レビュー: ザ・フランネレッツ, キングス・ヘッド・シアター ✭✭✭✭✭

ザ・フランネルエッツ。写真：フランシス・ロニー ザ・フランネルエッツ

キングス・ヘッド・シアター

2015年5月19日

星5つ

ザ・フランネルエッツは、キングス・ヘッド・シアターの創立45周年記念プログラムの一環として上演される。戯曲は、ブッシュ・シアターでザ・グリー・クラブ（2002）などで大きな成功を収めたコンビ、リチャード・キャメロンとマイク・ブラッドウェルを再び結びつける。全国的なヒット作だった前作と共通する魅力も多い。舞台は不況に沈む北部の町。そこには、逞しい女性や搾取される女性、そして暴力的、あるいは無力な男性がいる。音楽は、荒々しい日常の現実と、内に秘めた魂の憧れや切望との間に横たわる大きな隔たりを埋め尽くす。幕が上がると、マイナーズ・ウェルフェア・クラブでのタムラ／モータウン・トリビュートのルーティン。ここで、登場人物6人のうち5人が紹介される――地元の女性シェルターを運営する未亡人ブレンダ（スーザン・シルヴェスター）、彼女の姪で22歳ながら精神年齢は10歳ほどのデリー（エマ・フック）、年上の友人で地元ギャングのリーダーの恋人として酷い仕打ちを受け続けるローマ（ホリー・キャンベル）、シェルターに最近身を寄せた、ホーム・カウンティーズ出身の教養ある女性ジーン（セリア・ロバートソン）、そして、場を埋めるため半ば引っ張り出された、愛想は良いが翳りのある地元の質屋ジョージ（ジェフ・リーズリー）。さらに後の場面で、既婚のコミュニティ・ポリス・オフィサーであるジム（ジェームズ・ホーンズビー）が加わるが、実は彼はブレンダと不倫関係にある。冒頭のナンバーは定番の持ち芸の一部であり、高らかな恋の憧れと、容赦なく避けがたい失望の感覚が併走するそのトーンが、作品全体の型を決定づける。登場人物たちは、あらかじめ定められたかのような窮状から必死に抜け出そうとし、その合間にモータウン・ナンバーを稽古し、あるいは披露することで、彼女たちを呑み込みかねない暴力と絶望に対する合唱（コーラス）的なコメントを響かせる。ありきたりで停滞した図式に見えるかもしれないが、すぐに付け加えておきたい。数多い場面の一つ一つが見事に彫琢されており、前半で豊かで深い人物造形が築かれ、その土台から後半、むき出しの力を持つドラマが立ち上がってくる。きわめて精緻な演技で、台詞の小さな含みや癖、身振りの多くが、二度目に目を向けたとき新たな意味を帯びてこちらに返ってくる。コメディと哀感の繊細な均衡が揺れ動き続け、終盤数場面で決定的に暗い転回を迎えるのだが、それも関係者全員によって、優雅さと確かな技術で演じ切られる。抜きん出た演技はいくつも挙げたくなるが、何よりこれはアンサンブルの勝利だ。作家はオペラの台本作家のように、各人物に効果的なソロの見せ場を与え、対比の利いたデュエットを配し、そのうえで、エネルギーと機知、そして必要に応じて怒りに満ちた合奏へ参加させる。役者は全員が力強く個性に富む。結末を包む深い悲しみがありながらも、この上演は不思議なほど幸福感を帯びていて、観客には、虐待という深淵を法医学的に覗き込む冷徹さと同時に、生の肯定が確かに起きているのだという感触を残す。

このバランス感覚、そして作品全体の成功の理由の一つは、図式的に「誰が悪いか」を割り当てることよりも、個々の人物の成長と変化に焦点が置かれている点にある。ここに教条的な命題はない。炭鉱の町の社会経済的な衰退は前提であり、政治的アジェンダではなく、冷たい背景として横たわる。抽象的に言えば政治性が悪いわけではないが、そうするとまったく別の芝居になるだろう――たとえばデヴィッド・ヘア的な手法は、ここでこれほど胸を打つかたちで放たれる魂の原初的な叫びとは融合しない。動きの核にあるのは、シルヴェスターによるブレンダ像だ。疲れの滲む、幻想を抱かない、それでも底知れず忍耐強く、受け止め続ける彼女の造形が作品を支える。ブレンダは、他の人物が周回し、立ち返る静かな感情の中心である。彼女を「北部の肝っ玉母さん」的な類型にしてしまうのは容易だが、与えられた機会を逃さず、自身の失望や心の傷もきちんと見せる。特に男性キャスト2人とのやり取りには、胸を打つ脆さが垣間見える瞬間があり、とても効いている。同じシェルターでロバートソンは、トラウマを負ったDV被害者の妻から、気骨ある抵抗と回復へ至るジーンの道のりを的確に伝える。家族を失いながらも、芝居の終わりに唯一、開始時より心理的に良い地点に立っている人物だろう。男性2人――ジョージとジム――は、人物に一貫して漂う、消耗させるような「失敗感」のせいで演じるのがより難しい。ジョージには善意があり、本当の優しさと共感もあるが、気力と物事をやり遂げる力が削がれている。ジムにはエネルギーがあるものの、自分にも他者にも情緒的理解が乏しい。どちらも、自分たちの行動がシェルターの女性たちにもたらす破滅的な結果を理解できない。権力はなおも男たちの側にあり、それは弱い男か、（舞台外にいる）粗暴で操作的な虐待者である。両俳優は、作品の感情の流れが女性たちのための、そして女性たちによる挽歌（スレノディ）を立ち上げる方向へ引っ張られるなかでも、この男たちを同情可能な存在として成立させている。

とはいえ、際立つ演技は間違いなくホリー・キャンベルとエマ・フックにある。キャンベルは物語の大半で、自己肯定感が完全に失われ、暴力の傷から回復しきらぬまま、あるいはこれからさらなる暴力を受けるかもしれない女性を演じなくてはならない。彼女は、常習的な被害者が持つ虚ろな目と麻痺した気配を、感傷に流れず最小限の手数で捉えつつ、「自分の家を持ちたい」という希望に向けた別の声と人格を保っている。フックとの場面では、二人が希望のための場所を取り戻していく過程がとても感動的だ。いっぽうデリーは、舞台にいるだけで観客の視線を奪う存在である。無垢さは確かにあるが、それだけではない層が幾重にも重なる。前半では、エネルギーに溢れながらも向ける相手を誤った信頼を抱く子どもの、視野の狭さと止まらない好奇心が強く伝わる。後半、闇が彼女の周囲に迫るにつれ、当惑、理解できない痛み、そして大人の世界に何らかの確かな錨を必死に求める欲求が前面に出てきて、真に壮大な演技の輪郭が見えてくる。終盤の彼女のモノローグは、私が今年体験した演劇のなかでも屈指の瞬間の一つだ。観客が完全に役者と同じゾーンに入り込み、余計なものがすべて剥ぎ落とされる、ああいう時間が確かに存在する。

本作は、キングス・ヘッドが体現してきたものすべてへの、ふさわしい賛歌である。残り日程が限られているが、可能ならぜひ観てほしい。そして、近いうちに別の劇場でも上演されることを願ってやまない。

『ザ・フランネルエッツ』はキングス・ヘッド・シアターにて2015年6月6日まで上演