tributo à Tamla Motown num clube do Miners’ Welfare, que nos apresenta cinco das seis personagens da peça – Brenda (Suzan Sylvester), viúva que dirige o refúgio local para mulheres; a sua sobrinha, Delie (Emma Hook), que tem 22 anos mas com uma idade mental cerca de uma década mais nova; Roma (Holly Campbell), amiga mais velha e namorada, muito maltratada, de um líder de gangue local; Jean (Celia Robertson), uma mulher educada dos Home Counties, recém-chegada ao refúgio; e George (Geoff Leesley), um penhorista local afável mas já gasto, puxado com boa vontade para “fazer número”. Mais tarde junta-se-lhes na cena Jim (James Hornsby), um agente de polícia comunitária casado, que se revela estar a ter um caso com Brenda. O número de abertura faz parte de um ato regular, e o seu tom de aspiração romântica elevada, associado a uma sensação de desilusão implacável e inevitável, define o padrão da peça como um todo. As personagens fazem o melhor que podem para escapar a um conjunto de apuros aparentemente predeterminado e depois ensaiam ou interpretam temas Motown como um comentário coral à violência e ao desânimo que ameaçam engoli-las. Para que isto não pareça um cenário familiar e estático, diga-se desde já que cada uma das muitas cenas é belissimamente construída: a primeira metade estabelece uma caracterização rica e profunda, da qual emerge, na segunda metade, um drama de força crua. São interpretações minuciosas, em que inúmeros pequenos detalhes do texto, maneirismos ou gestos regressam e atingem-nos com novo significado numa segunda leitura/visão. Há um equilíbrio delicado entre comédia e pathos, que oscila e se desloca continuamente até uma viragem decisivamente sombria nas últimas cenas, interpretadas com grande elegância e técnica por todos os envolvidos. Embora haja desempenhos de destaque que tenho de assinalar nesta crítica, é sobretudo um triunfo de conjunto: o autor garante, como um librettista de ópera, que cada personagem tem momentos a solo eficazes, e duetos de contraste, antes de participar em conjuntos de verdadeira energia, espírito e – quando necessário – raiva. Todos os intérpretes são fortes e distintos; e, apesar da tristeza envolvente do final, fica a sensação de uma produção muito feliz, que deixa o público a sentir que está a acontecer uma afirmação da vida, a par de um exame quase forense de um abismo de abuso.

Parte da razão deste sentido de equilíbrio – e do sucesso global da produção – é que o foco está muito mais no desenvolvimento individual das personagens do que numa atribuição esquemática de culpas. Não há aqui uma tese dogmática: o declínio socioeconómico da cidade mineira é um dado adquirido, um pano de fundo sombrio, não uma agenda política. Não que isso, em abstrato, tivesse algo de errado, mas tornaria a peça muito diferente – uma abordagem à David Hare não se fundiria com o grito primordial da alma aqui mobilizado de forma tão comovente. Fundamental para a ação é a interpretação de Brenda por Sylvester: cansada, sem ilusões, infinitamente paciente e acolhedora. Ela é o centro emocional sereno da peça, em torno do qual as outras personagens gravitam e ao qual regressam. Seria fácil transformar isto numa caricatura da mulher do Norte firme e estoica, mas ela não desperdiça as oportunidades de revelar a sua própria desilusão e as suas feridas emocionais. Há momentos de vulnerabilidade tocante nas suas interações com os dois homens do elenco, em particular, que são muito marcantes. Ao seu lado no refúgio, Robertson transmite com segurança o percurso de Jean: de esposa traumatizada e vítima de violência doméstica até uma resistência combativa e uma recuperação, apesar da perda da família – na verdade, a única personagem que termina a peça num lugar psicológico melhor do que no início. Os dois homens – George e Jim – são mais difíceis de concretizar, devido ao sentimento constante e desgastante de falhanço que os define: George tem as melhores intenções, uma bondade e empatia genuínas, mas energia diminuída e pouca capacidade de levar as coisas até ao fim; Jim tem energia, mas pouca compreensão emocional, seja de si próprio, seja dos outros. Ambos não conseguem compreender as consequências desastrosas das suas próprias ações para as mulheres do refúgio. O poder continua a residir nos homens, sejam fracos ou (fora de cena) brutos e abusivos de forma manipuladora. Ambos os atores conseguem tornar estas personagens simpáticas, mesmo que a corrente emocional da peça tenda a construir uma elegia às mulheres e das mulheres.

Mas as interpretações verdadeiramente destacadas pertencem, sem dúvida, a Holly Campbell e Emma Hook. Durante grande parte da ação, Campbell tem de interpretar uma mulher a quem já não resta autoestima, que está a recuperar de abuso físico ou prestes a sofrer mais. Ela capta de forma muito económica e sem sentimentalismo a qualidade vazia, entorpecida, da vítima permanente, preservando ao mesmo tempo uma voz e personalidade diferentes para os seus sonhos de ter uma casa própria. Nas cenas com Hook, a recuperação mútua de um espaço para a esperança é profundamente comovente. Delie, porém, prende a atenção do público sempre que está em palco. Hook interpreta a personagem com inocência, sim, mas também com muitas outras camadas: a visão em túnel e a curiosidade implacável de uma criança com energia abundante mas confiança mal colocada surgem com força na primeira metade; e na segunda, à medida que a escuridão se fecha à sua volta, a perplexidade, a dor incompreendida e o desejo desesperado de manter algum tipo de âncora segura no mundo adulto começam a dominar, e vê-se o contorno de uma interpretação de verdadeira grandeza. O seu monólogo na secção final da peça é um dos dois ou três melhores momentos de teatro que vivi este ano; daqueles instantes em que o público está totalmente “no momento” com a atriz e todas as considerações externas desaparecem.

Esta peça é um tributo digno de tudo aquilo que o King’s Head representa. Apanhe-a, se puder, nestes últimos dias, e só posso esperar que chegue a outro palco muito em breve.

The Flannelettes fica em cena no Kings Head até 6 de junho de 2015