CRITIQUE : Les Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

Les Flannelettes. Photo : Francis Loney Les Flannelettes

Théâtre du King's Head

19 mai 2015

5 étoiles

Les Flannelettes viennent au King's Head Theatre dans le cadre des célébrations du 45e anniversaire. La pièce réunit Richard Cameron et Mike Bradwell, l'équipe qui avait connu un tel succès au Bush avec The Glee Club (2002) et des œuvres similaires. Elle partage de nombreuses qualités similaires à son prédécesseur, couronné de succès national : un décor dans une ville du Nord déprimée, peuplée de femmes dures ou exploitées et d'hommes violents ou inefficaces ; où la musique comble le fossé énorme entre les circonstances difficiles de la vie quotidienne et les aspirations et désirs de l'âme à l'intérieur. Le rideau se lève sur une routine hommage à Tamla Motown dans un club de bienfaisance des mineurs, qui nous présente cinq des six personnages de la pièce – Brenda (Suzan Sylvester), une veuve qui gère le refuge local pour femmes ; sa nièce, Delie (Emma Hook), âgée de 22 ans mais avec un âge mental dix ans plus jeune ; Roma (Holly Campbell), sa vieille amie et la petite amie souvent maltraitée d'un chef de gang local ; Jean (Celia Robertson), une femme instruite des comtés du Sud-Est, récemment arrivée au refuge, et George, (Geoff Leesley) un prêteur sur gages local jovial mais décoloré, entraîné à monter le numéro. Ils sont rejoints plus tard dans la scène par Jim, (James Hornsby) un officier de police communautaire marié, qui, il s'avère, a une liaison avec Brenda. Le numéro d'ouverture fait partie d'un acte régulier, et son ton d'aspiration romantique exaltée combiné à un sens de déception inexorable et inévitable donne le ton à l'ensemble de la pièce. Les personnages font de leur mieux pour échapper à un ensemble apparemment prédestiné de prédicaments puis répètent ou interprètent des morceaux de Motown comme un commentaire choral sur la violence et le désespoir qui menacent de les submerger. Si cela semble être à la fois un scénario familier et statique, permettez-moi de dire immédiatement que chacune des nombreuses scènes est magnifiquement réalisée, de sorte que la première moitié établit une caractérisation riche et profonde à partir de laquelle un drame de puissance brute émerge dans la seconde moitié. Ce sont des performances détaillées où de nombreux petits points de texte, de maniérisme ou de geste reviennent vous frapper avec une nouvelle signification la deuxième fois qu'on les remarque. Il y a un équilibre délicat entre comédie et pathétique qui continue d'osciller et de se déplacer jusqu'à un virage sombre décisif dans les dernières scènes, qui sont jouées avec une grande grâce et compétence par tous les concernés. Bien qu'il y ait des performances exceptionnelles que je dois souligner dans cette critique, c'est avant tout un succès d'ensemble, où l'écrivain s'assure, comme un librettiste d'opéra, que chacun des personnages a ses moments de solo efficaces, et des duos de contraste avant de participer à des ensembles d'énergie réelle, d'esprit et – le cas échéant – de colère. Tous les acteurs sont forts et distinctifs ; et pour toute la tristesse enveloppante de la fin, la production apparaît comme très heureuse, laissant le public avec le sentiment qu'une affirmation de la vie a lieu ainsi qu'un examen minutieux d'un abîme d'abus.

Une partie de la raison de ce sentiment d'équilibre et de la réussite globale de la production est que l'accent est très porté sur le développement individuel des personnages plutôt que sur l'attribution schématique de la culpabilité. Il n'y a pas de thèse dogmatique ici : la décomposition socio-économique de cette ville minière est un fait établi, un arrière-plan sombre, pas un agenda politique. Non que ce serait quelque chose de mal dans l'abstrait, mais cela en ferait une pièce très différente – une approche à la David Hare ne fusionnerait pas avec le cri primal de l'âme utilisé ici de manière si émouvante. Fondamental pour l'action est la prestation de Sylvester, usée par les soucis, désenchantée, patiente sans fin et acceptante dans le rôle de Brenda. Elle est le centre émotionnel calme de la pièce autour duquel les autres personnages tournent, et vers lequel ils reviennent. Il serait facile de tourner cela en une caricature de femme nordique stoïque et inébranlable mais elle ne rate pas les occasions qui lui sont données de révéler ses propres déceptions et dommages émotionnels. Il y a des moments de vulnérabilité touchante dans ses interactions avec les deux hommes du casting en particulier qui sont très émouvants. Aux côtés d'elle dans le refuge, Robertson transmet habilement le parcours de Jean, d'épouse battue traumatisée à résistante déterminée et récupérée malgré la perte de sa famille – vraiment le seul personnage qui termine la pièce dans un meilleur état psychologique qu'auparavant. Les deux hommes – George et Jim – sont plus difficiles à réussir en raison du sentiment constant et épuisant d'échec dans leurs personnages – George a les meilleures intentions, une vraie gentillesse et empathie, mais une énergie diminuée et une capacité à mener les choses à bien ; Jim a de l'énergie mais peu de compréhension émotionnelle, que ce soit de lui-même ou des autres. Les deux ne parviennent pas à comprendre les conséquences désastreuses de leurs propres actions sur les femmes dans le refuge. Le pouvoir réside toujours auprès des hommes, soit faibles soit (hors scène) brutaux et abusifs de manière manipulatrice. Les deux acteurs parviennent à rendre ces hommes sympathiques même si le tiraillement émotionnel et le flot de la pièce établissent une lamentation pour et des femmes.

Mais les performances remarquables reposent indéniablement sur Holly Campbell et Emma Hook. Pendant la plupart des actions, Campbell doit jouer une femme sans plus aucune estime de soi qui récupère soit de violences physiques qu'elle a subies, soit qu'elle s'apprête à en subir à nouveau. Elle capture de manière très économique et sans sentimentalisme le regard vide et la qualité engourdie de la victime perpétuelle, tout en préservant une voix et une personnalité distinctes pour ses espoirs d'avoir un foyer à elle. Dans ses scènes avec Hook, leur rétablissement mutuel d'un espace pour l'espoir est très émouvant. Delie, cependant, est le centre de l'attention du public chaque fois qu'elle est sur scène. Elle interprète son personnage avec innocence bien sûr, mais avec de nombreuses autres couches également : la vision en tunnel et la curiosité incessante d'un enfant avec une abondance d'énergie mais une confiance mal placée se manifestent puissamment dans la première moitié ; et dans la seconde, alors que l'obscurité se referme autour d'elle, la perplexité, la douleur incompréhensible et le désir désespéré de conserver une ancre sécurisée dans le monde adulte commencent à prendre le dessus et l'on voit les contours d'une performance de véritable grandeur. Son monologue dans la section finale de la pièce est l'un des deux ou trois meilleurs moments théâtraux que j'ai vécus cette année ; l'un de ces moments où le public est entièrement en phase avec l'actrice et toutes les considérations superflues sont dépouillées.

Cette pièce est un hommage digne de ce que représente le King's Head. Ne manquez pas de la voir dans ses derniers jours, et je ne peux qu'espérer qu'elle sera reprise sur une autre scène très bientôt.

Les Flannelettes se jouent au Kings Head jusqu'au 6 juin 2015