RESEÑA: The Medium y The Wanton Sublime, Teatro Arcola ✭✭✭✭

Hai Ting Chinn en The Wanton Sublime. Foto: Robert Workman The Medium y The Wanton Sublime

Arcola Studio 2

26/08/15

4 estrellas

Y así llegamos a la culminación de la sección de ópera contemporánea del Festival Grimeborn: un programa doble formado por The Medium, de Peter Maxwell Davies, y The Wanton Sublime, una obra nueva de Tarik O’Regan, con libreto de Anna Rabinowitz. Robert Shaw dirigió ambas óperas y la Orpheus Sinfonia, bajo la batuta de Andrew Griffiths, acompañó la segunda parte. No cabía un alfiler: entradas agotadas ante la promesa de una velada de altísima calidad musical, una expectativa que, en gran medida, se vio cumplida.

Maxwell Davies escribió tanto el texto como la música para este monólogo sin acompañamiento de cincuenta minutos en 1981, y se mantiene como una de sus obras escénicas más sólidas y perdurables. No se representa con demasiada frecuencia, presumiblemente por las enormes exigencias que impone a la cantante/intérprete, pero cuesta imaginar una versión mejor que la que ofreció aquí la mezzosoprano Hai-Ting Chinn.

Al entrar en Studio 2, la cantante ya está en su sitio y en personaje, sentada completamente erguida, con un pulcro corpiño de encaje y envuelta en un chal: ese aire pintoresco, entre gitano y victoriano, típico de los disfraces de médiums y quirománticas. No hay escenografía más allá de una pasarela blanca elevada, colocada en diagonal dentro del espacio de representación. Damos por hecho que estamos en una carpa de feria, mientras la médium espera a sus clientes.

Así arranca, efectivamente, el espectáculo: la cantante se centra en tres personas del público para leerles la palma de la mano. Pero pronto queda claro que no es una médium cualquiera. Junto a las banalidades habituales del oficio, aparece un deslenguado y nada halagador comentario hacia los clientes... ¿estamos realmente en una feria? ¿O más bien en un mundo de invenciones propias? Poco a poco, la médium se adentra en un pasado claramente turbulento y despliega largas secuencias de canto melismático que describen éxtasis tanto religiosos como sexuales. Parece estar canalizando las voces de su «imaginación sonámbula». En distintos momentos, estas incluyen a un niño cambiado, un perro, una criada, una víctima de violación, una novicia, además de otros personajes. La voz debe abarcar un rango enorme, tanto de notas como de estilos: desde el canto más directo hasta el habla cantada. Estos pasajes son extraordinariamente exigentes, vocal y físicamente. En ocasiones, Chinn se retorcía en el suelo a apenas unos palmos de mis zapatos y, aun así, mantenía una afinación de una precisión absoluta. Fue enormemente impresionante, pero también incómodo e inquietante, sin duda tal y como se pretendía.

Los temas de la locura, la condenación, la transgresión y los caminos que las conectan son centrales en este compositor, y quizá convenga ver esta obra junto a Eight Songs for a Mad King (1969), su estudio de la desintegración de la cordura de Jorge III. No es una pieza que uno quiera escuchar a menudo, pero dejó una profunda impresión en el público, y no sorprendió que —dada la tensión visible de la interpretación— la cantante se marchara en el apagón final sin salir a saludar, para prepararse para su siguiente papel en solitario tras el descanso. Con cualquier baremo, fue una actuación magnífica de cinco estrellas, con dicción cristalina y vis cómica, además de un patetismo trágico.

Hai Ting Chinn en The Medium. Foto: Robert Workman Si la segunda pieza resultó menos satisfactoria, desde luego no fue por culpa de Chinn, que volvió a regalarnos una interpretación sin tacha. The Wanton Sublime requiere un conjunto de cámara relativamente amplio —cuerdas, flauta, guitarras y percusión— y, por desgracia, sentado como estaba detrás de las guitarras amplificadas, en el espacio reducido de Studio Two apenas pude distinguir el complejo texto. O’Regan es quizá más conocido por su ópera basada en Heart of Darkness de Conrad. Los rasgos distintivos de su estilo estaban muy presentes en esta nueva obra, en su estreno europeo. Su escritura está muy influida por la polifonía renacentista, y la línea vocal se entiende mejor como una línea más entre muchas, entretejidas con una complejidad rítmica creciente en el conjunto. Dado que no podía oír las palabras, así fue como tuve que abordarla. Como experiencia puramente sonora, ofreció momentos de gran belleza tonal acumulativa, una especie de antídoto frente al carácter implacable de la primera mitad. A lo largo de la obra, Chinn —en el papel de la Virgen María— protesta contra los papeles que Dios le exige desempeñar. Su línea vocal se intercala con su propia voz grabada, cantando una serie de textos sagrados. Avanza por la pasarela blanca, despojándose de un elegante traje de oficina hasta quedarse en ropa interior y, después, volviendo poco a poco a ponerse un vestido de cóctel azul y joyas... el esquema de color tradicional de la Virgen María, pero sin sugerir una sumisa aceptación como sierva del Señor. Es una lástima que no tuviéramos un programa de mano con el texto (como sí ocurrió antes en el festival con Pierrot Lunaire), porque entonces sería posible decir más sobre el libreto y su relación con la música.

Había bastantes semejanzas temáticas entre ambas piezas, lo que hacía que emparejarlas, a simple vista, tuviera bastante sentido; pero todo eso quedó en nada por las dificultades prácticas de encajar una obra de tal envergadura en un espacio tan diminuto. Hacer casar programas dobles es notoriamente complicado tanto en teatro como en ópera, y en este caso habría sido claramente mejor trasladarla al espacio principal de Arcola, en las noches en que no hubiera función del espectáculo principal.

Me queda un poco de espacio para comentar los temas más amplios de las propuestas contemporáneas de Grimeborn este año. Han demostrado que la aspereza o la aparente inaccesibilidad de parte de la música no es obstáculo para una gran noche de ópera si el resto de valores creativos están plenamente presentes y se ha pensado con cuidado en las necesidades del público. Si el drama y la caracterización son claros, se aceptarán barreras más altas en otros frentes. Esto se vio con especial claridad en el programa doble de apertura, Clown of Clowns, que ofrecía una reflexión realmente profunda sobre las posibilidades trágicas y cómicas de las tradiciones del pierrot, el payaso y el circo: exigente en el mejor sentido y, además, muy divertido.

Ojalá el festival del año que viene traiga muchas óperas nuevas. El público ha respondido de verdad a estas obras, algo muy alentador, al igual que la oportunidad de intercambiar impresiones y comentarios después, que espero que continúe.